Publikációk a Zene rovatban

Orosz zeneszerzők öt nagyszerű szimfóniája

A zene világában vannak egyedi, ikonikus művek, amelyek hangjai a zenei élet krónikáját írják. Ezen művek egy része forradalmi áttörést jelent a művészetben, másokat összetett és mély koncepció jellemzi, mások alkotásuk rendkívüli történetével ámulatba ejtenek, a negyedik a zeneszerző stílusának egyedi bemutatása, az ötödik pedig... olyan gyönyörű zenét, hogy lehetetlen nem említeni őket. A zeneművészet becsületére legyen mondva, rengeteg ilyen alkotás van, példaként beszéljünk öt válogatott orosz szimfóniáról, amelyek egyediségét nehéz túlbecsülni.

Alekszandr Borogyin második (hősi) szimfóniája (b-moll, 1869–1876)

Oroszországban a 19. század második felére a zeneszerzők körében érlelődött egy fix ötlet: ideje megalkotni saját, orosz szimfóniájukat. Európában ekkorra ünnepelte századik évfordulóját a szimfónia, amely végigjárta az evolúciós lánc minden szakaszát: a színházi színpadot elhagyó, az operától külön előadott operanyitánytól az olyan kolosszusokig, mint Beethoven 9. szimfóniája. (1824) vagy Berlioz Fantasztikus szimfóniája (1830). Oroszországban ennek a műfajnak nem jött be a divatja: egyszer, kétszer kipróbálták (Dmitrij Bortnyanszkij - Koncertszimfónia, 1790; Alekszandr Aljabjev - e-moll, Esz-dúr szimfóniák) -, és elvetették ezt az ötletet, hogy évtizedekkel később térjen vissza hozzá Anton Rubinstein, Milija Balakirev, Nyikolaj Rimszkij-Korszakov, Alekszandr Borodin és mások műveiben.

Az említett zeneszerzők teljesen helyesen ítéltek meg, mert rájöttek, hogy az európai bőség hátterében egyetlen orosz szimfónia büszkélkedhet, az a nemzeti íz. És Borodinnak nincs párja ebben. Zenéje a végtelen síkságok kiterjedését, az orosz lovagok vitézségét, a népdalok őszinteségét lélegzi be fájó, megható hangjával. A szimfónia emblémája volt az első tétel fő témája, melynek hallatán a zeneszerző barátja és mentora, Vlagyimir Sztaszov zenetudós két nevet javasolt: először „Oroszlán”, majd egy megfelelőbb ötletet: „Bogatyrskaya”.

Ugyanannak Beethovennek vagy Berlioznak az emberi szenvedélyekre és élményekre épülő szimfonikus műveitől eltérően a Bogatyr-szimfónia időről, történelemről és emberekről mesél. A zenében nincs dráma, nincs kifejezett konfliktus: simán változó festmények sorozatára hasonlít. Ez pedig alapvetően tükröződik a szimfónia felépítésében, ahol az általában második helyen álló lassú tétel és a (hagyományosan utána érkező) élénk scherzo helyet cserél, a finálé pedig általánosított formában ismétli az első gondolatait. mozgalom. Borodinnak így sikerült maximális kontrasztot elérnie a nemzeti eposz zenei illusztrálásában, Bogatyrskaya szerkezeti modellje pedig később Glazunov, Myaskovsky és Prokofjev epikus szimfóniáinak mintául szolgált.

Pjotr ​​Csajkovszkij Hatodik (szánalmas) szimfóniája (h-moll, 1893)

Annyi bizonyíték, értelmezés és kísérlet van a tartalmának magyarázatára, hogy ennek a műnek a teljes leírása idézetekből állhat. Íme az egyik közülük, Csajkovszkij unokaöccsének, Vlagyimir Davydovnak írt leveléből, akinek a szimfóniát szentelték: „Az utazás során eszembe jutott egy újabb szimfónia, ezúttal egy program, de egy olyan programmal, amely mindenki számára rejtély marad. Ezt a műsort hatja át a legjobban a szubjektivitás, és utazásaim során, gondolatban is sokszor sírtam.”. Ez milyen program? Csajkovszkij ezt unokatestvérének, Anna Merklingnek vallja, aki felvetette, hogy ebben a szimfóniában írja le életét. "Igen, jól sejtette", - erősítette meg a zeneszerző.

Az 1890-es évek elején az emlékiratok megírásának gondolata többször is megfordult Csajkovszkijban. Az „Élet” című, befejezetlen szimfóniájának vázlatai ebből az időből származnak. A fennmaradt vázlatokból ítélve a zeneszerző az élet bizonyos elvont szakaszait tervezte ábrázolni: fiatalság, tevékenységszomj, szerelem, csalódás, halál. Csajkovszkijnak azonban nem volt elég az objektív terv, a munka megszakadt, de a Hatodik szimfóniában kizárólag személyes élmények vezérelték. Milyen beteg lehetett a zeneszerző lelke, hogy ilyen hihetetlen, elképesztő hatáserővel megszületett a zene!

A lírai-tragikus első rész és a finálé elválaszthatatlanul összefügg a halál képével (az első rész kidolgozásában a „Nyugodj a szentekkel” spirituális ének témája szerepel), ahogyan ezt a szimfóniára hivatkozva maga Csajkovszkij is vallotta. válaszul Konsztantyin Romanov nagyherceg javaslatára a „Requiem” megírására. Ezért érzékelhető olyan élesen a fényes lírai intermezzo (ötütemes keringő a második részben) és az ünnepélyes és diadalmas scherzo. Sok vita folyik az utóbbinak a kompozícióban betöltött szerepéről. Úgy tűnik, Csajkovszkij megpróbálta megmutatni a földi dicsőség és boldogság hiábavalóságát az elkerülhetetlen veszteséggel szemben, megerősítve ezzel Salamon nagyszerű mondását: "Minden elmúlik. Ez is el fog múlni".

Sándor Szkrjabin harmadik szimfóniája („Isteni költemény”) (c-moll, 1904)

Ha egy sötét őszi estén felkeresi a moszkvai Alekszandr Szkrjabin Ház-Múzeumot, biztosan érezni fogja azt a kísérteties és titokzatos légkört, amely a zeneszerzőt életében körülvette. Különös szerkezet színes izzókból az asztalon a nappaliban, dús kötetek filozófiáról és okkultizmusról a könyvespolc ajtajának felhős üvege mögött, és végül egy aszketikus kinézetű hálószoba, ahol Szkrjabin, aki egész életében attól félt, hogy meghal. vérmérgezéstől, szepszisben halt meg. Komor és titokzatos hely, amely tökéletesen demonstrálja a zeneszerző világképét.

Nem kevésbé jelzi Szkrjabin gondolkodását Harmadik szimfóniája, amely a kreativitás úgynevezett középső periódusát nyitja meg. Szkrjabin ekkor fokozatosan fogalmazta meg filozófiai nézeteit, melynek lényege, hogy az egész világ a saját kreativitás és a saját gondolatok eredménye (a szolipszizmus szélsőséges szakaszában), és hogy a világteremtés és a művészet létrejötte. lényegében hasonló folyamatok. Ezek a folyamatok a következőképpen zajlanak: az alkotói lankadtság elsődleges káoszából két princípium keletkezik: az aktív és a passzív (férfi és nő). Az első isteni energiát hordoz, a második az anyagi világot hozza létre természeti szépségeivel. Ezen alapelvek kölcsönhatása kozmikus eroszt hoz létre, ami eksztázishoz – a szellem szabad diadalához – vezet.

