Veröffentlichungen im Bereich Musik

Fünf große Sinfonien russischer Komponisten

In der Welt der Musik gibt es einzigartige, ikonische Werke, deren Klänge die Chronik des Musiklebens schreiben. Einige dieser Werke stellen einen revolutionären Durchbruch in der Kunst dar, andere zeichnen sich durch ein komplexes und tiefgründiges Konzept aus, andere überraschen durch die außergewöhnliche Geschichte ihrer Entstehung, Quarten sind eine einzigartige Darstellung des Stils des Komponisten und Quinten ... sind so schön Musik, dass es unmöglich ist, sie nicht zu erwähnen. Der Musikkunst zu verdanken ist, dass es viele solcher Werke gibt, und als Beispiel wollen wir über fünf ausgewählte russische Symphonien sprechen, deren Einzigartigkeit kaum zu überschätzen ist.

Zweite (heroische) Sinfonie von Alexander Borodin (b-Moll, 1869–1876)

In Russland reifte in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts unter den Komponisten eine feste Idee: Es war an der Zeit, eine eigene russische Symphonie zu schaffen. Zu dieser Zeit feierte die Symphonie in Europa ihr 100-jähriges Bestehen und hatte alle Stufen der Evolutionskette durchlaufen: von der Opernouvertüre, die die Theaterbühne verließ und getrennt von der Oper aufgeführt wurde, bis hin zu solchen Kolosse wie Beethovens Symphonie Nr. 9 (1824) oder Berlioz‘ Symphony Fantastique (1830). In Russland setzte sich die Mode für dieses Genre nicht durch: Sie versuchten es einmal, zweimal (Dmitry Bortnyansky – Konzertsymphonie, 1790; Alexander Alyabyev – Sinfonien in e-Moll, Es-Dur) – und gaben diese Idee auf, um es zu tun kehren Jahrzehnte später in den Werken von Anton Rubinstein, Miliya Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin und anderen darauf zurück.

Die genannten Komponisten urteilten absolut richtig, denn sie erkannten, dass das Einzige, womit sich eine russische Symphonie vor dem Hintergrund des europäischen Überflusses rühmen kann, ihr nationaler Charakter ist. Und Borodin ist darin seinesgleichen. Seine Musik atmet die Weite endloser Ebenen, die Tapferkeit russischer Ritter, die Aufrichtigkeit von Volksliedern mit ihrem schmerzenden, berührenden Ton. Das Wahrzeichen der Symphonie war das Hauptthema des ersten Satzes, woraufhin der Freund und Mentor des Komponisten, der Musikwissenschaftler Vladimir Stasov, zwei Namen vorschlug: zuerst „Löwin“ und dann eine passendere Idee: „Bogatyrskaya“.

Im Gegensatz zu den symphonischen Werken Beethovens oder Berlioz, die auf menschlichen Leidenschaften und Erfahrungen basieren, erzählt die Bogatyr-Symphonie von Zeit, Geschichte und Menschen. Es gibt kein Drama in der Musik, keinen ausgeprägten Konflikt: Sie gleicht einer Reihe fließend wechselnder Gemälde. Und dies spiegelt sich im Wesentlichen in der Struktur der Symphonie wider, in der der langsame Satz, der normalerweise an zweiter Stelle steht, und das lebhafte Scherzo (traditionell danach) die Plätze wechseln und das Finale in verallgemeinerter Form die Ideen des ersten wiederholt Bewegung. Auf diese Weise gelang es Borodin, einen maximalen Kontrast in der musikalischen Darstellung des Nationalepos zu erreichen, und Bogatyrskayas Strukturmodell diente später als Vorbild für die epischen Sinfonien von Glasunow, Mjaskowski und Prokofjew.

Pjotr ​​Tschaikowskys Sechste (pathetique) Sinfonie (h-Moll, 1893)

Es gibt so viele Beweise, Interpretationen und Versuche, den Inhalt zu erklären, dass die gesamte Beschreibung dieser Arbeit aus Zitaten bestehen könnte. Hier ist einer davon, aus Tschaikowskys Brief an seinen Neffen Wladimir Dawydow, dem die Symphonie gewidmet ist: „Während der Reise kam mir die Idee einer weiteren Symphonie, diesmal einer Programmsinfonie, allerdings mit einem Programm, das für alle ein Rätsel bleiben würde. Dieses Programm ist am meisten von Subjektivität durchdrungen, und während meiner Reisen, während ich es im Geiste komponierte, habe ich oft viel geweint.“. Was ist das für ein Programm? Tschaikowsky gesteht dies seiner Cousine Anna Merkling, die ihm vorschlug, sein Leben in dieser Symphonie zu beschreiben. „Ja, du hast es richtig erraten“, - bestätigte der Komponist.

In den frühen 1890er Jahren kam Tschaikowski immer wieder der Gedanke, Memoiren zu schreiben. Aus dieser Zeit stammen Skizzen zu seiner unvollendeten Symphonie namens „Life“. Den erhaltenen Entwürfen nach zu urteilen, plante der Komponist, bestimmte Lebensabschnitte abstrakt darzustellen: Jugend, Tatendrang, Liebe, Enttäuschung, Tod. Der objektive Plan reichte Tschaikowsky jedoch nicht aus und die Arbeit wurde unterbrochen, doch in der Sechsten Symphonie ließ er sich ausschließlich von persönlichen Erfahrungen leiten. Wie krank muss die Seele des Komponisten gewesen sein, dass Musik mit solch einer unglaublichen, erstaunlichen Einflusskraft geboren wurde!

Der lyrisch-tragische erste Teil und das Finale sind untrennbar mit dem Bild des Todes verbunden (in der Durchführung des ersten Teils wird das Thema des geistlichen Gesangs „Ruhe bei den Heiligen“ zitiert), wie Tschaikowsky selbst anhand dieser Symphonie bezeugte als Reaktion auf den Vorschlag des Großherzogs Konstantin Romanow, „Requiem“ zu schreiben. Deshalb werden das helle lyrische Intermezzo (Fünftaktwalzer im zweiten Teil) und das feierliche und triumphale Scherzo so deutlich wahrgenommen. Es gibt viele Diskussionen über die Rolle des letzteren in der Komposition. Es scheint, dass Tschaikowsky versuchte, die Sinnlosigkeit irdischen Ruhms und Glücks angesichts des unvermeidlichen Verlusts aufzuzeigen und damit den großen Ausspruch Salomos zu bestätigen: „Alles vergeht. Auch dies wird vorübergehen".

Dritte Symphonie („Göttliches Gedicht“) von Alexander Skrjabin (c-Moll, 1904)

Wenn Sie an einem dunklen Herbstabend das Alexander-Skrjabin-Hausmuseum in Moskau besuchen, werden Sie sicherlich die unheimliche und geheimnisvolle Atmosphäre spüren, die den Komponisten zu Lebzeiten umgab. Eine seltsame Struktur aus farbigen Glühbirnen auf dem Tisch im Wohnzimmer, dicke Bände über Philosophie und Okkultismus hinter dem trüben Glas der Bücherregaltür und schließlich ein asketisch wirkendes Schlafzimmer, in dem Skrjabin lebte, der sein ganzes Leben lang Angst vor dem Sterben hatte an einer Blutvergiftung, starb an Sepsis. Ein düsterer und geheimnisvoller Ort, der die Weltanschauung des Komponisten perfekt veranschaulicht.

Nicht weniger bezeichnend für Skrjabins Denken ist seine Dritte Symphonie, die die sogenannte mittlere Schaffensperiode eröffnet. Zu dieser Zeit formulierte Skrjabin nach und nach seine philosophischen Ansichten, deren Kern darin besteht, dass die ganze Welt das Ergebnis der eigenen Kreativität und der eigenen Gedanken ist (Solipsismus in seiner extremen Stufe) und dass die Erschaffung der Welt und die Schaffung von Kunst sind im Wesentlichen ähnliche Prozesse. Diese Prozesse laufen folgendermaßen ab: Aus dem primären Chaos der kreativen Trägheit entstehen zwei Prinzipien – aktiv und passiv (männlich und weiblich). Der erste trägt göttliche Energie, der zweite lässt die materielle Welt mit ihren natürlichen Schönheiten entstehen. Das Zusammenspiel dieser Prinzipien erzeugt kosmischen Eros, der zur Ekstase führt – dem freien Triumph des Geistes.

