단 하나의 교향곡을 쓴 사람. 음악 장르: 교향곡. 교향곡의 구성 원리

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러시아 작곡가들의 5대 교향곡

음악의 세계에는 독특하고 상징적인 작품이 있으며, 그 소리는 음악적 삶의 연대기를 기록합니다. 이들 작품 중 일부는 예술 분야의 혁명적인 돌파구를 나타내고, 다른 작품은 복잡하고 심오한 개념으로 구별되며, 다른 작품은 창작의 특별한 역사에 놀라며, 4번째 작품은 작곡가의 스타일을 독특하게 표현하고, 5번째 작품은... 너무 아름답습니다. 언급하지 않을 수 없는 음악. 음악 예술의 공로로 그러한 작품이 많이 있는데, 예를 들어 과대 평가하기 어려운 독창성을 지닌 러시아 교향곡 5 곡을 선택해 보겠습니다.

알렉산더 보로딘(Alexander Borodin)의 두 번째(영웅적인) 교향곡(B플랫 단조, 1869-1876)

러시아에서는 19세기 후반에 작곡가들 사이에서 확고한 아이디어가 성숙해졌습니다. 이제 자신만의 러시아 교향곡을 만들 때가 되었습니다. 그 무렵 유럽에서 교향곡은 극장 무대를 떠나 오페라와 별도로 연주되는 오페라 서곡부터 베토벤 교향곡 9 번과 같은 거상에 이르기까지 진화 사슬의 모든 단계를 거쳐 100 주년을 기념했습니다. (1824) 또는 Berlioz의 Symphony Fantastique (1830). 러시아에서는 이 장르의 패션이 인기를 끌지 못했습니다. 그들은 한 번, 두 번 시도했습니다 (Dmitry Bortnyansky - 콘서트 교향곡, 1790; Alexander Alyabyev - E 단조 교향곡, E-플랫 장조) - 그들은 이 아이디어를 포기했습니다. 수십 년 후 Anton Rubinstein, Miliya Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexander Borodin 등의 작품에서 다시 등장합니다.

언급된 작곡가들은 유럽의 풍요로움을 배경으로 러시아 교향곡이 자랑할 수 있는 유일한 것은 국가적 풍미라는 것을 깨닫고 절대적으로 정확하게 판단했습니다. 그리고 보로딘은 이것에 동등하지 않습니다. 그의 음악은 끝없이 펼쳐진 평원, 러시아 기사들의 기량, 아프고 감동적인 음표를 지닌 민요의 성실함을 호흡합니다. 교향곡의 상징은 첫 번째 악장의 주요 주제였으며, 작곡가의 친구이자 멘토인 음악학자인 Vladimir Stasov는 두 가지 이름을 제안했습니다. 첫 번째는 "라이온스"이고 그 다음에는 "Bogatyrskaya"라는 더 적절한 아이디어입니다.

인간의 열정과 경험을 바탕으로 한 동일한 베토벤이나 베를리오즈의 교향곡과는 달리 Bogatyr Symphony는 시간, 역사 및 사람에 대해 이야기합니다. 음악에는 드라마도 없고 뚜렷한 갈등도 없습니다. 마치 부드럽게 변화하는 일련의 그림과 비슷합니다. 그리고 이것은 일반적으로 두 번째 위치에 있는 느린 악장과 (전통적으로 그 뒤를 따르는) 활기찬 스케르초가 장소를 바꾸고 피날레가 일반화된 형태로 첫 번째 아이디어를 반복하는 교향곡의 구조에 근본적으로 반영됩니다. 움직임. 이러한 방식으로 Borodin은 국가 서사시의 음악적 일러스트레이션에서 최대의 대비를 달성했으며 Bogatyrskaya의 구조 모델은 이후 Glazunov, Myaskovsky 및 Prokofiev의 서사시 교향곡의 모델로 사용되었습니다.

표트르 차이코프스키의 여섯 번째(비창) 교향곡(나 단조, 1893)

증거와 해석, 내용을 설명하려는 시도가 너무 많아서 이 작품에 대한 전체 설명이 인용으로 구성될 수 있습니다. 다음은 차이콥스키가 이 교향곡을 헌정한 조카 블라디미르 다비도프에게 보낸 편지 중 하나입니다. “여행 중에 또 다른 교향곡에 대한 아이디어가 생겼습니다. 이번에는 프로그램 1이지만 모두에게 미스터리로 남을 프로그램이었습니다. 이 프로그램은 주관이 가장 많이 묻어나는 프로그램인데, 여행 중에도 종종 심심하게 구성하면서 많이 울었어요.”. 이것은 어떤 종류의 프로그램입니까? 차이코프스키는 자신의 삶을 이 교향곡에서 묘사하자고 제안한 사촌 안나 메르클링(Anna Merkling)에게 이것을 고백합니다. “그래, 네 짐작이 맞았어”, -작곡가를 확인했습니다.