Bármennyire is furcsán hangzik a fentiek, Szkrjabin őszintén hitt a Genezisnek ebben a modelljében, amely szerint a Harmadik szimfónia íródott. Első részét „Küzdelemnek” (egy ember-rabszolga harca, aki a világ legfőbb Urának és egy ember-istennek engedelmeskedik), a másodikat „Örömöknek” (az ember átadja magát az érzéki világ örömeinek) hívják. , feloldódik a természetben), és végül a harmadik – „Isteni játék” (a felszabadult szellem, „a világegyetemet teremtő akaratának egyedüli erejével teremti”, a „szabad tevékenység magasztos örömét” fogja fel). De a filozófia az filozófia, és maga a zene is csodálatos, felfedi a szimfonikus zenekar minden hangszínét.

Szergej Prokofjev első (klasszikus) szimfóniája (D-dúr, 1916–1917)

Az év 1917, nehéz háborús évek, forradalom. Úgy tűnik, a művészetnek komoran kell összeráncolnia a homlokát, és fájdalmas dolgokról kellene mesélnie. De a szomorú gondolatok nem Prokofjev zenéjéhez tartoznak - napfényes, csillogó, fiatalosan bájos. Ez az első szimfóniája.

A zeneszerzőt már diákkorában is érdekelte a bécsi klasszikusok munkássága. Most egy mű a la Haydn származik az ő tollából. „Számomra úgy tűnt, ha Haydn a mai napig él, megőrizte volna az írásmódját, és egyúttal valami újat is átvett volna.”, - kommentálta ötletét Prokofjev.

A zeneszerző a zenekar szerény kompozícióját választotta, ismét a bécsi klasszicizmus jegyében - nehéz rézfúvósok nélkül. A textúra és a hangszerelés könnyed és átlátszó, a mű léptéke nem nagy, a kompozíció harmonikus, logikus. Egyszóval nagyon emlékeztet a klasszicizmus művére, amely tévedésből a XX. Vannak azonban tisztán Prokofjev-emblémák is, például a scherzo helyett kedvenc gavotte-műfaja a harmadik tételben (a zeneszerző később a „Rómeó és Júlia” című balettben használta ezt a zenei anyagot), valamint egy éles „paprika” ” harmónia és a zenei humor szakadéka.

Dmitrij Sosztakovics hetedik (leningrádi) szimfóniája (C-dúr, 1941)

1942. július 2-án egy húszéves pilóta, Litvinov hadnagy csodával határos módon áttörte az ellenséges bekerítést, és sikerült orvosságot és négy kövérkés könyvet hoznia D. D. Hetedik szimfóniájának partitúrájával az ostromlott Leningrádba. Sosztakovics, másnap pedig egy rövid feljegyzés jelent meg a Leningrádi Pravdában: „Dmitrij Sosztakovics Hetedik szimfóniájának partitúráját repülővel szállították Leningrádba. Nyilvános előadása a Filharmónia Nagytermében lesz..

Olyan esemény, amelynek a zenetörténet soha nem ismert analógját: egy ostromlott városban rettenetesen kimerült zenészek (mindenki, aki életben maradt) Carl Eliasberg karmester vezényletével adták elő Sosztakovics új szimfóniáját. Ugyanaz, amit a zeneszerző az ostrom első heteiben komponált, egészen addig, amíg családjával együtt Kujbisevbe (Szamara) nem menekítették. A leningrádi bemutató napján, 1942. augusztus 9-én a Leningrádi Filharmónia nagyterme zsúfolásig megtelt a kimerült, áttetsző arcú, de ugyanakkor elegáns ruházatú városlakókkal és az egyenesen a Budapestről érkezett katonákkal. frontvonal. A szimfóniát rádió hangszóróin keresztül sugározták az utcára. Azon az estén az egész világ mozdulatlanul állt és hallgatta a zenészek példátlan bravúrját.

...Figyelemre méltó, de a híres témát Ravel „Bolerója” jegyében, amelyet ma már rendszerint egy fasiszta hadsereggel személyesítenek meg, aki esztelenül mozgat és pusztít mindent, ami az útjába kerül, Sosztakovics még a háború kezdete előtt megírta. Ez azonban teljesen természetesen bekerült a Leningrádi Szimfónia első részébe, az úgynevezett „inváziós epizód” helyére. Az életigenlő befejezés is prófétaira sikeredett, megelőlegezte a vágyott Győzelmet, amelytől még oly hosszú három és fél év választotta el...

A zene világában vannak egyedi, ikonikus művek, amelyek hangjai a zenei élet krónikáját írják. Ezen művek egy része forradalmi áttörést jelent a művészetben, másokat összetett és mély koncepció jellemzi, mások alkotásuk rendkívüli történetével ámulatba ejtenek, a negyedik a zeneszerző stílusának egyedi bemutatása, az ötödik pedig... olyan gyönyörű zenét, hogy lehetetlen nem említeni őket. A zeneművészet becsületére legyen mondva, rengeteg ilyen alkotás van, példaként beszéljünk öt válogatott orosz szimfóniáról, amelyek egyediségét nehéz túlbecsülni.

♫♪ ♫♪ ♫♪

ALEXANDER BORODIN MÁSODIK (HŐSI) SZIMFÓNIÁJA (B-MOLL, 1869–1876)

Oroszországban a 19. század második felére egy fix ötlet érlelődött a zeneszerzők körében: ideje megalkotni saját, orosz szimfóniájukat. Európában ekkorra ünnepelte századik évfordulóját a szimfónia, amely végigjárta az evolúciós lánc minden szakaszát: a színházi színpadot elhagyó, az operától külön előadott operanyitánytól az olyan kolosszusokig, mint Beethoven 9. szimfóniája. (1824) vagy Berlioz Fantasztikus szimfóniája (1830). Oroszországban ennek a műfajnak nem jött be a divatja: egyszer, kétszer kipróbálták (Dmitrij Bortnyanszkij - Koncertszimfónia, 1790; Alekszandr Aljabjev - e-moll, Esz-dúr szimfóniák) -, és elvetették ezt az ötletet, hogy évtizedekkel később térjen vissza hozzá Anton Rubinstein, Milija Balakirev, Nyikolaj Rimszkij-Korszakov, Alekszandr Borodin és mások műveiben.

Az említett zeneszerzők teljesen helyesen ítéltek meg, mert rájöttek, hogy az európai bőség hátterében egyetlen orosz szimfónia büszkélkedhet, az a nemzeti íz. És Borodinnak nincs párja ebben. Zenéje a végtelen síkságok kiterjedését, az orosz lovagok vitézségét, a népdalok őszinteségét lélegzi be fájó, megható hangjával. A szimfónia emblémája volt az első tétel fő témája, melynek hallatán a zeneszerző barátja és mentora, Vlagyimir Sztaszov zenetudós két nevet javasolt: először „Oroszlán”, majd egy megfelelőbb ötletet: „Bogatyrskaya”.