So seltsam das alles auch klingen mag, Skrjabin glaubte aufrichtig an dieses Genesis-Modell, nach dem die Dritte Symphonie geschrieben wurde. Sein erster Teil heißt „Kampf“ (der Kampf eines Menschensklaven, der sich dem höchsten Herrscher der Welt unterwirft, und eines Menschengottes), der zweite Teil heißt „Vergnügen“ (ein Mensch gibt sich den Freuden der Sinneswelt hin). , löst sich in der Natur auf) und schließlich das dritte – „göttliches Spiel“ (der befreite Geist, der „das Universum mit der alleinigen Kraft seines schöpferischen Willens erschafft“, begreift die „erhabene Freude der freien Aktivität“). Aber Philosophie ist Philosophie, und die Musik selbst ist wunderbar und offenbart alle klanglichen Fähigkeiten eines Symphonieorchesters.

Sergej Prokofjews Erste (klassische) Symphonie (D-Dur, 1916–1917)

Wir schreiben das Jahr 1917, schwierige Kriegsjahre, Revolution. Es scheint, dass Kunst düster die Stirn runzeln und von schmerzhaften Dingen erzählen sollte. Aber traurige Gedanken sind nichts für Prokofjews Musik – sonnig, funkelnd, jugendlich charmant. Dies ist seine Erste Symphonie.

Schon während seiner Studienzeit interessierte sich der Komponist für das Werk der Wiener Klassiker. Nun ist aus seiner Feder ein Werk a la Haydn entstanden. „Mir kam es so vor, als hätte Haydn, wenn er bis heute gelebt hätte, seinen Schreibstil beibehalten und sich gleichzeitig etwas Neues zu eigen gemacht.“, - Prokofjew kommentierte seine Idee.

Der Komponist wählte eine bescheidene Besetzung des Orchesters, wiederum ganz im Sinne der Wiener Klassik – ohne schwere Blechbläser. Die Textur und Orchestrierung sind leicht und transparent, der Umfang des Werkes ist nicht groß, die Komposition ist harmonisch und logisch. Mit einem Wort, es erinnert sehr an das Werk des Klassizismus, das fälschlicherweise im 20. Jahrhundert geboren wurde. Es gibt jedoch auch reine Prokofjew-Embleme, zum Beispiel sein Lieblingsgenre Gavotte im dritten Satz anstelle eines Scherzos (der Komponist verwendete dieses Musikmaterial später im Ballett „Romeo und Julia“) sowie ein scharfes „Pfeffer“. ” Harmonie und ein Abgrund musikalischen Humors.

Siebte (Leningrader) Symphonie von Dmitri Schostakowitsch (C-Dur, 1941)

Am 2. Juli 1942 durchbrach ein zwanzigjähriger Pilot, Leutnant Litvinov, auf wundersame Weise die feindliche Einkesselung und schaffte es, Medikamente und vier dicke Musikbücher mit der Partitur von D.D.s Siebter Symphonie in das belagerte Leningrad zu bringen. Schostakowitsch, und am nächsten Tag erschien eine kurze Notiz in der Leningradskaja Prawda: „Die Partitur von Dmitri Schostakowitschs Siebter Symphonie wurde per Flugzeug nach Leningrad geliefert. Die öffentliche Aufführung findet im Großen Saal der Philharmonie statt..

Ein Ereignis, für das es in der Musikgeschichte noch nie eine Entsprechung gegeben hat: In einer belagerten Stadt führten furchtbar erschöpfte Musiker (alle Überlebenden machten mit) unter der Leitung des Dirigenten Carl Eliasberg Schostakowitschs neue Symphonie auf. Dasselbe, das der Komponist in den ersten Wochen der Belagerung komponierte, bis er und seine Familie nach Kuibyshev (Samara) evakuiert wurden. Am Tag der Leningrader Uraufführung, dem 9. August 1942, war der Große Saal der Leningrader Philharmonie bis auf den letzten Platz gefüllt mit erschöpften Stadtbewohnern mit durchsichtigen Gesichtern, aber gleichzeitig in eleganter Kleidung, und Militärangehörigen, die direkt aus der Leningrader Philharmonie kamen Frontlinie. Die Symphonie wurde über Radiolautsprecher auf die Straße übertragen. An diesem Abend stand die ganze Welt still und lauschte der beispiellosen Leistung der Musiker.

...Es ist bemerkenswert, aber das berühmte Thema im Geiste von Ravels „Bolero“, das heute meist mit einer faschistischen Armee verkörpert wird, die gedankenlos alles bewegt und zerstört, was sich ihr in den Weg stellt, wurde von Schostakowitsch bereits vor Kriegsbeginn geschrieben. Es wurde jedoch ganz selbstverständlich in den ersten Teil der Leningrader Symphonie aufgenommen und ersetzte die sogenannte „Invasionsepisode“. Auch das lebensbejahende Ende erwies sich als prophetisch und nahm den ersehnten Sieg vorweg, von dem es noch so lange dreieinhalb Jahre trennte...

In der Welt der Musik gibt es einzigartige, ikonische Werke, deren Klänge die Chronik des Musiklebens schreiben. Einige dieser Werke stellen einen revolutionären Durchbruch in der Kunst dar, andere zeichnen sich durch ein komplexes und tiefgründiges Konzept aus, andere überraschen durch die außergewöhnliche Geschichte ihrer Entstehung, Quarten sind eine einzigartige Darstellung des Stils des Komponisten und Quinten ... sind so schön Musik, dass es unmöglich ist, sie nicht zu erwähnen. Der Musikkunst zu verdanken ist, dass es viele solcher Werke gibt, und als Beispiel wollen wir über fünf ausgewählte russische Symphonien sprechen, deren Einzigartigkeit kaum zu überschätzen ist.

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ZWEITE (HELDENHAFTE) SYMPHONIE VON ALEXANDER BORODIN (B-MOLL, 1869–1876)

In Russland reifte in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts unter den Komponisten eine feste Idee: Es war an der Zeit, eine eigene russische Symphonie zu schaffen. Zu dieser Zeit feierte die Symphonie in Europa ihr 100-jähriges Bestehen und hatte alle Stufen der Evolutionskette durchlaufen: von der Opernouvertüre, die die Theaterbühne verließ und getrennt von der Oper aufgeführt wurde, bis hin zu solchen Kolosse wie Beethovens Symphonie Nr. 9 (1824) oder Berlioz‘ Symphony Fantastique (1830). In Russland setzte sich die Mode für dieses Genre nicht durch: Sie versuchten es einmal, zweimal (Dmitry Bortnyansky – Konzertsymphonie, 1790; Alexander Alyabyev – Sinfonien in e-Moll, Es-Dur) – und gaben diese Idee auf, um es zu tun kehren Jahrzehnte später in den Werken von Anton Rubinstein, Miliya Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin und anderen darauf zurück.

Die genannten Komponisten urteilten absolut richtig, denn sie erkannten, dass das Einzige, womit sich eine russische Symphonie vor dem Hintergrund des europäischen Überflusses rühmen kann, ihr nationaler Charakter ist. Und Borodin ist darin seinesgleichen. Seine Musik atmet die Weite endloser Ebenen, die Tapferkeit russischer Ritter, die Aufrichtigkeit von Volksliedern mit ihrem schmerzenden, berührenden Ton. Das Wahrzeichen der Symphonie war das Hauptthema des ersten Satzes, woraufhin der Freund und Mentor des Komponisten, der Musikwissenschaftler Vladimir Stasov, zwei Namen vorschlug: zuerst „Löwin“ und dann eine passendere Idee: „Bogatyrskaya“.