1890년대 초, 회고록을 쓰겠다는 생각이 차이코프스키를 반복적으로 찾아왔습니다. 그의 미완성 교향곡 "Life"의 스케치는 이때까지 거슬러 올라갑니다. 살아남은 초안으로 판단하여 작곡가는 젊음, 활동에 대한 갈증, 사랑, 실망, 죽음과 같은 삶의 특정 추상적 단계를 묘사할 계획이었습니다. 그러나 차이코프스키에게는 객관적인 계획이 충분하지 않아 작업이 중단되었지만 교향곡 6번에서는 전적으로 개인적인 경험을 바탕으로 지도되었습니다. 이렇게 믿을 수 없을 정도로 놀라운 영향력을 지닌 음악이 탄생하려면 작곡가의 영혼이 얼마나 아팠겠습니까!

서정적이고 비극적인 첫 번째 부분과 피날레는 차이코프스키 자신이 이 교향곡을 언급하여 증언했듯이 죽음의 이미지와 불가분의 관계가 있습니다. 콘스탄틴 로마노프 대공이 레퀴엠을 쓰자고 제안한 것에 대한 응답으로 " 그렇기 때문에 밝고 서정적인 인터메조(두 번째 부분의 5박자 왈츠)와 엄숙하고 승리의 스케르초가 그토록 예리하게 인식됩니다. 구성에서 후자의 역할에 대해 많은 논의가 있습니다. 차이코프스키는 피할 수 없는 손실에 직면하여 세상의 영광과 행복의 무익함을 보여 주려고 노력한 것 같습니다. 이를 통해 솔로몬의 위대한 말을 확인했습니다. "모든 것은 지나간다. 이 또한 지나가 리라".

알렉산더 스크리아빈의 교향곡 3번(“신성한 시”)(다단조, 1904)

어두운 가을 저녁에 모스크바에 있는 알렉산더 스크리아빈 하우스 박물관을 방문한다면, 작곡가의 생애 동안 그를 둘러싼 으스스하고 신비한 분위기를 확실히 느낄 것입니다. 거실 테이블 위의 기이한 구조의 색색의 전구들, 책장 문짝의 흐릿한 유리 뒤에는 철학과 신비주의에 관한 통통한 책들, 그리고 마지막으로 평생 죽음을 두려워했던 스크리아빈이 잠들어 있던 금욕주의적인 침실. 패혈증으로 사망, 패혈증으로 사망. 작곡가의 세계관을 완벽하게 보여주는 우울하고 신비로운 곳.

소위 창의성의 중간 시기를 여는 교향곡 3번은 스크리아빈의 생각을 잘 보여줍니다. 이때 스크리아빈은 점차 자신의 철학적 견해를 공식화했는데, 그 본질은 온 세상이 자신의 창의성과 자신의 생각(극단 단계의 유아론)의 결과이며 세계의 창조와 예술의 창조라는 것입니다. 본질적으로 유사한 프로세스입니다. 이러한 과정은 다음과 같이 진행됩니다. 창조적 나른함의 주요 혼돈에서 능동 및 수동(남성과 여성)이라는 두 가지 원칙이 발생합니다. 첫 번째는 신성한 에너지를 전달하고 두 번째는 자연의 아름다움을 지닌 물질 세계를 생성합니다. 이러한 원칙의 상호 작용은 우주적 에로스를 생성하여 정신의 자유로운 승리인 엑스터시로 이어집니다.

위의 모든 내용이 아무리 이상하게 들릴지라도 Scriabin은 세 번째 교향곡이 작성된 창세기 모델을 진심으로 믿었습니다. 첫 번째 부분은 "투쟁"(세계의 최고 통치자와 인간 신에게 복종하는 인간 노예의 투쟁), 두 번째 부분은 "즐거움"(사람이 감각 세계의 기쁨에 굴복하는 것)입니다. , 자연에 용해됨), 그리고 마지막으로 세 번째- "신성한 놀이"( "그의 창조적 의지의 유일한 힘으로 우주를 창조하는 해방 된 정신"은 "자유 활동의 숭고한 기쁨"을 이해합니다)입니다. 그러나 철학은 철학이고, 음악 자체는 경이로워서 심포니 오케스트라의 모든 음색 능력을 드러냅니다.