Ugyanannak Beethovennek vagy Berlioznak az emberi szenvedélyekre és élményekre épülő szimfonikus műveitől eltérően a Bogatyr-szimfónia időről, történelemről és emberekről mesél. A zenében nincs dráma, nincs kifejezett konfliktus: simán változó festmények sorozatára hasonlít. Ez pedig alapvetően tükröződik a szimfónia felépítésében, ahol az általában második helyen álló lassú tétel és a (hagyományosan utána érkező) élénk scherzo helyet cserél, a finálé pedig általánosított formában ismétli az első gondolatait. mozgalom. Borodinnak így sikerült maximális kontrasztot elérnie a nemzeti eposz zenei illusztrálásában, Bogatyrskaya szerkezeti modellje pedig később Glazunov, Myaskovsky és Prokofjev epikus szimfóniáinak mintául szolgált.

I. Allegro (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trió: Allegretto (07:50)
III. Andante (13:07)
IV. Döntő: Allegro (23:42)

♫♪ ♫♪ ♫♪

CSAIKOVSZKIJ PÉTER HATODIK (SZÁNYALMAS) SZIMFÓNIÁJA (B-moll, 1893)


Annyi bizonyíték, értelmezés és kísérlet van a tartalmának magyarázatára, hogy ennek a műnek a teljes leírása idézetekből állhat. Íme az egyik közülük Csajkovszkij unokaöccsének, Vlagyimir Davydovnak írt leveléből, akinek a szimfóniát dedikálták: „Az utazás során eszembe jutott egy másik szimfónia, ezúttal egy műsoros, de egy olyan programmal, amely megmarad. rejtély mindenki számára. Ezt a műsort a legjobban áthatja a szubjektivitás, és utazásaim során gyakran, gondolatban komponáltam, sokat sírtam.” Ez milyen program? Csajkovszkij ezt unokatestvérének, Anna Merklingnek vallja, aki felvetette, hogy ebben a szimfóniában írja le életét. „Igen, jól sejtette” – erősítette meg a zeneszerző.

Az 1890-es évek elején az emlékiratok megírásának gondolata többször is megfordult Csajkovszkijban. Az „Élet” című, befejezetlen szimfóniájának vázlatai ebből az időből származnak. A fennmaradt vázlatokból ítélve a zeneszerző az élet bizonyos elvont szakaszait tervezte ábrázolni: fiatalság, tevékenységszomj, szerelem, csalódás, halál. Csajkovszkijnak azonban nem volt elég az objektív terv, a munka megszakadt, de a Hatodik szimfóniában kizárólag személyes élmények vezérelték. Milyen beteg lehetett a zeneszerző lelke, hogy ilyen hihetetlen, elképesztő hatáserővel megszületett a zene!

A lírai-tragikus első rész és a finálé elválaszthatatlanul összefügg a halál képével (az első rész kidolgozásában a „Nyugodj a szentekkel” spirituális ének témája szerepel), ahogyan ezt a szimfóniára hivatkozva maga Csajkovszkij is vallotta. válaszul Konsztantyin Romanov nagyherceg javaslatára a „Requiem” megírására. Ezért érzékelhető olyan élesen a fényes lírai intermezzo (ötütemes keringő a második részben) és az ünnepélyes és diadalmas scherzo. Sok vita folyik az utóbbinak a kompozícióban betöltött szerepéről. Úgy tűnik, Csajkovszkij megpróbálta megmutatni a földi dicsőség és boldogság hiábavalóságát az elkerülhetetlen veszteséggel szemben, megerősítve ezzel Salamon nagyszerű mondását: „Minden elmúlik. Ez is el fog múlni."

1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro con grazia 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. Döntő. Adagio lamentoso 33:44

♫♪ ♫♪ ♫♪

HARMADIK SZIMFÓNIÁJA („ISTENI VERS”), ALEXANDER SCRYABIN (C-moll, 1904)

Ha egy sötét őszi estén felkeresi a moszkvai Alekszandr Szkrjabin Ház-Múzeumot, biztosan érezni fogja azt a kísérteties és titokzatos légkört, amely a zeneszerzőt életében körülvette. Különös szerkezet színes izzókból az asztalon a nappaliban, dús kötetek filozófiáról és okkultizmusról a könyvespolc ajtajának felhős üvege mögött, és végül egy aszketikus kinézetű hálószoba, ahol Szkrjabin, aki egész életében attól félt, hogy meghal. vérmérgezéstől, szepszisben halt meg. Komor és titokzatos hely, amely tökéletesen demonstrálja a zeneszerző világképét.

Nem kevésbé jelzi Szkrjabin gondolkodását Harmadik szimfóniája, amely a kreativitás úgynevezett középső periódusát nyitja meg. Szkrjabin ekkor fokozatosan fogalmazta meg filozófiai nézeteit, melynek lényege, hogy az egész világ a saját kreativitás és a saját gondolatok eredménye (a szolipszizmus szélsőséges szakaszában), és hogy a világteremtés és a művészet létrejötte. lényegében hasonló folyamatok. Ezek a folyamatok a következőképpen zajlanak: az alkotói lankadtság elsődleges káoszából két princípium keletkezik: az aktív és a passzív (férfi és nő). Az első isteni energiát hordoz, a második az anyagi világot hozza létre természeti szépségeivel. Ezen alapelvek kölcsönhatása kozmikus eroszt hoz létre, ami eksztázishoz – a szellem szabad diadalához – vezet.

Bármennyire is furcsán hangzik a fentiek, Szkrjabin őszintén hitt a Genezisnek ebben a modelljében, amely szerint a Harmadik szimfónia íródott. Első részét „Küzdelemnek” (egy ember-rabszolga harca, aki a világ legfőbb Urának és egy ember-istennek engedelmeskedik), a másodikat „Örömöknek” (az ember átadja magát az érzéki világ örömeinek) hívják. , feloldódik a természetben), és végül a harmadik – „Isteni játék” (a felszabadult szellem, „a világegyetemet teremtő akaratának egyedüli erejével teremti”, a „szabad tevékenység magasztos örömét” fogja fel). De a filozófia az filozófia, és maga a zene is csodálatos, felfedi a szimfonikus zenekar minden hangszínét.

I. Lento
II. Luttes
III. Voluptes
IV. Jeu Divin

♫♪ ♫♪ ♫♪

SZERGEJ PROKOFJEV ELSŐ (KLASSZIKUS) SZIMFÓNIÁJA (D-Dúr, 1916–1917)

Az év 1917, nehéz háborús évek, forradalom. Úgy tűnik, a művészetnek komoran kell összeráncolnia a homlokát, és fájdalmas dolgokról kellene mesélnie. De a szomorú gondolatok nem Prokofjev zenéjéhez tartoznak - napfényes, csillogó, fiatalosan bájos. Ez az első szimfóniája.

A zeneszerzőt már diákkorában is érdekelte a bécsi klasszikusok munkássága. Most egy mű a la Haydn származik az ő tollából. „Számomra úgy tűnt, ha Haydn a mai napig él, megőrizte volna az írói stílusát, és egyúttal valami újat is átvett volna” – kommentálta ötletét Prokofjev.