Im Gegensatz zu den symphonischen Werken Beethovens oder Berlioz, die auf menschlichen Leidenschaften und Erfahrungen basieren, erzählt die Bogatyr-Symphonie von Zeit, Geschichte und Menschen. Es gibt kein Drama in der Musik, keinen ausgeprägten Konflikt: Sie gleicht einer Reihe fließend wechselnder Gemälde. Und dies spiegelt sich im Wesentlichen in der Struktur der Symphonie wider, in der der langsame Satz, der normalerweise an zweiter Stelle steht, und das lebhafte Scherzo (traditionell danach) die Plätze wechseln und das Finale in verallgemeinerter Form die Ideen des ersten wiederholt Bewegung. Auf diese Weise gelang es Borodin, einen maximalen Kontrast in der musikalischen Darstellung des Nationalepos zu erreichen, und Bogatyrskayas Strukturmodell diente später als Vorbild für die epischen Sinfonien von Glasunow, Mjaskowski und Prokofjew.

I. Allegro (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trio: Allegretto (07:50)
III. Andante (13:07)
IV. Finale: Allegro (23:42)

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Peter Tschaikowskys sechste (erbärmliche) Symphonie (h-Moll, 1893)


Es gibt so viele Beweise, Interpretationen und Versuche, den Inhalt zu erklären, dass die gesamte Beschreibung dieser Arbeit aus Zitaten bestehen könnte. Hier ist einer davon, aus Tschaikowskys Brief an seinen Neffen Wladimir Dawydow, dem die Symphonie gewidmet ist: „Während der Reise hatte ich die Idee einer weiteren Symphonie, diesmal einer Programmsinfonie, aber mit einem Programm, das bleiben würde.“ für jeden ein Rätsel. Dieses Programm ist am meisten von Subjektivität durchdrungen, und während meiner Reisen, während ich es im Geiste komponierte, habe ich oft viel geweint.“ Was ist das für ein Programm? Tschaikowsky gesteht dies seiner Cousine Anna Merkling, die ihm vorschlug, sein Leben in dieser Symphonie zu beschreiben. „Ja, Sie haben richtig geraten“, bestätigte der Komponist.

In den frühen 1890er Jahren kam Tschaikowski immer wieder der Gedanke, Memoiren zu schreiben. Aus dieser Zeit stammen Skizzen zu seiner unvollendeten Symphonie namens „Life“. Den erhaltenen Entwürfen nach zu urteilen, plante der Komponist, bestimmte Lebensabschnitte abstrakt darzustellen: Jugend, Tatendrang, Liebe, Enttäuschung, Tod. Der objektive Plan reichte Tschaikowsky jedoch nicht aus und die Arbeit wurde unterbrochen, doch in der Sechsten Symphonie ließ er sich ausschließlich von persönlichen Erfahrungen leiten. Wie krank muss die Seele des Komponisten gewesen sein, dass Musik mit solch einer unglaublichen, erstaunlichen Einflusskraft geboren wurde!

Der lyrisch-tragische erste Teil und das Finale sind untrennbar mit dem Bild des Todes verbunden (in der Durchführung des ersten Teils wird das Thema des geistlichen Gesangs „Ruhe bei den Heiligen“ zitiert), wie Tschaikowsky selbst anhand dieser Symphonie bezeugte als Reaktion auf den Vorschlag des Großherzogs Konstantin Romanow, „Requiem“ zu schreiben. Deshalb werden das helle lyrische Intermezzo (Fünftaktwalzer im zweiten Teil) und das feierliche und triumphale Scherzo so deutlich wahrgenommen. Es gibt viele Diskussionen über die Rolle des letzteren in der Komposition. Es scheint, dass Tschaikowsky versuchte, die Sinnlosigkeit irdischen Ruhms und Glücks angesichts des unvermeidlichen Verlusts aufzuzeigen und damit das große Sprichwort Salomos zu bestätigen: „Alles vergeht.“ Auch dies wird vorübergehen."

1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro con grazia 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. Finale. Adagio lamentoso 33:44

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DRITTE SYMPHONIE („Göttliches Gedicht“) von Alexander Skrjabin (c-Moll, 1904)

Wenn Sie an einem dunklen Herbstabend das Alexander-Skrjabin-Hausmuseum in Moskau besuchen, werden Sie sicherlich die unheimliche und geheimnisvolle Atmosphäre spüren, die den Komponisten zu Lebzeiten umgab. Eine seltsame Struktur aus farbigen Glühbirnen auf dem Tisch im Wohnzimmer, dicke Bände über Philosophie und Okkultismus hinter dem trüben Glas der Bücherregaltür und schließlich ein asketisch wirkendes Schlafzimmer, in dem Skrjabin lebte, der sein ganzes Leben lang Angst vor dem Sterben hatte an einer Blutvergiftung, starb an Sepsis. Ein düsterer und geheimnisvoller Ort, der die Weltanschauung des Komponisten perfekt veranschaulicht.

Nicht weniger bezeichnend für Skrjabins Denken ist seine Dritte Symphonie, die die sogenannte mittlere Schaffensperiode eröffnet. Zu dieser Zeit formulierte Skrjabin nach und nach seine philosophischen Ansichten, deren Kern darin besteht, dass die ganze Welt das Ergebnis der eigenen Kreativität und der eigenen Gedanken ist (Solipsismus in seiner extremen Stufe) und dass die Erschaffung der Welt und die Schaffung von Kunst sind im Wesentlichen ähnliche Prozesse. Diese Prozesse laufen folgendermaßen ab: Aus dem primären Chaos der kreativen Trägheit entstehen zwei Prinzipien – aktiv und passiv (männlich und weiblich). Der erste trägt göttliche Energie, der zweite lässt die materielle Welt mit ihren natürlichen Schönheiten entstehen. Das Zusammenspiel dieser Prinzipien erzeugt kosmischen Eros, der zur Ekstase führt – dem freien Triumph des Geistes.

So seltsam das alles auch klingen mag, Skrjabin glaubte aufrichtig an dieses Genesis-Modell, nach dem die Dritte Symphonie geschrieben wurde. Sein erster Teil heißt „Kampf“ (der Kampf eines Menschensklaven, der sich dem höchsten Herrscher der Welt unterwirft, und eines Menschengottes), der zweite Teil heißt „Vergnügen“ (ein Mensch gibt sich den Freuden der Sinneswelt hin). , löst sich in der Natur auf) und schließlich das dritte – „göttliches Spiel“ (der befreite Geist, der „das Universum mit der alleinigen Kraft seines schöpferischen Willens erschafft“, begreift die „erhabene Freude der freien Aktivität“). Aber Philosophie ist Philosophie, und die Musik selbst ist wunderbar und offenbart alle klanglichen Fähigkeiten eines Symphonieorchesters.

I. Lento
II. Luttes
III. Volupten
IV. Jeu Divin

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ERSTE (KLASSISCHE) SYMPHONIE VON SERGEY PROKOFJEW (D-DUR, 1916–1917)

Wir schreiben das Jahr 1917, schwierige Kriegsjahre, Revolution. Es scheint, dass Kunst düster die Stirn runzeln und von schmerzhaften Dingen erzählen sollte. Aber traurige Gedanken sind nichts für Prokofjews Musik – sonnig, funkelnd, jugendlich charmant. Dies ist seine Erste Symphonie.

Schon während seiner Studienzeit interessierte sich der Komponist für das Werk der Wiener Klassiker. Nun ist aus seiner Feder ein Werk à la Haydn entstanden. „Es schien mir, dass Haydn, wenn er bis heute gelebt hätte, seinen Schreibstil beibehalten und gleichzeitig etwas Neues übernommen hätte“, kommentierte Prokofjew seine Idee.