세르게이 프로코피예프의 첫 번째(고전) 교향곡(D장조, 1916~1917)

올해는 1917년, 어려운 전쟁의 해이자 혁명입니다. 예술은 우울하게 눈살을 찌푸리고 고통스러운 것을 말해야 할 것 같습니다. 그러나 슬픈 생각은 프로코피예프의 음악이 아닙니다. 화창하고 반짝이며 젊고 매력적입니다. 이것이 그의 첫 번째 교향곡이다.

작곡가는 학생 시절에도 비엔나 고전 작품에 관심이 있었습니다. 이제 하이든의 작품이 그의 펜에서 나왔습니다. "하이든이 지금까지 살았다면 그는 자신의 글쓰기 스타일을 유지하는 동시에 새로운 것을 채택했을 것 같았습니다.",-Prokofiev는 그의 아이디어에 대해 논평했습니다.

작곡가는 무거운 금관 악기 없이 비엔나 고전주의 정신으로 다시 겸손한 오케스트라 구성을 선택했습니다. 질감과 편성이 가볍고 투명하며, 작품의 규모가 크지 않고, 구성이 조화롭고 논리적이다. 한마디로 20세기에 잘못 탄생한 고전주의 작품을 연상시킨다. 그러나 예를 들어 스케르초 대신 세 번째 악장에서 그가 가장 좋아하는 가보트 장르(작곡가는 나중에 발레 "로미오와 줄리엣"에서 이 음악 자료를 사용함)와 같은 순수한 프로코피예프 엠블럼과 날카로운 "후추"도 있습니다. ” 조화와 음악적 유머의 심연.

드미트리 쇼스타코비치의 교향곡 7번(레닌그라드)(C장조, 1941)

1942년 7월 2일, 20세의 조종사 리트비노프(Litvinov) 중위는 기적적으로 적의 포위를 뚫고 레닌그라드를 포위하기 위해 약과 D.D. 교향곡 7번 악보가 담긴 통통한 악보 네 권을 가져왔습니다. Shostakovich와 다음날 Leningradskaya Pravda에 짧은 메모가 나타났습니다. “드미트리 쇼스타코비치의 교향곡 7번 악보는 비행기를 통해 레닌그라드로 전달되었습니다. 공개 공연은 필하모닉 그레이트 홀에서 열릴 예정이다.".

음악의 역사가 결코 유사하지 않은 이벤트: 포위된 도시에서 지독하게 지친 음악가들(생존한 모든 사람이 참여함)이 지휘자 칼 엘리아스버그의 지휘 아래 쇼스타코비치의 새로운 교향곡을 연주했습니다. 작곡가가 포위 공격 첫 주에 그와 그의 가족이 Kuibyshev (Samara)로 대피할 때까지 작곡한 것과 동일한 곡입니다. 1942년 8월 9일 레닌그라드 초연 당일, 레닌그라드 필하모닉의 대강당은 반투명한 얼굴을 하고 동시에 우아한 옷을 입은 지친 도시 주민들과 전쟁터에서 곧장 온 군인들로 가득 찼다. 선두. 교향곡은 라디오 스피커를 통해 거리로 방송되었습니다. 그날 저녁, 전 세계는 가만히 서서 음악가들의 전례 없는 위업을 들었습니다.

... 주목할 만하지만, 현재 일반적으로 파시스트 군대가 무심코 움직이고 경로에 있는 모든 것을 파괴하는 모습으로 의인화되는 라벨의 "볼레로" 정신에 따른 유명한 주제는 전쟁이 시작되기 전에도 쇼스타코비치가 썼습니다. 그러나 그것은 소위 "침략 에피소드"를 대신하여 레닌 그라드 교향곡의 첫 번째 부분에 자연스럽게 포함되었습니다. 삶을 긍정하는 결말은 또한 예언적인 것으로 판명되어 오랫동안 기다려온 승리를 예상했지만 여전히 긴 3년 반이 걸렸습니다...

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알렉산더 보로딘의 두 번째(영웅) 교향곡(B-플랫 단조, 1869-1876)

인간의 열정과 경험을 바탕으로 한 동일한 베토벤이나 베를리오즈의 교향곡과는 달리 Bogatyr Symphony는 시간, 역사 및 사람에 대해 이야기합니다. 음악에는 드라마도 없고 뚜렷한 갈등도 없습니다. 마치 부드럽게 변화하는 일련의 그림과 비슷합니다. 그리고 이것은 일반적으로 두 번째 위치에 있는 느린 악장과 (전통적으로 그 뒤를 따르는) 활기찬 스케르초가 장소를 바꾸고 피날레는 일반화된 형태로 첫 번째 아이디어를 반복하는 교향곡의 구조에 근본적으로 반영됩니다. 움직임. 이러한 방식으로 Borodin은 국가 서사시의 음악적 일러스트레이션에서 최대의 대비를 달성했으며 Bogatyrskaya의 구조 모델은 이후 Glazunov, Myaskovsky 및 Prokofiev의 서사시 교향곡의 모델로 사용되었습니다.