A zeneszerző a zenekar szerény kompozícióját választotta, ismét a bécsi klasszicizmus jegyében - nehéz rézfúvósok nélkül. A textúra és a hangszerelés könnyed és átlátszó, a mű léptéke nem nagy, a kompozíció harmonikus, logikus. Egyszóval nagyon emlékeztet a klasszicizmus művére, amely tévedésből a XX. Vannak azonban tisztán Prokofjev-emblémák is, például a scherzo helyett kedvenc gavotte-műfaja a harmadik tételben (a zeneszerző később a „Rómeó és Júlia” című balettben használta ezt a zenei anyagot), valamint egy éles „paprika” ” harmónia és a zenei humor szakadéka.

0:33 I. Allegro
5:20 II. Larghetto
9:35 III. Gavotta (non troppo allegro)
11:17 IV. Finálé (Molto vivace)

♫♪ ♫♪ ♫♪

DMITRIJ SOSTAKOVICS HETEDIK (LENINGRAD) SZIMFÓNIÁJA (C-dúr, 1941)

1942. július 2-án egy húszéves pilóta, Litvinov hadnagy csodával határos módon áttörte az ellenséges bekerítést, és sikerült orvosságot és négy kövérkés könyvet hoznia D. D. Hetedik szimfóniájának partitúrájával az ostromlott Leningrádba. Sosztakovics, másnap pedig egy rövid megjegyzés jelent meg a Leningrádi Pravdában: „Dmitrij Sosztakovics Hetedik szimfóniájának partitúráját repülővel szállították Leningrádba. Nyilvános előadása a Filharmónia Nagytermében lesz.”

Olyan esemény, amelynek a zenetörténet soha nem ismert analógját: egy ostromlott városban rettenetesen kimerült zenészek (mindenki, aki életben maradt) Carl Eliasberg karmester vezényletével adták elő Sosztakovics új szimfóniáját. Ugyanaz, amit a zeneszerző az ostrom első heteiben komponált, egészen addig, amíg családjával együtt Kujbisevbe (Szamara) nem menekítették. A leningrádi bemutató napján, 1942. augusztus 9-én a Leningrádi Filharmónia nagyterme zsúfolásig megtelt a kimerült, áttetsző arcú, de ugyanakkor elegáns ruházatú városlakókkal és az egyenesen a Budapestről érkezett katonákkal. frontvonal. A szimfóniát rádió hangszóróin keresztül sugározták az utcára. Azon az estén az egész világ mozdulatlanul állt és hallgatta a zenészek példátlan bravúrját.

...Figyelemre méltó, de a híres témát Ravel „Bolerója” jegyében, amelyet ma már rendszerint egy fasiszta hadsereggel személyesítenek meg, aki esztelenül mozgat és pusztít mindent, ami az útjába kerül, Sosztakovics még a háború kezdete előtt megírta. A Leningrádi Szimfónia első részében azonban teljesen természetes módon bekerült az úgynevezett „inváziós epizód” helyére. Az életigenlő befejezés is prófétaira sikeredett, megelőlegezte a vágyott Győzelmet, amelytől még oly hosszú három és fél év választotta el...

I. Allegretto 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adagio 37:00
IV. Allegro non troppo 53:40

♫♪ ♫♪ ♫♪

Előadás

Szimfonikus műfajok

A szimfónia mint műfaj születésének története

A szimfónia mint műfaj története mintegy két és fél évszázadra nyúlik vissza.

A középkor végén Olaszországban kísérletet tettek az ókori dráma felelevenítésére. Ezzel kezdetét vette egy teljesen más típusú zenei és színházi művészet - az opera.
A korai európai operában a kórus nem játszott olyan nagy szerepet, mint a szólóénekesek egy csoport hangszeres kíséretében. Annak érdekében, hogy a közönség ne zavarja a színpadon lévő művészek képét, a zenekart egy külön bemélyedésben helyezték el. a standok és a színpad között. Eleinte ezt a helyet „zenekarnak” hívták, majd magukat az előadókat.

SZIMFÓNIA(görög) - együtthangzás. A XVI-XVIII. századi időszakban. ez a fogalom azt jelentette „hangok eufonikus kombinációja”, „harmonikus kóruséneklés” és „többszólamú zenei mű”.

« szimfóniák" hívott zenekari szünetek az opera felvonásai között. « Zenekarok"(az ógörögnek) hívták a színház színpada előtti területeken, ahol eredetileg a kórus működött.

Csak a 30-as és 40-es években. A 18. században önálló zenekari műfaj alakult ki, amelyet szimfóniának neveztek el.

Az új műfaj az volt több részből (ciklusból) álló mű, és az első résznek, amely a mű fő jelentését tartalmazza, szükségszerűen meg kell felelnie a „szonátaformának”.

A szimfonikus zenekar szülőhelye Mannheim városa. Itt, a helyi választó kápolnájában megalakult egy zenekar, amelynek művészete óriási hatással volt a zenekari kreativitásra és a szimfonikus zene egész későbbi fejlődésére.
« Ennek a rendkívüli zenekarnak bőven van helye és élei- írta a híres zenetörténész, Charles Burney. Itt használták fel azokat az effektusokat, amelyeket egy ilyen hangtömeg képes produkálni: itt született meg a „crescendo” „diminuendo”, illetve a korábban főként visszhangként használt „zongora”, amely általában annak szinonimája volt, valamint „ forte” zenei színként ismerték fel, saját árnyalatokkal, mint a vörös vagy a kék a festészetben...”

Az első zeneszerzők közül néhány, aki a szimfonikus műfajban dolgozott:

olasz - Giovanni Sammartini, francia - Francois Gossec és cseh zeneszerző - Jan Stamitz.

De ennek ellenére Joseph Haydnt a klasszikus szimfonikus műfaj megteremtőjének tartják. Övé a billentyűs szonáta, vonóstrió és kvartett első zseniális példányai. Haydn művében született meg és öltött formát a szimfónia műfaja, és öltötte végső, ahogy ma mondjuk, klasszikus formáját.

I.Haydn és W.Mozart a szimfonikus kreativitásban összegezte és megalkotta mindazt, amiben a zenekari zene gazdag volt előttük. És ugyanakkor Haydn és Mozart szimfóniái valóban kimeríthetetlen lehetőségeket nyitottak egy új műfaj előtt. E zeneszerzők első szimfóniáit egy kis zenekarra tervezték. De ezt követően I. Haydn nemcsak mennyiségileg bővíti a zenekart, hanem a hangszerek kifejező hangkombinációival is, amelyek csak egyik-másik tervének felelnek meg.

Ez a hangszerelés vagy a hangszerelés művészete.

Hangszerelés- ez egy élő alkotó cselekedet, a zeneszerző zenei elképzeléseinek megtervezése. A hangszerelés a kreativitás – magának a kompozíciónak a lelkének egyik aspektusa.

Beethoven kreativitásának időszakában végül kialakult a zenekar klasszikus összetétele, amely magában foglalta:

vonósok,

Fából készült hangszerek páros kompozíciója,

2 (néha 3-4) szarv,

2 timpán. Ezt a kompozíciót az ún kicsi.