Der Komponist wählte eine bescheidene Besetzung des Orchesters, wiederum ganz im Sinne der Wiener Klassik – ohne schwere Blechbläser. Die Textur und Orchestrierung sind leicht und transparent, der Umfang des Werkes ist nicht groß, die Komposition ist harmonisch und logisch. Mit einem Wort, es erinnert sehr an das Werk des Klassizismus, das fälschlicherweise im 20. Jahrhundert geboren wurde. Es gibt jedoch auch reine Prokofjew-Embleme, zum Beispiel sein Lieblingsgenre Gavotte im dritten Satz anstelle eines Scherzos (der Komponist verwendete dieses Musikmaterial später im Ballett „Romeo und Julia“) sowie ein scharfes „Pfeffer“. ” Harmonie und ein Abgrund musikalischen Humors.

0:33 I. Allegro
5:20 II. Großes Ghetto
9:35 III. Gavotta (Non troppo allegro)
11:17 IV. Finale (Molto vivace)

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SIEBTE (LENINGRAD) SYMPHONIE VON DMITRI SCHOSTAKOWITSCH (C-DUR, 1941)

Am 2. Juli 1942 durchbrach ein zwanzigjähriger Pilot, Leutnant Litvinov, auf wundersame Weise die feindliche Einkesselung und schaffte es, Medikamente und vier dicke Musikbücher mit der Partitur von D.D.s Siebter Symphonie in das belagerte Leningrad zu bringen. Schostakowitsch, und am nächsten Tag erschien eine kurze Notiz in der Leningradskaja Prawda: „Die Partitur von Dmitri Schostakowitschs Siebter Symphonie wurde per Flugzeug nach Leningrad geliefert. Die öffentliche Aufführung findet im Großen Saal der Philharmonie statt.“

Ein Ereignis, für das es in der Musikgeschichte noch nie eine Entsprechung gegeben hat: In einer belagerten Stadt führten furchtbar erschöpfte Musiker (alle Überlebenden machten mit) unter der Leitung des Dirigenten Carl Eliasberg Schostakowitschs neue Symphonie auf. Dasselbe, das der Komponist in den ersten Wochen der Belagerung komponierte, bis er und seine Familie nach Kuibyshev (Samara) evakuiert wurden. Am Tag der Leningrader Uraufführung, dem 9. August 1942, war der Große Saal der Leningrader Philharmonie bis auf den letzten Platz gefüllt mit erschöpften Stadtbewohnern mit durchsichtigen Gesichtern, aber gleichzeitig in eleganter Kleidung, und Militärangehörigen, die direkt aus der Leningrader Philharmonie kamen Frontlinie. Die Symphonie wurde über Radiolautsprecher auf die Straße übertragen. An diesem Abend stand die ganze Welt still und lauschte der beispiellosen Leistung der Musiker.

...Es ist bemerkenswert, aber das berühmte Thema im Geiste von Ravels „Bolero“, das heute meist mit einer faschistischen Armee verkörpert wird, die gedankenlos alles bewegt und zerstört, was sich ihr in den Weg stellt, wurde von Schostakowitsch bereits vor Kriegsbeginn geschrieben. Es wurde jedoch ganz selbstverständlich in den ersten Teil der Leningrader Symphonie aufgenommen und ersetzte die sogenannte „Invasionsepisode“. Auch das lebensbejahende Ende erwies sich als prophetisch und nahm den ersehnten Sieg vorweg, von dem es noch so lange dreieinhalb Jahre trennte...

I. Allegretto 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adagio 37:00
IV. Allegro non troppo 53:40

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Vorlesung

Symphonische Genres

Die Entstehungsgeschichte der Symphonie als Genre

Die Geschichte der Symphonie als Gattung reicht etwa zweieinhalb Jahrhunderte zurück.

Am Ende des Mittelalters wurde in Italien versucht, das antike Drama wiederzubeleben. Dies war der Beginn einer völlig anderen Art von Musik- und Theaterkunst – der Oper.
In der frühen europäischen Oper spielte der Chor als Solosänger mit einer Gruppe von Instrumentalisten, die ihn begleiteten, keine so große Rolle. Um die Sicht des Publikums auf die Künstler auf der Bühne nicht zu beeinträchtigen, befand sich das Orchester in einer besonderen Nische zwischen dem Parkett und der Bühne. Zuerst wurde dieser besondere Ort „Orchester“ genannt, dann die Interpreten selbst.

SYMPHONIE(Griechisch) - Konsonanz. In der Zeit vom XVI-XVIII Jahrhundert. dieses Konzept bedeutete „wohlklingende Klangkombination“, „harmonischer Chorgesang“ und „polyphones Musikwerk“.

« Symphonien“ angerufen Orchesterpausen zwischen den Akten der Oper. « Orchester„(altgriechisch) hießen Bereiche vor der Theaterbühne, wo ursprünglich der Chor untergebracht war.

Nur in den 30er und 40er Jahren. Im 18. Jahrhundert entstand eine eigenständige Orchestergattung, die später als Sinfonie bezeichnet wurde.

Das neue Genre war ein aus mehreren Teilen bestehendes Werk (Zyklus) und der erste Teil, der die Hauptbedeutung des Werkes enthält, muss unbedingt der „Sonatenform“ entsprechen.

Der Geburtsort des Sinfonieorchesters ist die Stadt Mannheim. Hier, in der Kapelle des örtlichen Kurfürsten, entstand ein Orchester, dessen Kunst großen Einfluss auf das Orchesterschaffen und auf die gesamte weitere Entwicklung der symphonischen Musik hatte.
« Dieses außergewöhnliche Orchester hat viel Raum und Kanten- schrieb der berühmte Musikhistoriker Charles Burney. Hier wurden die Effekte genutzt, die eine solche Masse an Klängen hervorrufen kann: Hier wurden das „Crescendo“, das „Diminuendo“ und das „Klavier“, das früher hauptsächlich als Echo verwendet wurde und meist gleichbedeutend damit war, und „Klavier“ geboren. „Forte“ wurden als musikalische Farben erkannt, die ihre eigenen Schattierungen hatten, wie Rot oder Blau in der Malerei …“

Einige der ersten Komponisten, die im Genre der Symphonie arbeiteten, waren:

Italienisch – Giovanni Sammartini, Französisch – Francois Gossec und tschechischer Komponist – Jan Stamitz.

Dennoch gilt Joseph Haydn als Schöpfer der klassischen Sinfoniegattung. Er besitzt die ersten brillanten Beispiele der Klaviersonate, des Streichtrios und des Quartetts. In Haydns Werk entstand die Gattung der Symphonie, nahm Gestalt an und nahm ihre endgültige, wie wir heute sagen, klassische Form an.

I.Haydn und W.Mozart fassten in ihrem symphonischen Schaffen das Beste zusammen, woran die Orchestermusik vor ihnen reich war. Und gleichzeitig eröffneten die Sinfonien von Haydn und Mozart wahrlich unerschöpfliche Möglichkeiten für eine neue Gattung. Die ersten Sinfonien dieser Komponisten waren für ein kleines Orchester konzipiert. Doch später erweitert I. Haydn das Orchester nicht nur quantitativ, sondern auch durch den Einsatz ausdrucksstarker Klangkombinationen von Instrumenten, die nur dem einen oder anderen seiner Pläne entsprechen.

Dies ist die Kunst der Instrumentierung oder Orchestrierung.

Orchestrierung- Dies ist ein lebendiger kreativer Akt, die Gestaltung der musikalischen Ideen des Komponisten. Instrumentierung ist Kreativität – einer der Aspekte der Seele der Komposition selbst.

In der Zeit von Beethovens Schaffen entstand schließlich die klassische Besetzung des Orchesters, die Folgendes umfasste:

Saiten,

Paarweise Komposition aus Holzinstrumenten,

2 (manchmal 3-4) Hörner,

2 Pauken. Diese Komposition heißt klein.

G. Berlioz und R. Wagner versuchten, den Klangumfang des Orchesters zu erweitern, indem sie die Komposition um das 3- bis 4-fache vergrößerten.

Der Höhepunkt der sowjetischen symphonischen Musik war das Werk von S. Prokofjew und D. Schostakowitsch.