I. 알레그로 (00:00)
II. 스케르초: Prestissimo - 트리오: Allegretto (07:50)
III. 안단테 (13:07)
IV. 피날레: 알레그로 (23:42)

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피터 차이코프스키의 여섯 번째(애처로운) 교향곡(B단조, 1893)

증거와 해석, 내용을 설명하려는 시도가 너무 많아서 이 작품에 대한 전체 설명이 인용으로 구성될 수 있습니다. 다음은 차이콥스키가 교향곡을 헌정한 그의 조카 Vladimir Davydov에게 보낸 편지에서 그 중 하나입니다. “여행 중에 나는 또 다른 교향곡에 대한 아이디어를 얻었습니다. 이번에는 프로그램 1이지만 남아있을 프로그램 모두에게 미스터리. 이 프로그램은 주관이 가장 많이 묻어나는 프로그램인데, 여행 중에도 종종 심심하게 구성하면서 많이 울었어요.” 이것은 어떤 종류의 프로그램입니까? 차이코프스키는 자신의 삶을 이 교향곡에서 묘사하자고 제안한 사촌 안나 메르클링(Anna Merkling)에게 이것을 고백합니다. “예, 당신의 추측이 옳았습니다.” 작곡가가 확인했습니다.

서정적이고 비극적인 첫 번째 부분과 피날레는 차이코프스키 자신이 이 교향곡을 언급하여 증언했듯이 죽음의 이미지와 불가분의 관계가 있습니다. 콘스탄틴 로마노프 대공이 레퀴엠을 쓰자고 제안한 것에 대한 응답으로 " 그렇기 때문에 밝고 서정적인 인터메조(두 번째 부분의 5박자 왈츠)와 엄숙하고 승리의 스케르초가 그토록 예리하게 인식됩니다. 구성에서 후자의 역할에 대해 많은 논의가 있습니다. 차이코프스키는 피할 수 없는 손실 앞에서 세상의 영광과 행복의 무익함을 보여 주려고 노력한 것 같습니다. 이를 통해 솔로몬의 위대한 말을 확인했습니다. 이 또한 지나가 리라."

1. 아다지오 - 알레그로 논 트로포 00:00
2. 알레그로 콘 그라치아 18:20
3. 알레그로 몰토 비바체 25:20
4. 피날레. 아다지오 라멘토소 33:44

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알렉산더 스크랴빈의 세 번째 교향곡(“신성한 시”)(C단조, 1904)

어두운 가을 저녁에 모스크바에 있는 알렉산더 스크리아빈 하우스 박물관을 방문한다면, 작곡가의 생애 동안 그를 둘러싼 으스스하고 신비한 분위기를 확실히 느낄 것입니다. 거실 테이블 위의 기이한 구조의 색색의 전구들, 책장 문짝의 흐릿한 유리 뒤에는 철학과 신비주의에 관한 통통한 책들, 그리고 마지막으로 평생 죽음을 두려워했던 스크리아빈이 잠들어 있던 금욕주의적인 침실. 혈액중독으로 패혈증으로 사망. 작곡가의 세계관을 완벽하게 보여주는 우울하고 신비로운 곳.

I. 렌토
II. 루테스
III. 볼뤼프테스
IV. 주디빈

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세르게이 프로코피예프의 첫 번째 (클래식) 교향곡 (D 장조, 1916-1917)

작곡가는 학생 시절에도 비엔나 고전 작품에 관심이 있었습니다. 이제 하이든의 작품이 그의 펜에서 나왔습니다. Prokofiev는 자신의 아이디어에 대해 "하이든이 오늘날까지 살았다면 자신의 글쓰기 스타일을 유지하는 동시에 새로운 것을 채택했을 것 같았습니다."라고 말했습니다.

0:33 1. 알레그로
5:20 II. 라르게토
9:35 III. 가보타(비 트로포 알레그로)
11:17 IV. 피날레(몰토 비바체)

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드미트리 쇼스타코비치의 제7번(레닌그라드) 교향곡(C장조, 1941)

1942년 7월 2일, 20세의 조종사 리트비노프(Litvinov) 중위는 기적적으로 적의 포위를 뚫고 레닌그라드를 포위하기 위해 약과 D.D. 교향곡 7번 악보가 담긴 통통한 악보 네 권을 가져왔습니다. Shostakovich와 다음날 Leningradskaya Pravda에 짧은 메모가 나타났습니다. “Dmitry Shostakovich의 7번 교향곡 악보는 비행기로 레닌그라드에 전달되었습니다. 공개 공연은 필하모닉 그레이트 홀에서 열릴 예정이다.”