G. Berlioz és R. Wagner a kompozíció 3-4-szeres növelésével igyekezett növelni a zenekar hangzásának skáláját.

A szovjet szimfonikus zene csúcsa S. Prokofjev és D. Sosztakovics munkája volt.

Szimfónia... Egy regényhez és egy történethez, egy filmeposzhoz és egy drámához, egy festői freskóhoz hasonlítják. Jelentése Mindezek az analógiák egyértelműek. Ebben a műfajban kifejezhető, hogy mi a fontos, néha a legfontosabb, amiért a művészet létezik, amiért az ember a világon él - a boldogság, a fény, az igazságosság és a barátság vágya.

A szimfónia egy szimfonikus zenekarra írt zenemű, szonáta-ciklikus formában.Általában 4 részből áll, amelyek összetett művészi gondolatokat fejeznek ki az emberi életről, az emberi szenvedésekről és örömökről, törekvésekről és impulzusokról. Egyre kevesebb szólamú, akár egy tételes szimfóniák vannak.

A hanghatások fokozása érdekében néha a szimfóniák is tartalmazzák kórus és szólóének. Vannak szimfóniák vonós-, kamara-, spirituális és egyéb zenekarokra, szólóhangszeres zenekarra, orgonára, kórusra és énekegyüttesre... . Négy rész szimfóniák az életállapotok jellegzetes kontrasztjait fejezik ki: drámai küzdelem képei (első tétel), humoros vagy táncos epizódok (menüett vagy scherzo), magasztos szemlélődés (lassú mozgás) és ünnepélyes vagy néptáncos finálé.

A szimfonikus zene olyan zene, amelyet szimfonikusnak szántak
zenekar; a hangszeres zene legjelentősebb és leggazdagabb területe,
nagy, többrészes, összetett ideológiai művekben gazdag alkotásokat takar
érzelmi tartalom, és kis zenei darabok A szimfonikus zene fő témája a szerelem és az ellenségeskedés témája.

Szimfónikus Zenekar,
sokféle hangszer kombinálásával gazdag palettát biztosít
hangszínek, kifejező eszközök.

A következő szimfonikus művek továbbra is rendkívül népszerűek: L. Beethoven 3. szimfónia („Eroikus”), 5., „Egmont” nyitány;

P Csajkovszkij 4., 6. szimfónia, „Rómeó és Júlia” nyitány, koncertek (fonó,

S. Prokofjev 7. szimfónia

I. Sztravinszkij töredékek a „Petruska” balettből

J. Gershwin szimfodzsa „Rhapsody in Blue”

A zenekari zene folyamatos kölcsönhatásban fejlődött ki más zenei művészettel: kamarazenével, orgonamuzsikával, kóruszenével, operazenével.

A 17-18. század jellegzetes műfajai: szvit, koncert- együttes-zenekari, nyitány operaminta. 18. századi lakosztálytípusok: divertisment, szerenád, noktürn.

A szimfonikus zene erőteljes térnyerése a szimfónia népszerűsítésével, ciklikus szonátaformaként való fejlődésével és a szimfonikus zenekar klasszikus típusának továbbfejlesztésével függ össze. Gyakran elkezdték bevezetni a szimfóniába és más típusú szimfonikus zenébe kórus és szólóének. Felerősödött a szimfonikus elv az ének- és zenekari művekben, az operában és a balettben. A szimfonikus zene műfajai közé tartozik még symphonietta, szimfonikus variációk, fantasy, rapszódia, legenda, capriccio, scherzo, vegyes, menet, különféle táncok, különféle miniatúrák stb. A koncert szimfonikus repertoárja is tartalmazza egyedi zenekari töredékek operákból, balettekből, drámákból, színdarabokból, filmekből.

századi szimfonikus zene. gondolatok és érzelmek hatalmas világát testesítette meg. Széles társadalmi témákat, legmélyebb élményeket, természetképeket, mindennapi életet és fantáziát, nemzeti karaktereket, térművészet-képeket, költészetet és folklórt tükröz.

Különböző típusú zenekarok léteznek:

Katonazenekar (fúvós-rézfúvós és fahangszerekből áll)

Vonószenekar:.

A szimfonikus zenekar a legnagyobb összetételű és leggazdagabb képességeiben; zenekari zene koncert előadására szolgál. A szimfonikus zenekar modern formájában nem azonnal, hanem egy hosszú történelmi folyamat eredményeként jött létre.

A koncertszimfonikus zenekar az operazenekarral ellentétben közvetlenül a színpadon helyezkedik el, és folyamatosan a közönség látóterében van.

A történelmi hagyományok miatt a koncert- és operaszimfonikus zenekarok összetételükben régóta különböznek egymástól, mára azonban ez a különbség szinte eltűnt.

Egy szimfonikus zenekar összlétszáma nem állandó: 60-120 (sőt több) fő között ingadozhat. A résztvevők ilyen nagy csoportja ügyes vezetést igényel egy összehangolt játékhoz. Ez a szerep a karmesteré.

A 19. század elejéig maga a karmester is játszott valamilyen hangszeren az előadás során - például hegedűn. Idővel azonban a szimfonikus zene tartalma összetettebbé vált, és ez a tény apránként arra kényszerítette a karmestereket, hogy felhagyjanak egy ilyen kombinációval.

A szimfónia a hangszeres zene legmonumentálisabb formája. Sőt, ez az állítás minden korszakra igaz - mind a bécsi klasszikusok munkásságára, mind a romantikusokra, mind a későbbi tételek zeneszerzőire...

Sándor Maikapar

Zenei műfajok: Szimfónia

A szimfónia szó a görög "symphonia" szóból származik, és több jelentése is van. A teológusok ezt útmutatónak nevezik a Bibliában található szavak használatához. A kifejezést ők megállapodásnak és megállapodásnak fordítják. A zenészek ezt a szót összhangnak fordítják.

Jelen esszé témája a szimfónia mint zenei műfaj. Kiderült, hogy zenei kontextusban a szimfónia kifejezés többféle jelentést is tartalmaz. Így Bach a klavier szimfóniákhoz nevezte csodálatos darabjait, vagyis több (jelen esetben három) hang harmonikus kombinációját, kombinációját - összhangját - képviselik. De ez a fogalomhasználat már Bach idejében - a 18. század első felében - kivétel volt. Sőt, maga Bach művében egészen más stílusú zenét jelölt.

És most közel kerültünk esszénk fő témájához - a szimfóniához, mint egy nagy, többszólamú zenekari műhöz. Ebben az értelemben a szimfónia 1730 körül jelent meg, amikor az opera zenekari bevezetőjét magától az operától elválasztva önálló zenekari művé alakították, egy háromrészes olasz típusú nyitányt alapul véve.

A szimfónia és a nyitány rokonsága nemcsak abban nyilvánul meg, hogy a nyitány mindhárom szakasza: gyors-lassú-gyors (sőt néha a lassú bevezetés is) a szimfónia önálló külön részévé alakult, de abban is, hogy a nyitány gondolati kontrasztot adott a szimfóniának a főtémák (általában férfias és női) között, és így felruházta a szimfóniát a nagyformák zenéjéhez szükséges drámai (és dramaturgiai) feszültséggel és intrikával.