Symphonie... Es wird mit einem Roman und einer Geschichte, einem Filmepos und einem Drama, einem malerischen Fresko verglichen. Bedeutung Alle diese Analogien sind klar. In diesem Genre ist es möglich auszudrücken, was wichtig ist, manchmal das Wichtigste, wofür Kunst existiert, wofür ein Mensch auf der Welt lebt - der Wunsch nach Glück, nach Licht, Gerechtigkeit und Freundschaft.

Eine Sinfonie ist ein Musikstück für ein Sinfonieorchester, das in sonatenzyklischer Form geschrieben ist. Besteht normalerweise aus 4 Teilen und drückt komplexe künstlerische Gedanken über das menschliche Leben, über menschliches Leiden und Freuden, Sehnsüchte und Impulse aus. Es gibt Sinfonien mit mehr und weniger Stimmen, bis hin zu einem Satz.

Um die Klangeffekte zu verstärken, werden manchmal Sinfonien hinzugefügt Chor- und Sologesang. Es gibt Symphonien für Streich-, Kammer-, geistliche und andere Orchester, für ein Orchester mit Soloinstrument, Orgel, Chor und Vokalensemble... . Vier Teile Symphonien drücken typische Kontraste von Lebenszuständen aus: Bilder dramatischer Kämpfe (erster Satz), humorvolle oder tänzerische Episoden (Menuett oder Scherzo), erhabene Kontemplation (langsamer Satz) und ein feierliches oder volkstümliches Finale.

Symphonische Musik ist Musik, die dazu bestimmt ist, von einem Symphoniker aufgeführt zu werden
Orchester; das bedeutendste und reichhaltigste Gebiet der Instrumentalmusik,
umfasst große mehrteilige Werke, reich an komplexen ideologischen
emotionaler Inhalt und kleine Musikstücke Das Hauptthema der symphonischen Musik ist das Thema der Liebe und das Thema der Feindschaft.

Symphonieorchester,
Durch die Kombination verschiedener Instrumente entsteht eine reichhaltige Palette
Klangfarben, Ausdrucksmittel.

Die folgenden symphonischen Werke erfreuen sich nach wie vor großer Beliebtheit: L. Beethovens Symphonie Nr. 3 („Eroische“), Nr. 5, „Egmont“-Ouvertüre;

P Tschaikowsky Symphonie Nr. 4, Nr. 6, Ouvertüre „Romeo und Julia“, Konzerte (Phono,

S. Prokofjew Symphonie Nr. 7

I. Strawinsky-Fragmente aus dem Ballett „Petruschka“

J. Gershwin Symphojazz „Rhapsody in Blue“

Musik für Orchester entwickelte sich in ständiger Interaktion mit anderen Formen der Musikkunst: Kammermusik, Orgelmusik, Chormusik, Opernmusik.

Charakteristische Genres des 17.-18. Jahrhunderts: Suite, Konzert- Ensemble-Orchester, Ouvertüre Opernbeispiel. Arten von Suiten des 18. Jahrhunderts: Divertissement, Serenade, Nocturne.

Der kraftvolle Aufstieg der symphonischen Musik ist mit der Förderung der Symphonie, ihrer Entwicklung als zyklische Sonatenform und der Verbesserung des klassischen Symphonieorchestertyps verbunden. Sie begannen oft mit der Einführung in die Symphonie und andere Arten symphonischer Musik Chor- und Sologesang. Das symphonische Prinzip in Vokal- und Orchesterwerken, Oper und Ballett hat sich intensiviert. Zu den Genres der symphonischen Musik zählen auch Symphonietta, symphonische Variationen, Fantasie, Rhapsodie, Legende, Capriccio, Scherzo, Medley, Marsch, verschiedene Tänze, verschiedene Miniaturen usw. Das konzertante symphonische Repertoire umfasst auch einzelne Orchesterfragmente aus Opern, Balletten, Dramen, Theaterstücken, Filmen.

Symphonische Musik des 19. Jahrhunderts. verkörperte eine riesige Welt an Ideen und Emotionen. Es spiegelt breite gesellschaftliche Themen, tiefste Erfahrungen, Bilder der Natur, des Alltagslebens und der Fantasie, nationale Charaktere, Bilder der Raumkunst, Poesie und Folklore wider.

Es gibt verschiedene Arten von Orchestern:

Militärkapelle (bestehend aus Blas-, Blech- und Holzinstrumenten)

Streichorchester:.

Das Sinfonieorchester ist das größte an Kompositionen und reich an Fähigkeiten; für die konzertante Aufführung von Orchestermusik gedacht. Das Sinfonieorchester in seiner modernen Form entstand nicht unmittelbar, sondern als Ergebnis eines langen historischen Prozesses.

Ein Konzertsinfonieorchester befindet sich im Gegensatz zu einem Opernorchester direkt auf der Bühne und ist ständig im Blickfeld des Publikums.

Aufgrund historischer Traditionen unterschieden sich Konzert- und Opernsinfonieorchester lange Zeit in ihrer Zusammensetzung, doch heutzutage ist dieser Unterschied fast verschwunden.

Die Gesamtzahl der Musiker in einem Sinfonieorchester ist nicht konstant: Sie kann zwischen 60 und 120 (und sogar mehr) Personen schwanken. Eine so große Teilnehmergruppe erfordert eine geschickte Führung für ein koordiniertes Spiel. Diese Rolle gehört dem Dirigenten.

Bis Anfang des 19. Jahrhunderts spielte der Dirigent während der Aufführung selbst ein Instrument – ​​zum Beispiel die Geige. Mit der Zeit wurde der Inhalt der symphonischen Musik jedoch komplexer, und dieser Umstand zwang die Dirigenten nach und nach, eine solche Kombination aufzugeben.

Die Symphonie ist die monumentalste Form der Instrumentalmusik. Darüber hinaus gilt diese Aussage für jede Epoche – sowohl für die Werke der Wiener Klassiker als auch für die Romantiker und für Komponisten späterer Sätze...

Alexander Maikapar

Musikgenres: Symphonie

Das Wort Symphonie kommt vom griechischen „symphonia“ und hat mehrere Bedeutungen. Theologen nennen dies eine Anleitung zur Verwendung der in der Bibel vorkommenden Wörter. Der Begriff wird von ihnen mit Vereinbarung und Vereinbarung übersetzt. Musiker übersetzen dieses Wort als Konsonanz.

Das Thema dieses Aufsatzes ist die Symphonie als Musikgattung. Es stellt sich heraus, dass der Begriff Symphonie im musikalischen Kontext mehrere unterschiedliche Bedeutungen hat. So nannte Bach seine wunderbaren Stücke für das Klavier, was bedeutet, dass sie eine harmonische Kombination, eine Kombination – Konsonanz – mehrerer (in diesem Fall dreier) Stimmen darstellen. Doch schon zu Bachs Zeiten – in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts – war diese Verwendung des Begriffs eine Ausnahme. Darüber hinaus bezeichnete es im Werk Bachs selbst Musik eines völlig anderen Stils.

Und nun sind wir dem Hauptthema unseres Aufsatzes nahe gekommen – der Sinfonie als großes mehrstimmiges Orchesterwerk. In diesem Sinne entstand die Symphonie um 1730, als die Orchestereinleitung zur Oper von der Oper selbst getrennt und in ein eigenständiges Orchesterwerk umgewandelt wurde, das auf einer dreiteiligen Ouvertüre italienischen Typs basierte.

Die Verwandtschaft der Symphonie mit der Ouvertüre zeigt sich nicht nur darin, dass jeder der drei Abschnitte der Ouvertüre: schnell-langsam-schnell (und manchmal sogar die langsame Einleitung dazu) zu einem eigenständigen separaten Teil der Symphonie wurde, sondern auch darin, dass die Ouvertüre der Symphonie einen ideellen Kontrast der Hauptthemen (normalerweise männlich und weiblich) verlieh und der Symphonie so die dramatische (und dramaturgische) Spannung und Intrige verlieh, die für Musik großer Formen notwendig ist.