... 주목할 만하지만, 현재 일반적으로 파시스트 군대가 무심코 움직이고 경로에 있는 모든 것을 파괴하는 모습으로 의인화되는 라벨의 "볼레로" 정신에 따른 유명한 주제는 전쟁이 시작되기 전에도 쇼스타코비치가 썼습니다. 그러나 그것은 소위 "침략 에피소드"를 대신하여 레닌 그라드 교향곡의 첫 번째 부분에 자연스럽게 포함되었습니다. 삶을 긍정하는 결말도 예언적인 것으로 판명되어 오랫동안 기다려온 승리를 예상했지만 여전히 긴 3년 반이 걸렸습니다...

I. 알레그레토 00:00
II. 모데라토(포코 알레그레토) 26:25
III. 아다지오 37:00
IV. 알레그로 논 트로포 53:40

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강의

교향곡 장르

장르로서의 교향곡 탄생의 역사

장르로서 교향곡의 역사는 약 2세기 반으로 거슬러 올라갑니다.

중세 말 이탈리아에서는 고대 연극을 부활시키려는 시도가 있었습니다. 이것은 완전히 다른 유형의 음악 및 연극 예술인 오페라의 시작을 의미했습니다.
초기 유럽 오페라에서 합창단은 연주자들과 함께 연주하는 솔로 가수처럼 큰 역할을 하지 않았으며, 무대 위의 예술가들에 대한 청중의 시선을 방해하지 않기 위해 오케스트라는 특별한 휴게실에 위치했습니다. 가판대와 무대 사이. 처음에는 이 특별한 장소를 '오케스트라'라고 불렀고, 그다음에는 연주자들을 불렀습니다.

교향곡(그리스 어) - 공명. XVI-XVIII 세기의 기간. 이 개념이 의미하는 바는 "소리의 조화로운 조합", "조화로운 합창 노래" 및 "다성 음악 작품".

« 교향곡"~라고 불리는 오페라 막 사이의 관현악 휴식 시간. « 오케스트라"(고대 그리스어)라고 불렸다 합창단이 원래 있던 극장 무대 앞 지역.

30대와 40대에만 해당됩니다. 18세기에는 교향곡이라 불리는 독립적인 관현악 장르가 형성되었습니다.

새로운 장르였다. 여러 부분(주기)으로 구성된 작품과 작품의 주요 의미를 담고 있는 첫 번째 부분은 확실히 '소나타 형식'에 해당해야 합니다.

심포니 오케스트라의 발상지는 만하임 시입니다. 여기 지역 선거인의 예배당에서 오케스트라가 형성되었으며 그 예술은 오케스트라 창의성과 이후의 교향곡 전체 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.
« 이 특별한 오케스트라는 충분한 공간과 가장자리를 가지고 있습니다.-유명한 음악 역사가 Charles Burney를 썼습니다. 여기에는 이러한 대량의 소리가 생성할 수 있는 효과가 사용되었습니다. "크레센도" "디미누엔도"가 탄생한 곳이며 이전에는 주로 에코로 사용되었으며 일반적으로 동의어였던 "피아노", " 포르테”는 그림의 빨간색이나 파란색처럼 고유한 색조를 갖는 음악적 색상으로 인식되었습니다.

교향곡 장르에서 작업한 최초의 작곡가 중 일부는 다음과 같습니다.

이탈리아어 - Giovanni Sammartini, 프랑스어 - Francois Gossec 및 체코 작곡가 - Jan Stamitz.

그러나 여전히 Joseph Haydn은 클래식 교향곡 장르의 창시자로 간주됩니다. 그는 건반 소나타, 현악 삼중주 및 사중주의 첫 번째 훌륭한 예를 소유하고 있습니다. 교향곡 장르가 탄생하고 형태를 갖추고 최종적으로 고전적인 형태를 취한 것은 하이든의 작품에서였습니다.

I. Haydn과 W. Mozart는 이전에 오케스트라 음악이 풍부했던 모든 최고의 교향곡 창의성을 요약하고 창조했습니다. 동시에 하이든과 모차르트의 교향곡은 새로운 장르에 대한 진정으로 무한한 가능성을 열어주었습니다. 이 작곡가들의 첫 번째 교향곡은 소규모 오케스트라를 위해 디자인되었습니다. 그러나 이후 I. Haydn은 양적으로뿐만 아니라 그의 계획 중 하나 또는 다른 것에 해당하는 악기의 표현적인 사운드 조합을 사용하여 오케스트라를 확장합니다.

이것은 계측 또는 오케스트레이션의 예술입니다.