A szimfónia építő elvei

Zenetudományi könyvek és cikkek hegyei foglalkoznak a szimfónia formájának és fejlődésének elemzésével. A szimfónia műfaja által képviselt művészi anyag mennyiségben és formai változatosságban egyaránt óriási. Itt jellemezhetjük a legáltalánosabb elveket.

1. A szimfónia a hangszeres zene legmonumentálisabb formája. Sőt, ez az állítás minden korszakra igaz – a bécsi klasszikusok munkáira, a romantikusokra és a későbbi tételek zeneszerzőire. Gustav Mahler művészi tervezésében grandiózus Nyolcadik szimfóniája (1906) például hatalmas - még a 20. század eleji elképzelések szerint is - előadói gárdára íródott: a nagy szimfonikus zenekar 22 fafúvóssal és 17 fővel bővült. rézfúvós hangszerek, a partitúrában két vegyeskar és fiúkar is szerepel; ehhez jön még nyolc szólista (három szoprán, két alt, egy tenor, egy bariton és egy basszusgitár) és egy backstage zenekar. Gyakran nevezik "Ezer résztvevő szimfóniájának". Előadása érdekében még nagyon nagy koncerttermek színpadát is újjá kell építeni.

2. Mivel a szimfónia többtételes mű (három-, gyakran négy-, néha öttételes, pl. Beethoven „Pasztorál” vagy Berlioz „Fantastique”), egyértelmű, hogy egy ilyen formának rendkívül kidolgozottnak kell lennie. a monotónia és az egyhangúság megszüntetése érdekében. (Az egytételes szimfónia nagyon ritka, erre példa N. Myaskovsky 21. szimfóniája.)

Egy szimfónia mindig sok zenei képet, ötletet és témát tartalmaz. Így vagy úgy eloszlanak a részek között, amelyek viszont egyrészt kontrasztban állnak egymással, másrészt egyfajta magasabb integritást alkotnak, amely nélkül a szimfónia nem fog egyetlen műként fogható fel. .

Hogy képet adjunk a szimfónia tételeinek kompozíciójáról, több remekműről adunk tájékoztatást...

Mozart. 41. szimfónia „Jupiter”, C-dúr
I. Allegro vivace
II. Andante cantabile
III. Menuetto. Allegretto - Trió
IV. Molto Allegro

Beethoven. 3. szimfónia, Esz-dúr, op. 55 ("Hősi")
I. Allegro con brio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. Döntő: Allegro molto, Poco Andante

Schubert. 8. h-moll szimfónia (az ún. „Befejezetlen”)
I. Allegro moderato
II. Andante con moto

Berlioz. Fantasztikus szimfónia
I. Álmok. Passion: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. Labda: Valse. Allegro non troppo
III. Jelenet a mezőkön: Adagio
IV. Felvonulás a kivégzésig: Allegretto non troppo
V. Álom a szombat éjszakáján: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

Borodin. 2. szimfónia „Bogatyrskaya”
I. Allegro
II. Scherzo. Prestissimo
III. Andante
IV. Finálé. Allegro

3. Az első rész a legbonyolultabb kialakítású. Egy klasszikus szimfóniában általában úgynevezett szonáta formájában írják Allegro. Ennek a formának az a sajátossága, hogy legalább két fő téma ütközik és fejlődik benne, amiről a legáltalánosabb megfogalmazásban úgy beszélhetünk, mint a hímnemű kifejezéséről (ezt a témát általában ún. főparti, hiszen most először játszódik a mű főhangjában) és a női princípiumban (ez mellékparti- hangzik az egyik kapcsolódó főbillentyűben). Ez a két fő téma valahogyan összefügg, és a főből a másodlagosba való átmenet ún összekötő fél. Mindezen zenei anyagok bemutatásának általában van egy bizonyos következtetése, ezt az epizódot ún végső játék.

Ha olyan figyelemmel hallgatunk egy klasszikus szimfóniát, amely lehetővé teszi, hogy ezeket a szerkezeti elemeket azonnal megkülönböztetjük az adott mű első megismerésétől, akkor az első tétel során ezeknek a fő témáknak a módosulásait fedezhetjük fel. A szonátaforma fejlődésével egyes zeneszerzők - és közülük Beethoven az első - képesek voltak nőies elemeket azonosítani a férfias karakter témájában és fordítva, és e témák kidolgozása során különböző módon „megvilágítani” azokat. módokon. Ez a dialektika elvének talán legfényesebb – művészi és logikai – megtestesülése.

A szimfónia teljes első része háromrészes formaként épül fel, amelyben először a főbb témákat tárják a hallgató elé, mintha kiállítanák (ezért hívják ezt a részt expozíciónak), majd fejlődésen és átalakuláson mennek keresztül (a második szakasz a fejlesztés), és végül visszatér - vagy eredeti formájában, vagy valamilyen új minőségben (reprise). Ez a legáltalánosabb séma, amelybe a nagy zeneszerzők mindegyike hozzájárult valamivel. Ezért nem csak a különböző zeneszerzők, hanem egyazon szerzők között sem találunk két egyforma konstrukciót. (Persze, ha nagy alkotókról beszélünk.)

4. A szimfónia általában viharos első része után minden bizonnyal helyet kell kapnia a lírai, nyugodt, magasztos, egyszóval lassított mozgatású zenének. Eleinte ez volt a szimfónia második része, és ez meglehetősen szigorú szabálynak számított. Haydn és Mozart szimfóniáiban a lassú tétel pontosan a második. Ha csak három tétel van egy szimfóniában (mint Mozart 1770-es években), akkor valóban a lassú tétel lesz a középső. Ha a szimfóniának négy tétele van, akkor a korai szimfóniákban menüettet helyeztek a lassú tétel és a gyors finálé közé. Később, Beethoventől kezdve, a menüettet egy gyors scherzo váltotta fel. A zeneszerzők azonban valamikor úgy döntöttek, hogy eltérnek ettől a szabálytól, majd a lassú tétel lett a szimfóniában a harmadik, a scherzo pedig a második tétel, ahogy azt A. Borodin „Bogatyr” című művében látjuk (vagy inkább halljuk). szimfónia.

5. A klasszikus szimfóniák fináléit élénk mozgás jellemzi, tánc és ének jegyeivel, gyakran népi szellemben. Néha egy-egy szimfónia fináléja igazi apoteózissá válik, mint például Beethoven Kilencedik szimfóniájában (Op. 125), ahol kórus és szólóénekesek kerültek be a szimfóniába. Bár ez újítás volt a szimfónia műfajában, magának Beethovennek nem: már korábban is ő komponálta a Fantáziát zongorára, kórusra és zenekarra (Op. 80). A szimfónia tartalmazza F. Schiller „Örömhöz” című ódáját. A finálé annyira domináns ebben a szimfóniában, hogy az azt megelőző három tételt hatalmas bevezetőnek tekintik. Ennek a finálénak az előadása az „Ölelj, milliók!” felhívással. az ENSZ közgyűlésének megnyitóján – az emberiség etikai törekvéseinek legjobb kifejezése!