Konstruktive Prinzipien der Symphonie

Zahlreiche musikwissenschaftliche Bücher und Artikel widmen sich der Analyse der Form der Symphonie und ihrer Entwicklung. Das künstlerische Material, das das Genre der Symphonie repräsentiert, ist sowohl in der Menge als auch in der Formenvielfalt enorm. Hier können wir die allgemeinsten Prinzipien charakterisieren.

1. Die Sinfonie ist die monumentalste Form der Instrumentalmusik. Darüber hinaus gilt diese Aussage für jede Epoche – für die Werke der Wiener Klassiker, für die Romantiker und für Komponisten späterer Sätze. Die achte Symphonie (1906) von Gustav Mahler beispielsweise, grandios in der künstlerischen Gestaltung, wurde für eine – auch nach den Vorstellungen des frühen 20. Jahrhunderts – riesige Besetzung an Interpreten geschrieben: ein großes Symphonieorchester, erweitert um 22 Holzbläser und 17 Blechblasinstrumente, die Partitur enthält außerdem zwei gemischte Chöre und einen Knabenchor; Hinzu kommen acht Solisten (drei Soprane, zwei Altisten, ein Tenor, ein Bariton und ein Bass) und ein Backstage-Orchester. Sie wird oft als „Symphonie der tausend Mitwirkenden“ bezeichnet. Um es aufführen zu können, ist es notwendig, die Bühne selbst sehr großer Konzertsäle umzubauen.

2. Da es sich bei der Symphonie um ein mehrsätziges Werk handelt (drei-, oft vier- und manchmal auch fünfsätzig, zum Beispiel Beethovens „Pastorale“ oder Berlioz‘ „Fantastique“), ist es klar, dass eine solche Form äußerst aufwändig sein muss um Monotonie und Monotonie zu beseitigen. (Eine einsätzige Symphonie ist sehr selten; ein Beispiel ist die Symphonie Nr. 21 von N. Myaskovsky.)

Eine Symphonie enthält immer viele musikalische Bilder, Ideen und Themen. Sie sind auf die eine oder andere Weise auf die Stimmen verteilt, die wiederum einerseits einen Kontrast zueinander bilden und andererseits eine Art höhere Integrität bilden, ohne die die Symphonie nicht als ein einziges Werk wahrgenommen wird .

Um einen Eindruck von der Komposition der Sätze der Symphonie zu vermitteln, stellen wir Informationen zu mehreren Meisterwerken zur Verfügung...

Mozart. Sinfonie Nr. 41 „Jupiter“, C-Dur
I. Allegro vivace
II. Andante cantabile
III. Menuetto. Allegretto - Trio
IV. Molto Allegro

Beethoven. Sinfonie Nr. 3, Es-Dur, Op. 55 („Heroisch“)
I. Allegro con brio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. Finale: Allegro molto, Poco Andante

Schubert. Sinfonie Nr. 8 in h-Moll (die sogenannte „Unvollendete“)
I. Allegro moderato
II. Andante con moto

Berlioz. Fantastische Symphonie
I. Träume. Passion: Largo – Allegro agitato e appassionato assai – Tempo I – Religiosamente
II. Ball: Valse. Allegro non troppo
III. Szene in den Feldern: Adagio
IV. Prozession zur Hinrichtung: Allegretto non troppo
V. Ein Traum in der Nacht des Sabbats: Larghetto – Allegro – Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

Borodin. Sinfonie Nr. 2 „Bogatyrskaja“
I. Allegro
II. Scherzo. Prestissimo
III. Andante
IV. Finale. Allegro

3. Der erste Teil ist der komplexeste im Design. In einer klassischen Sinfonie wird sie meist in Form einer sogenannten Sonate geschrieben Allegro. Die Besonderheit dieser Form besteht darin, dass in ihr mindestens zwei Hauptthemen aufeinanderprallen und sich entwickeln, von denen man im allgemeinsten Sinne sagen kann, dass sie das Männliche zum Ausdruck bringen (dieses Thema wird üblicherweise so genannt). Hauptpartei, da es zum ersten Mal in der Haupttonart des Werkes stattfindet) und das weibliche Prinzip (dies Nebenpartei- es erklingt in einer der zugehörigen Haupttonarten). Diese beiden Hauptthemen sind irgendwie miteinander verbunden und der Übergang vom Haupt- zum Nebenthema wird als bezeichnet Verbindungspartei. Die Präsentation all dieses musikalischen Materials hat normalerweise einen bestimmten Abschluss, den man diese Episode nennt Endspiel.

Wenn wir einer klassischen Symphonie mit einer Aufmerksamkeit zuhören, die es uns ermöglicht, diese Strukturelemente sofort von der ersten Bekanntschaft mit einem bestimmten Werk zu unterscheiden, werden wir im ersten Satz Modifikationen dieser Hauptthemen entdecken. Mit der Entwicklung der Sonatenform gelang es einigen Komponisten – allen voran Beethoven –, weibliche Elemente im Thema eines männlichen Charakters zu identifizieren und umgekehrt, und diese Themen im Zuge der Entwicklung auf unterschiedliche Weise zu „beleuchten“. Wege. Dies ist vielleicht die hellste – sowohl künstlerische als auch logische – Verkörperung des Prinzips der Dialektik.

Der gesamte erste Teil der Symphonie ist als dreiteilige Form aufgebaut, in der zunächst die Hauptthemen dem Hörer wie ausgestellt präsentiert werden (daher wird dieser Abschnitt Exposition genannt) und dann einer Entwicklung und Transformation unterzogen (zweiter). Abschnitt ist Entwicklung) und kehren schließlich zurück – entweder in ihrer ursprünglichen Form oder in einer neuen Funktion (Reprise). Dies ist das allgemeinste Schema, zu dem jeder der großen Komponisten etwas Eigenes beigetragen hat. Daher werden wir nicht nur bei verschiedenen Komponisten, sondern auch bei demselben Komponisten zwei identische Konstruktionen finden. (Natürlich, wenn wir über großartige Schöpfer sprechen.)

4. Nach dem meist stürmischen ersten Teil der Symphonie muss sicherlich Platz für lyrische, ruhige, erhabene, kurz gesagt in Zeitlupe fließende Musik sein. Zunächst handelte es sich um den zweiten Teil der Symphonie, und dies galt als eher strenge Regel. In den Symphonien von Haydn und Mozart ist der langsame Satz genau der zweite. Wenn es in einer Symphonie nur drei Sätze gibt (wie in Mozarts 1770er Jahren), dann erweist sich der langsame Satz tatsächlich als der mittlere. Wenn die Sinfonie vier Sätze hat, dann wurde in den frühen Sinfonien ein Menuett zwischen dem langsamen Satz und dem schnellen Finale platziert. Später, beginnend mit Beethoven, wurde das Menuett durch ein schnelles Scherzo ersetzt. Irgendwann beschlossen die Komponisten jedoch, von dieser Regel abzuweichen, und dann wurde der langsame Satz zum dritten in der Symphonie und das Scherzo zum zweiten Satz, wie wir in A. Borodins „Bogatyr“ sehen (oder vielmehr hören). Symphonie.

5. Die Finale klassischer Sinfonien zeichnen sich durch lebhafte Bewegung mit Tanz- und Gesangselementen aus, oft im Volksgeist. Manchmal wird das Finale einer Symphonie zu einer wahren Apotheose, wie in Beethovens Neunter Symphonie (op. 125), wo ein Chor und Solosänger in die Symphonie eingeführt wurden. Für Beethoven selbst war dies zwar eine Neuerung für die Gattung der Symphonie, jedoch nicht: Schon früher komponierte er die Fantasie für Klavier, Chor und Orchester (op. 80). Die Sinfonie enthält die Ode „An die Freude“ von F. Schiller. Das Finale ist in dieser Symphonie so dominant, dass die drei Sätze davor als große Einleitung wahrgenommen werden. Die Aufführung dieses Finales mit dem Aufruf „Umarmung, Millionen!“ bei der Eröffnung der UN-Generalsitzung – der beste Ausdruck der ethischen Bestrebungen der Menschheit!