관현악법- 이것은 작곡가의 음악적 아이디어를 디자인 한 살아있는 창작 행위입니다. 계측은 창의성입니다. 작곡 자체의 영혼의 측면 중 하나입니다.

베토벤의 창의성 기간 동안 마침내 다음과 같은 오케스트라의 클래식 구성이 형성되었습니다.

문자열,

나무 악기의 짝 구성,

2개(때때로 3-4개)의 뿔,

팀파니 2개. 이 구성은 작은.

G. Berlioz와 R. Wagner는 구성을 3~4배 늘려 오케스트라 사운드의 규모를 늘리려고 했습니다.

소련 교향곡의 정점은 S. Prokofiev와 D. Shostakovich의 작품이었습니다.

교향곡...그것은 소설과 이야기, 영화 서사시와 드라마, 그림 같은 프레스코화에 비유됩니다. 의미이 모든 비유는 분명합니다. 이 장르에서는 예술이 존재하는 이유, 사람이 세상에 살아가는 가장 중요한 것, 때로는 가장 중요한 것을 표현할 수 있습니다. - 행복, 빛, 정의, 우정에 대한 열망.

교향곡(Symphony)은 교향악단이 소나타 순환 형식으로 작곡한 곡이다.일반적으로 인간의 삶, 인간의 고통과 기쁨, 열망과 충동에 대한 복잡한 예술적 생각을 표현하는 4부분으로 구성됩니다. 최대 한 악장까지 점점 더 많은 부분으로 구성된 교향곡이 있습니다.

음향 효과를 향상시키기 위해 때로는 교향곡에 다음이 포함됩니다. 합창단과 솔로 보컬.현악, 실내악, 영성 및 기타 오케스트라를 위한 교향곡이 있고 독주 악기, 오르간, 합창단 및 성악 앙상블을 갖춘 오케스트라가 있습니다… 네 부분교향곡은 극적인 투쟁(첫 번째 악장), 유머러스하거나 춤추는 에피소드(미뉴에트 또는 스케르초), 숭고한 묵상(느린 악장), 엄숙하거나 민속춤의 피날레 등 생활 상태의 전형적인 대조를 표현합니다.

교향곡(Symphonic music)은 교향악단이 연주하도록 의도된 음악이다.
오케스트라;기악의 가장 중요하고 풍부한 분야,
복잡한 이데올로기가 풍부한 대규모 여러 부분으로 구성된 작품을 다루고 있습니다.
감성적인 내용, 작은 악곡이 주를 이루는 교향곡은 사랑을 주제로 하고, 적대감을 주제로 한다.

심포니 오케스트라,
다양한 악기를 결합하여 풍부한 팔레트를 제공합니다.
소리의 색상, 표현 수단.

다음 교향곡 작품은 여전히 매우 인기가 높습니다. L. Beethoven Symphony No. 3 (“Eroic”), No. 5, “Egmont” 서곡;

P 차이코프스키 교향곡 4번, 6번, 서곡 “로미오와 줄리엣”, 연주회(포노,

S. 프로코피예프 교향곡 7번

I. 발레 "Petrushka"의 스트라빈스키 단편

J. Gershwin 심포재즈 “랩소디 인 블루”

오케스트라를 위한 음악은 실내악, 오르간, 합창, 오페라 음악 등 다른 유형의 음악 예술과 지속적인 상호 작용을 통해 발전했습니다.

17~18세기의 특징적인 장르: 스위트룸, 콘서트- 앙상블-오케스트라, 서장오페라 샘플. 18세기 스위트룸 유형: 다양화, 세레나데, 야상곡.

교향곡의 강력한 성장은 교향곡의 발전, 순환 소나타 형식으로의 발전, 클래식 유형의 교향악단의 개선과 관련이 있습니다. 그들은 종종 교향곡과 다른 유형의 교향곡을 소개하기 시작했습니다. 합창단과 솔로 보컬. 성악과 관현악 작품, 오페라와 발레의 교향곡 원리가 강화되었습니다. 교향곡의 장르에는 다음이 포함됩니다. 교향곡, 교향곡 변주곡, 판타지, 랩소디, 전설, 카프리치오, 스케르초, 메들리, 행진곡, 각종 댄스, 각종 미니어처 등콘서트 교향악 레퍼토리에는 다음이 포함됩니다. 오페라, 발레, 드라마, 연극, 영화의 개별 오케스트라 단편.

19세기 교향곡. 아이디어와 감정의 거대한 세계를 구현했습니다. 광범위한 사회적 주제, 가장 깊은 경험, 자연 사진, 일상 생활과 환상, 민족적 인물, 공간 예술 이미지, 시, 민속을 반영합니다.

오케스트라에는 다양한 유형이 있습니다.