A szimfóniák nagy alkotói

Joseph Haydn

Joseph Haydn hosszú életet élt (1732–1809). Alkotói tevékenységének fél évszázados korszakát két fontos körülmény körvonalazta: J. S. Bach halála (1750), amely lezárta a többszólamúság korszakát, és Beethoven Harmadik („Eroikus”) szimfóniájának ősbemutatója, amely a korszak kezdetét jelentette. a romantika korszaka. Ez alatt az ötven év alatt a régi zenei formák - mise, oratórium és concerto grosso- újak váltották fel: szimfónia, szonáta és vonósnégyes. A fő hely, ahol az ezekben a műfajokban írt művek hallatszottak, most nem a templomok és a katedrálisok voltak, mint korábban, hanem a nemesek és arisztokraták palotái, ami viszont a zenei értékek megváltozásához vezetett - a költészet és a szubjektív kifejezőkészség megjelent. divat.

Haydn ebben az egészben úttörő volt. Gyakran – bár nem egészen helyesen – „a szimfónia atyjának” nevezik. Egyes zeneszerzők, például Jan Stamitz és az úgynevezett mannheimi iskola más képviselői (Mannheim a 18. század közepén a korai szimfonizmus fellegvára volt) már Haydnnál jóval korábban elkezdett háromtételes szimfóniákat komponálni. Haydn azonban ezt a formát sokkal magasabb szintre emelte, és utat mutatott a jövő felé. Korai művei C. F. E. Bach hatásának bélyegét viselik, későbbi munkái pedig egy egészen más stílust vetítenek előre - Beethoven.

Figyelemre méltó, hogy negyvenedik születésnapja után kezdett olyan kompozíciókat alkotni, amelyek fontos zenei jelentőséget kaptak. Termékenység, sokszínűség, kiszámíthatatlanság, humor, találékonyság – ez teszi Haydnt fejjel-vállal magasabbra, mint kortársait.

Haydn számos szimfóniája címet kapott. Hadd mondjak néhány példát.

A. Abakumov. Játssz Haydnt (1997)

A híres 45. szimfónia a „Búcsú” (vagy „Symphony by Candlelight”) címet viselte: a szimfónia fináléjának utolsó oldalain a zenészek egymás után abbahagyják a játékot, és elhagyják a színpadot, csak két hegedű marad hátra, és véget ér a szimfónia kérdés akkorddal la - F éles. Haydn maga mesélte el a szimfónia keletkezésének félig humoros változatát: Nyikolaj Eszterházy herceg egykor nagyon hosszú ideig nem engedte el a zenekar tagjait Eszterházyról Kismartonba, ahol családjaik éltek. Haydn segíteni akart alattvalóinak, a „Búcsú” szimfónia befejezését finom utalás formájában a hercegnek - zenei képekben kifejezett szabadságkérésként - komponálta. A célzást megértették, és a herceg kiadta a megfelelő parancsot.

A romantika korszakában a szimfónia humoros jellege feledésbe merült, és tragikus jelentéssel ruházták fel. Schumann 1838-ban így írt arról, hogy a zenészek a szimfónia fináléjában eloltották a gyertyákat és elhagyták a színpadot: „És senki sem nevetett egyszerre, hiszen nem volt ideje nevetni.”

A 94. szimfónia „Timpánütéssel vagy meglepetéssel” a lassú tétel humoros hatásáról kapta a nevét – békés hangulatát éles timpánütés zavarja meg. A 96. sz. „Csodát” véletlenszerű körülmények miatt kezdték így nevezni. A koncerten, amelyen Haydn vezényelte ezt a szimfóniát, a közönség az ő megjelenésével a terem közepéről az üres első sorokba rohant, a közepe pedig üres volt. Ebben a pillanatban a terem közepén összedőlt egy csillár, mindössze két hallgató sérült meg könnyebben. A teremben felkiáltások hallatszottak: „Csoda! Csoda!" Maga Haydn is mély benyomást tett rá, hogy önkéntelenül sok embert megmentett.

A 100. szimfónia „Military” elnevezése éppen ellenkezőleg, egyáltalán nem véletlen – szélsőséges részei katonai jeleikkel és ritmusaikkal egyértelműen a tábor zenei képét festik; még az itteni Menuett is (harmadik tétel) meglehetősen lendületes „sereg” típusú; a török ​​ütőhangszerek beemelése a szimfónia partitúrájába elragadtatta a londoni zenebarátokat (vö. Mozart „Török menete”).

No. 104 „Salomon”: nem tisztelgés ez az impresszárió előtt – John Peter Salomon előtt, aki annyit tett Haydnért? Igaz, maga Salomon is Haydnnak köszönhetően vált annyira híressé, hogy a Westminster Abbeyben temették el, „amiért Haydnt Londonba hozta”, ahogy a sírkövén is látható. Ezért a szimfóniát „Amivel A lomon”, és nem „Salamon”, ahogy az a koncertműsorokban olykor előfordul, ami helytelenül a bibliai királyhoz irányítja a hallgatókat.

Wolfgang Amadeus Mozart

Mozart nyolc évesen írta első szimfóniáját, az utolsót harminckét évesen. Összes számuk több mint ötven, de több fiatal nem maradt fenn, vagy még nem fedezték fel.

Ha megfogadja Alfred Einstein, a legnagyobb Mozart-szakértő tanácsát, és összehasonlítja ezt a számot Beethoven kilenc szimfóniájával vagy Brahms négy szimfóniájával, azonnal világossá válik, hogy a szimfónia műfajának fogalma ezeknél a zeneszerzőknél más. De ha kiemeljük Mozart szimfóniáit, amelyek Beethovenéhez hasonlóan valóban egy bizonyos ideális közönséghez, más szóval az egész emberiséghez szólnak ( humanitas), akkor kiderül, hogy Mozart is legfeljebb tíz ilyen szimfóniát írt (maga Einstein „négy-öt”-ről beszél!). A "Prága" és az 1788-as szimfóniák hármasa (39., 40., 41.) elképesztő hozzájárulást jelent a világszimfónia kincstárához.

Az utolsó három szimfónia közül a középső, a 40. a legismertebb. Népszerűségben csak az „Egy kis éjszakai szerenád” és a „Figaro házassága” opera nyitánya versenyezhet vele. Bár a népszerűség okait mindig nehéz meghatározni, ebben az esetben az egyik ilyen lehet a hangszín megválasztása. Ez a szimfónia g-mollban íródott – ritkaságszámba megy Mozart számára, aki a vidám és vidám dúr hangszereket részesítette előnyben. A negyvenegy szimfóniából mindössze kettőt írtak moll hangnemben (ez nem jelenti azt, hogy Mozart ne írt volna kisebb zenét nagy szimfóniákba).

Zongoraversenyei hasonló statisztikával rendelkeznek: huszonhétből csak kettőnek van moll hangja. Figyelembe véve azokat a sötét napokat, amikor ez a szimfónia létrejött, úgy tűnhet, hogy a tonalitás kiválasztása előre meghatározott volt. Ebben az alkotásban azonban több van, mint egyetlen ember mindennapi bánata. Emlékeznünk kell arra, hogy abban a korszakban a német és osztrák zeneszerzők egyre inkább az irodalom esztétikai mozgalmának, a „Sturmnak és Drangnak” nevezett eszméinek és képeinek kiszolgáltatták magukat.