Große Sinfonienschöpfer

Joseph Haydn

Joseph Haydn lebte ein langes Leben (1732–1809). Die 50-jährige Periode seiner Schaffenstätigkeit wurde durch zwei wichtige Umstände umrissen: den Tod von J. S. Bach (1750), der die Ära der Polyphonie beendete, und die Uraufführung von Beethovens Dritter („Eroischer“) Symphonie, die den Beginn dieser Ära markierte die Ära der Romantik. In diesen fünfzig Jahren wurden die alten Musikformen - Messe, Oratorium und Concerto Grosso- wurden durch neue ersetzt: Sinfonie, Sonate und Streichquartett. Der Hauptort, an dem Werke dieser Genres erklangen, waren nun nicht wie zuvor Kirchen und Kathedralen, sondern die Paläste von Adligen und Aristokraten, was wiederum zu einem Wandel der musikalischen Werte führte – Poesie und subjektive Ausdruckskraft kamen ins Spiel Mode.

In all dem war Haydn ein Pionier. Oftmals – wenn auch nicht ganz korrekt – wird er als „Vater der Symphonie“ bezeichnet. Einige Komponisten, zum Beispiel Jan Stamitz und andere Vertreter der sogenannten Mannheimer Schule (Mannheim war Mitte des 18. Jahrhunderts die Hochburg des frühen Sinfonismus), hatten bereits viel früher als Haydn mit der Komposition dreisätziger Sinfonien begonnen. Haydn hat diese Form jedoch auf ein viel höheres Niveau gehoben und den Weg in die Zukunft gewiesen. Seine frühen Werke tragen den Einfluss von C. F. E. Bach und seine späteren Werke nehmen einen völlig anderen Stil vorweg – Beethoven.

Es ist bemerkenswert, dass er begann, Kompositionen zu schaffen, die nach seinem vierzigsten Geburtstag eine wichtige musikalische Bedeutung erlangten. Fruchtbarkeit, Vielfalt, Unberechenbarkeit, Humor, Erfindungsreichtum – das macht Haydn haushoch über dem Niveau seiner Zeitgenossen.

Viele Sinfonien Haydns erhielten Titel. Lassen Sie mich Ihnen einige Beispiele nennen.

A. Abakumow. Haydn spielen (1997)

Die berühmte Symphonie Nr. 45 hieß „Farewell“ (oder „Symphonie bei Kerzenlicht“): Auf den letzten Seiten des Finales der Symphonie hören die Musiker einer nach dem anderen auf zu spielen und verlassen die Bühne, sodass nur noch zwei Violinen übrig bleiben und die Symphonie endet Symphonie mit einem Frageakkord la - Fis. Haydn selbst erzählte eine halb-humorvolle Version der Entstehung der Symphonie: Fürst Nikolai Esterhazy ließ die Orchestermitglieder einst für sehr lange Zeit nicht aus Eszterhazy nach Eisenstadt ziehen, wo ihre Familien lebten. Um seinen Untergebenen zu helfen, komponierte Haydn den Schluss der „Abschiedssymphonie“ in Form eines subtilen Hinweises an den Prinzen – einer in musikalischen Bildern ausgedrückten Bitte um Urlaub. Der Hinweis wurde verstanden und der Prinz gab die entsprechenden Befehle.

In der Ära der Romantik geriet der humorvolle Charakter der Symphonie in Vergessenheit und ihr wurde eine tragische Bedeutung verliehen. Schumann schrieb 1838 über die Musiker, die während des Finales der Symphonie ihre Kerzen löschten und die Bühne verließen: „Und niemand lachte gleichzeitig, da zum Lachen keine Zeit war.“

Die Symphonie Nr. 94 „Mit Paukenschlag oder Überraschung“ erhielt ihren Namen aufgrund der humorvollen Wirkung im langsamen Satz – ihre friedliche Stimmung wird durch einen scharfen Paukenschlag unterbrochen. Nr. 96 „Wunder“ wurde aufgrund zufälliger Umstände so genannt. Bei dem Konzert, in dem Haydn diese Symphonie dirigieren sollte, strömte das Publikum mit seinem Auftritt aus der Mitte des Saals in die leeren ersten Reihen, und die Mitte war leer. In diesem Moment stürzte mitten im Saal ein Kronleuchter ein, lediglich zwei Zuhörer wurden leicht verletzt. Im Saal waren Ausrufe zu hören: „Wunder! Wunder!" Haydn selbst war tief beeindruckt von seiner unfreiwilligen Rettung vieler Menschen.

Der Name der Symphonie Nr. 100 „Militär“ hingegen ist keineswegs zufällig – ihre Extremteile mit ihren militärischen Signalen und Rhythmen zeichnen eindeutig ein musikalisches Bild des Lagers; Sogar das Menuett hier (dritter Satz) ist von einem ziemlich schneidigen „Armee“-Typ; Die Einbeziehung türkischer Schlaginstrumente in die Partitur der Symphonie erfreute Londoner Musikliebhaber (vgl. Mozarts „Türkischer Marsch“).

Nr. 104 „Salomon“: Ist das nicht eine Hommage an den Impresario – John Peter Salomon, der so viel für Haydn getan hat? Allerdings wurde Salomon selbst dank Haydn so berühmt, dass er in der Westminster Abbey beigesetzt wurde, „weil er Haydn nach London gebracht hatte“, wie auf seinem Grabstein angegeben. Daher sollte die Symphonie „Mit“ heißen A lomon“ und nicht „Solomon“, wie es manchmal in Konzertprogrammen zu finden ist, was die Zuhörer fälschlicherweise auf den biblischen König ausrichtet.

Wolfgang Amadeus Mozart

Mozart schrieb seine ersten Sinfonien im Alter von acht Jahren und seine letzte mit zweiunddreißig. Ihre Gesamtzahl beträgt mehr als fünfzig, aber einige junge Exemplare haben nicht überlebt oder wurden noch nicht entdeckt.

Befolgt man den Rat von Alfred Einstein, dem größten Mozart-Kenner, und vergleicht diese Zahl mit nur neun Symphonien von Beethoven oder vier von Brahms, wird sofort klar, dass das Konzept der Gattung Symphonie bei diesen Komponisten unterschiedlich ist. Aber wenn wir Mozarts Sinfonien herausgreifen, die sich wie die Beethovens wirklich an ein bestimmtes ideales Publikum richten, mit anderen Worten an die gesamte Menschheit ( humanitas), dann stellt sich heraus, dass auch Mozart nicht mehr als zehn solcher Sinfonien geschrieben hat (Einstein selbst spricht von „vier oder fünf“!). „Prag“ und die Sinfonientrias von 1788 (Nr. 39, 40, 41) sind ein erstaunlicher Beitrag zur Schatzkammer der Weltsinfonie.

Von diesen letzten drei Sinfonien ist die mittlere, Nr. 40, die bekannteste. Nur „Eine kleine Nachtserenade“ und die Ouvertüre zur Oper „Die Hochzeit des Figaro“ können mit ihr an Beliebtheit mithalten. Obwohl die Gründe für die Beliebtheit immer schwer zu bestimmen sind, könnte einer davon in diesem Fall die Wahl des Tons sein. Diese Symphonie ist in g-Moll geschrieben – eine Seltenheit für Mozart, der fröhliche und fröhliche Dur-Tonarten bevorzugte. Von den einundvierzig Sinfonien wurden nur zwei in einer Moll-Tonart geschrieben (was nicht bedeutet, dass Mozart keine Moll-Musik in Dur-Symphonien geschrieben hätte).

Seine Klavierkonzerte haben ähnliche Statistiken: Von siebenundzwanzig haben nur zwei eine Moll-Tonart. Wenn man die dunklen Tage bedenkt, in denen diese Symphonie entstand, könnte es scheinen, als sei die Wahl der Tonalität vorbestimmt gewesen. Allerdings steckt hinter dieser Schöpfung mehr als nur die alltäglichen Sorgen einer einzelnen Person. Wir dürfen nicht vergessen, dass deutsche und österreichische Komponisten in dieser Zeit zunehmend den Ideen und Bildern der ästhetischen Strömung in der Literatur, genannt „Sturm und Drang“, ausgeliefert waren.