군악대(금관악기와 목관악기로 구성)

현악 오케스트라:.

심포니 오케스트라는 구성이 가장 크고 역량이 가장 풍부합니다. 오케스트라 음악의 콘서트 연주를 위한 것입니다. 현대적인 형태의 교향악단은 즉시 등장한 것이 아니라 오랜 역사적 과정의 결과로 탄생했습니다.

콘서트 심포니 오케스트라는 오페라 오케스트라와 달리 무대 바로 위에 위치하여 끊임없이 관객의 시야에 들어옵니다.

역사적 전통으로 인해 콘서트와 오페라 심포니 오케스트라는 오랫동안 작곡에 차이를 가져왔지만, 요즘에는 이러한 차이가 거의 사라졌습니다.

심포니 오케스트라의 총 연주자 수는 일정하지 않습니다. 60~120명(또는 그 이상) 사이에서 변동될 수 있습니다. 이러한 대규모 참가자 그룹에는 조화로운 게임을 위한 숙련된 리더십이 필요합니다. 이 역할은 지휘자의 몫입니다.

19세기 초까지 지휘자는 연주 중에 바이올린과 같은 악기를 직접 연주했습니다. 그러나 시간이 지나면서 교향곡의 내용은 더욱 복잡해졌고, 이로 인해 지휘자들은 조금씩 그러한 조합을 포기하게 되었습니다.

교향곡은 기악의 가장 기념비적인 형태이다. 게다가 이 진술은 비엔나 고전 작품, 낭만주의 작품, 후기 악장의 작곡가 등 모든 시대에 적용됩니다.

알렉산더 마이카파르

음악 장르: 교향곡

교향곡이라는 단어는 그리스어 "심포니아"에서 유래되었으며 여러 가지 의미를 가지고 있습니다. 신학자들은 이것을 성경에 나오는 단어 사용에 대한 지침이라고 부릅니다. 이 용어는 계약 및 계약으로 번역됩니다. 음악가들은 이 단어를 자음으로 번역합니다.

이 에세이의 주제는 음악 장르로서의 교향곡이다. 음악적 맥락에서 교향곡이라는 용어에는 여러 가지 다른 의미가 포함되어 있는 것으로 나타났습니다. 따라서 바흐는 자신의 멋진 작품을 클라비어 교향곡이라고 불렀는데, 이는 이 작품이 여러 성부(이 경우 세 개)의 조화로운 조합, 즉 자음의 조합을 나타낸다는 의미입니다. 그러나 이 용어의 사용은 바흐 시대, 즉 18세기 전반에는 이미 예외였습니다. 더욱이 바흐 자신의 작품에서는 완전히 다른 스타일의 음악을 나타냈습니다.

그리고 이제 우리는 우리 에세이의 주요 주제인 대규모 다중 파트 오케스트라 작품으로서의 교향곡에 가까워졌습니다. 이런 의미에서 교향곡은 오페라에 대한 오케스트라 소개가 오페라 자체와 분리되어 이탈리아 유형의 3부 서곡을 기반으로 독립적인 오케스트라 작품으로 전환된 1730년경에 나타났습니다.

서곡과 교향곡의 유사성은 서곡의 세 부분, 즉 빠르게-느리게-빠르게(때로는 느린 소개까지) 각각이 교향곡의 독립적인 별도 부분으로 바뀌었다는 사실에서 나타납니다. 그러나 또한 서곡은 교향곡에 주요 주제(보통 남성적 주제와 여성적 주제)의 대조되는 아이디어를 부여하여 교향곡에 큰 형식의 음악에 필요한 극적인(그리고 드라마적) 긴장감과 음모를 부여했다는 사실에서도 마찬가지입니다.

교향곡의 구성 원리

수많은 음악학 서적과 기사가 교향곡의 형식과 진화에 대한 분석에 전념하고 있습니다. 교향곡 장르로 대표되는 예술적 소재는 그 양과 형태의 다양성 면에서 엄청납니다. 여기서 우리는 가장 일반적인 원칙을 특성화할 수 있습니다.

1. 교향곡은 기악의 가장 기념비적인 형태이다. 더욱이 이 진술은 비엔나 고전 작품, 낭만주의 작품, 후기 악장의 작곡가 등 모든 시대에 적용됩니다. 예를 들어 구스타프 말러의 교향곡 8번(1906)은 거창한 예술적 디자인으로 20세기 초의 생각에 따라 엄청난 규모의 연주자를 위해 작곡되었습니다. 대규모 교향악단이 22개의 목관악기와 17개의 목관악기로 확장되었습니다 금관악기, 악보에는 두 개의 혼성 합창단과 소년 합창단도 포함됩니다. 여기에는 솔리스트 8명(소프라노 3명, 알토 2명, 테너 1명, 바리톤 1명, 베이스 1명)과 백스테이지 오케스트라가 추가됩니다. 종종 "천명의 참가자의 교향곡"이라고 불립니다. 이를 공연하려면 초대형 콘서트홀의 무대도 재건축해야 한다.