Az új tétel nevét F. M. Klinger „Sturm and Drang” (1776) című drámája adta. Számos dráma jelent meg hihetetlenül szenvedélyes és gyakran következetlen hősökkel. A zeneszerzőket az a gondolat is lenyűgözte, hogy hangokkal fejezzék ki a szenvedélyek drámai intenzitását, a hősies küzdelmet és gyakran a megvalósíthatatlan ideálok utáni vágyakozást. Nem meglepő, hogy ebben a hangulatban Mozart is moll hangnemekhez fordult.

Ellentétben Haydnnal, aki mindig is bízott abban, hogy szimfóniáit – akár Esterházy herceg előtt, akár a „londoniakat” a londoni közönség előtt – adják elő, Mozartnak soha nem volt ilyen garanciája, és ennek ellenére elképesztően termékeny. Ha korai szimfóniái gyakran szórakoztatóak, vagy ahogy ma mondanánk „könnyű” zenét, akkor későbbi szimfóniái minden szimfonikus koncert „programjának fénypontját” jelentik.

Ludwig van Beethoven

Beethoven kilenc szimfóniát alkotott. Valószínűleg több könyvet írtak róluk, mint ahány jegyzet van ebben az örökségben. Szimfóniái közül a legnagyobbak a Third (Esz-dúr, „Eroica”), az Ötödik (c-moll), a Hatodik (F-dúr, „Pasztorális”) és a Kilenced (d-moll).

...Bécs, 1824. május 7. A kilencedik szimfónia bemutatója. Fennmaradt dokumentumok tanúskodnak az akkor történtekről. Már a közelgő premier bejelentése is figyelemre méltó volt: „Holnap, május 7-én lesz a Ludwig van Beethoven úr által szervezett Nagy Zeneakadémia.<...>A szólisták Ms. Sontag és Ms. Unger, valamint Heitzinger és Seipelt urak lesznek. A zenekar koncertmestere Schuppanzig úr, karmestere Umlauf úr.<...>Ludwig van Beethoven úr személyesen vesz részt a koncert rendezésében.”

Ez az irány végül azt eredményezte, hogy Beethoven maga vezényelte a szimfóniát. De hogyan történhetett ez meg? Végül is Beethoven ekkor már süket volt. Térjünk át a szemtanúk beszámolójára.

„Beethoven önmagát vezényelte, vagy inkább a karmesteri pult előtt állt, és őrülten gesztikulált” – írta Joseph Böhm, a zenekar hegedűse, aki részt vett azon a történelmi koncerten. - Először felfelé nyújtózkodott, aztán szinte leguggolt, hadonászott a karjával és a lábával taposott, mintha ő maga akarna egyszerre játszani minden hangszeren és énekelni az egész kórusnak. Valójában Umlauf volt a felelős mindenért, mi, zenészek pedig csak a stafétabotjára vigyáztunk. Beethoven annyira izgatott volt, hogy egyáltalán nem volt tudatában a körülötte zajló eseményeknek, és nem figyelt a viharos tapsra, amely hallássérülése miatt alig jutott el a tudatáig. Minden szám végén meg kellett mondani neki, hogy pontosan mikor forduljon meg, és köszönje meg a közönség tapsát, amit nagyon kínosan tett.”

A szimfónia végén, amikor már dörgött a taps, Caroline Unger odalépett Beethovenhez, és gyengéden megállította a kezét – még mindig tovább vezényelt, és észre sem vette, hogy az előadásnak vége! - és a hall felé fordult. Aztán mindenki számára nyilvánvalóvá vált, hogy Beethoven teljesen süket...

A siker óriási volt. A taps befejezéséhez rendőri beavatkozás kellett.

Péter Iljics Csajkovszkij

A szimfónia műfajában P.I. Csajkovszkij hat művet készített. Utolsó szimfónia – hatodik, h-moll, op. 74 - általa „Szánalmasnak” nevezett.

1893 februárjában Csajkovszkij egy új szimfónia tervével állt elő, amely a hatodik lett. Egyik levelében ezt írja: „Az utazás során eszembe jutott egy újabb szimfónia... egy olyan programmal, amely mindenki számára rejtély marad... Ezt a műsort nagyon áthatja a szubjektivitás, és Az utazás során gyakran nagyon sírok, amikor mentálisan komponáltam."

A hatodik szimfóniát a zeneszerző nagyon gyorsan rögzítette. Alig egy hét alatt (február 4–11.) felvette a teljes első részt és a második felét. Aztán a munkát egy időre megszakította egy Moszkvába tartó utazás Klinből, ahol a zeneszerző akkor élt. Klinre visszatérve február 17-től 24-ig dolgozott a harmadik részen. Aztán újabb szünet következett, és március második felében a zeneszerző befejezte a finálét és a második részt. A hangszerelést némileg el kellett halasztani, mert Csajkovszkij még több utazást tervezett. Augusztus 12-én elkészült a hangszerelés.

A Hatodik szimfónia első előadására Szentpéterváron 1893. október 16-án került sor, a szerző vezényletével. Csajkovszkij a premier után ezt írta: „Valami furcsa történik ezzel a szimfóniával! Nem mintha nem szerettem volna, de némi zavart okozott. Ami engem illet, büszkébb vagyok rá, mint bármely más szerzeményemre.” A további események tragikusak voltak: kilenc nappal a szimfónia bemutatója után P. Csajkovszkij hirtelen meghalt.

V. Baskin, Csajkovszkij első életrajzának szerzője, aki jelen volt a szimfónia ősbemutatóján és a zeneszerző halála utáni első előadásán is, amikor E. Napravnik vezényelt (ez az előadás diadalmassá vált), ezt írta: „Emlékszünk a Szomorú hangulat uralkodott a Nemesi Gyűlés aulájában November 6-án, amikor másodszor hangzott el a „Pathetique” szimfónia, amely az első előadás során maga Csajkovszkij vezényletével nem kapott teljes elismerést. Ebben a szimfóniában, amely sajnos zeneszerzőnk hattyúdala lett, nemcsak tartalmilag, de formailag is újszerűnek tűnt; a megszokott helyett Allegro vagy Gyors kezdődik Adagio lamentoso, a legszomorúbb hangulatot hagyva a hallgatóban. Abban Adagio a zeneszerző mintha búcsút mondana az életnek; fokozatos morendo(olaszul - elhalványul) az egész zenekar a Hamlet híres végére emlékeztetett: „ A többi néma"(Tovább - csend)."

A szimfonikus zene néhány remekéről tudtunk csak röviden beszélni, ráadásul a tényleges zenei szövetet mellőzve, hiszen egy ilyen beszélgetéshez a zene igazi hangzása kell. De már ebből a történetből is világossá válik, hogy a szimfónia mint műfaj és a szimfóniák mint az emberi szellem alkotásai a legnagyobb élvezet felbecsülhetetlen forrása. A szimfonikus zene világa hatalmas és kimeríthetetlen.

Az „Art” folyóirat 2009.08. sz. anyagai alapján

A plakáton: D. D. Sosztakovicsról elnevezett Szentpétervári Akadémiai Filharmónia nagyterme. Tory Huang (zongora, USA) és a Philharmonic Academic Symphony Orchestra (2013)