Der Name der neuen Bewegung wurde durch F. M. Klingers Drama „Sturm und Drang“ (1776) gegeben. Es sind zahlreiche Dramen mit unglaublich leidenschaftlichen und oft inkonsistenten Helden entstanden. Komponisten waren auch von der Idee fasziniert, die dramatische Intensität von Leidenschaften, heroischen Kämpfen und oft der Sehnsucht nach unerreichbaren Idealen mit Klängen auszudrücken. Es ist nicht verwunderlich, dass sich Mozart in dieser Atmosphäre auch den Moll-Tonarten zuwandte.

Im Gegensatz zu Haydn, der immer davon überzeugt war, dass seine Symphonien aufgeführt werden würden – entweder vor Fürst Esterhazy oder, wie die „Londoner“, vor dem Londoner Publikum – hatte Mozart nie eine solche Garantie, und trotzdem war er es erstaunlich produktiv. Waren seine frühen Sinfonien oft unterhaltsame oder, wie wir heute sagen würden, „leichte“ Musik, so sind seine späteren Sinfonien der „Programmhöhepunkt“ eines jeden Sinfoniekonzerts.

Ludwig van Beethoven

Beethoven schuf neun Sinfonien. Es gibt wahrscheinlich mehr Bücher über sie, als es Aufzeichnungen in diesem Erbe gibt. Die größten seiner Sinfonien sind die Dritte (Es-Dur, „Eroica“), die Fünfte (c-Moll), die Sechste (F-Dur, „Pastorale“) und die Neunte (d-Moll).

...Wien, 7. Mai 1824. Uraufführung der Neunten Symphonie. Erhaltene Dokumente bezeugen, was damals geschah. Schon die Ankündigung der bevorstehenden Premiere war bemerkenswert: „Morgen, den 7. Mai, findet die Große Musikakademie statt, die von Herrn Ludwig van Beethoven organisiert wird.“<...>Die Solisten sind Frau Sontag und Frau Unger sowie die Herren Heitzinger und Seipelt. Konzertmeister des Orchesters ist Herr Schuppanzig, Dirigent ist Herr Umlauf.<...>Herr Ludwig van Beethoven wird persönlich an der Leitung des Konzerts beteiligt sein.“

Diese Richtung führte schließlich dazu, dass Beethoven die Symphonie selbst dirigierte. Aber wie konnte das passieren? Schließlich war Beethoven zu diesem Zeitpunkt bereits taub. Wenden wir uns Augenzeugenberichten zu.

„Beethoven dirigierte sich selbst, oder besser gesagt, er stand vor dem Dirigentenpult und gestikulierte wie verrückt“, schrieb Joseph Böhm, der Geiger des Orchesters, der an diesem historischen Konzert teilnahm. - Zuerst streckte er sich nach oben, dann ging er fast in die Hocke, wedelte mit den Armen und stampfte mit den Füßen, als wollte er selbst alle Instrumente gleichzeitig spielen und für den ganzen Chor singen. Tatsächlich war Umlauf für alles zuständig und wir Musiker kümmerten uns nur um seinen Taktstock. Beethoven war so aufgeregt, dass er überhaupt nicht wahrnahm, was um ihn herum geschah, und nicht auf den stürmischen Applaus achtete, der aufgrund seiner Hörbehinderung kaum zu seinem Bewusstsein gelangte. Am Ende jeder Nummer mussten sie ihm genau sagen, wann er sich umdrehen und dem Publikum für den Applaus danken sollte, was er sehr unbeholfen tat.“

Am Ende der Symphonie, als der Applaus bereits donnerte, ging Caroline Unger auf Beethoven zu und stoppte sanft seine Hand – er dirigierte immer noch weiter, ohne zu bemerken, dass die Aufführung zu Ende war! - und drehte sich zur Halle um. Dann wurde allen klar, dass Beethoven völlig taub war ...

Der Erfolg war enorm. Es bedurfte des Eingreifens der Polizei, um den Applaus zu beenden.

Peter Iljitsch Tschaikowsky

Im Genre der Symphonie P.I. Tschaikowsky schuf sechs Werke. Letzte Symphonie – Sechste, h-Moll, Op. 74 – von ihm „Pathetic“ genannt.

Im Februar 1893 entwickelte Tschaikowsky einen Plan für eine neue Symphonie, die zur Sechsten wurde. In einem seiner Briefe sagt er: „Während der Reise kam mir die Idee einer weiteren Symphonie ... mit einem Programm, das jedem ein Rätsel bleiben wird ... Dieses Programm ist sehr von Subjektivität durchdrungen, und Oftmals weine ich sehr, wenn ich während der Reise gedanklich darüber nachdenke.

Die sechste Symphonie wurde vom Komponisten sehr schnell aufgenommen. In nur einer Woche (4.–11. Februar) nahm er den gesamten ersten Teil und die Hälfte des zweiten Teils auf. Dann wurde die Arbeit für einige Zeit durch eine Reise von Klin, wo der Komponist damals lebte, nach Moskau unterbrochen. Nach seiner Rückkehr nach Klin arbeitete er vom 17. bis 24. Februar am dritten Teil. Dann kam es zu einer weiteren Pause, und in der zweiten Märzhälfte vollendete der Komponist das Finale und den zweiten Teil. Die Orchestrierung musste etwas verschoben werden, da Tschaikowsky noch mehrere Reisen geplant hatte. Am 12. August war die Orchestrierung abgeschlossen.

Die Uraufführung der Sechsten Symphonie fand am 16. Oktober 1893 in St. Petersburg unter der Leitung des Autors statt. Tschaikowsky schrieb nach der Uraufführung: „Etwas Seltsames passiert mit dieser Symphonie! Es ist nicht so, dass es mir nicht gefallen hätte, aber es hat für einige Verwirrung gesorgt. Ich selbst bin stolzer darauf als auf jede andere meiner Kompositionen.“ Weitere Ereignisse waren tragisch: Neun Tage nach der Uraufführung der Sinfonie verstarb P. Tschaikowsky plötzlich.

V. Baskin, der Autor der ersten Biographie Tschaikowskys, der sowohl bei der Uraufführung der Symphonie als auch bei ihrer Uraufführung nach dem Tod des Komponisten anwesend war, als E. Napravnik dirigierte (diese Aufführung wurde triumphal), schrieb: „Wir erinnern uns an die Traurige Stimmung herrschte am 6. November im Saal der Adelsversammlung, als die Symphonie „Pathetique“, die bei der Uraufführung unter der Leitung von Tschaikowsky selbst nicht voll gewürdigt wurde, zum zweiten Mal aufgeführt wurde. In dieser Symphonie, die leider zum Abgesang unseres Komponisten wurde, erschien er nicht nur inhaltlich, sondern auch formal neu; statt des Üblichen Allegro oder Presto es beginnt Adagio lamentoso, was den Zuhörer in die traurigste Stimmung zurücklässt. Darin Adagio der Komponist scheint sich vom Leben zu verabschieden; allmählich morendo(italienisch – Verblassen) des gesamten Orchesters erinnerte uns an das berühmte Ende von Hamlet: „ Der Rest schweigt"(Weiter - Stille)."

Wir konnten nur kurz über einige wenige Meisterwerke der symphonischen Musik sprechen und dabei das eigentliche musikalische Gefüge außer Acht lassen, da für ein solches Gespräch der echte Klang der Musik erforderlich ist. Aber schon aus dieser Geschichte wird deutlich, dass die Symphonie als Genre und Sinfonien als Schöpfungen des menschlichen Geistes eine unschätzbare Quelle höchster Freude sind. Die Welt der symphonischen Musik ist riesig und unerschöpflich.

Basierend auf Materialien aus der Zeitschrift „Art“ Nr. 08/2009

Auf dem Plakat: Großer Saal der St. Petersburger Akademischen Philharmonie, benannt nach D. D. Schostakowitsch. Tory Huang (Klavier, USA) und das Philharmonic Academic Symphony Orchestra (2013)