2. 교향곡은 다중 악장 작품이기 때문에(예를 들어 베토벤의 "Pastoral" 또는 Berlioz의 "Fantastique"와 같이 3악장, 종종 4악장, 때로는 5악장) 이러한 형식은 극도로 정교해야 한다는 것이 분명합니다. 단조로움과 단조로움을 없애기 위해. (단악장 교향곡은 매우 드물며 N. Myaskovsky의 교향곡 21번이 그 예입니다.)

교향곡에는 항상 많은 음악적 이미지, 아이디어 및 주제가 포함되어 있습니다. 그들은 부분들 사이에 어떤 식 으로든 분포되어 있으며, 한편으로는 서로 대조되고 다른 한편으로는 일종의 더 높은 무결성을 형성하며, 이것이 없으면 교향곡은 단일 작품으로 인식되지 않습니다.

교향곡 악장의 구성에 대한 아이디어를 제공하기 위해 여러 명작에 대한 정보를 제공합니다...

모차르트. 교향곡 41번 '주피터' 다장조
I. 알레그로 비바세
II. 안단테 칸타빌레
III. 메뉴에토. 알레그레토 - 트리오
IV. 몰토 알레그로

베토벤. 교향곡 3번 E플랫 장조 Op. 55 ("영웅")
I. 알레그로 콘 브리오
II. 마르시아 푸네브레: Adagio assai
III. 스케르초: 알레그로 비바체
IV. 피날레: 알레그로 몰토, 포코 안단테

슈베르트. 교향곡 8번 나단조(소위 "미완성")
I. 알레그로 모데라토
II. 안단테 콘 모토

베를리오즈. 환상적인 심포니
I. 꿈. 열정: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. 공 : Valse. 알레그로 논 트로포
III. 들판의 풍경: 아다지오
IV. 처형을 위한 행렬: Allegretto non troppo
V. 안식일 밤의 꿈: 라르게토 - 알레그로 - 알레그로
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

보로딘. 교향곡 2번 "보가티르스카야"
I. 알레그로
II. Scherzo. 프레스티시모
III. 안단테
IV. 종악장. 알레그로

3. 첫 번째 부분은 디자인이 가장 복잡합니다. 클래식 교향곡에서는 일반적으로 소위 소나타 형식으로 작곡됩니다. 알레그로. 이 형식의 특징은 적어도 두 가지 주요 주제가 충돌하고 발전한다는 것입니다. 가장 일반적인 용어로 남성적 표현이라고 할 수 있습니다(이 주제는 일반적으로 메인 파티, 처음으로 작품의 주요 키에서 발생하기 때문에) 및 여성적 원리 (이것은 사이드 파티-관련 주요 키 중 하나에서 소리가납니다). 이 두 가지 주요 주제는 어떻게든 연결되어 있으며, 주요 주제에서 보조 주제로의 전환을 호출합니다. 연결 파티.이 모든 음악 자료의 발표에는 일반적으로 특정한 결론이 있습니다. 마지막 게임.

우리가 주어진 작품에 대한 첫 번째 지식과 이러한 구조적 요소를 즉시 구별할 수 있도록 주의를 기울여 고전 교향곡을 듣는다면, 우리는 첫 번째 악장에서 이러한 주요 주제의 변형을 발견하게 될 것입니다. 소나타 형식의 발전과 함께 일부 작곡가들과 그 중 첫 번째 베토벤은 남성적 성격의 주제에서 여성적 요소를 식별할 수 있었고 그 반대의 경우도 마찬가지였으며 이러한 주제를 개발하는 과정에서 이를 다른 방식으로 "조명"했습니다. 방법. 이것은 아마도 변증법 원리의 가장 눈에 띄는(예술적으로나 논리적으로) 구현일 것입니다.

교향곡의 첫 번째 부분 전체는 3부 형식으로 구성되어 있으며, 먼저 주요 주제가 마치 전시된 것처럼 청취자에게 제시되고(그래서 이 섹션을 제시부라고 함) 전개와 변형을 겪습니다(두 번째 부분). 섹션은 개발임) 궁극적으로 원래 형태 또는 새로운 용량(복제)으로 반환됩니다. 이것은 위대한 작곡가 각자가 자신만의 기여를 한 가장 일반적인 계획입니다. 따라서 우리는 서로 다른 작곡가들 사이뿐만 아니라 동일한 작곡가들 사이에서도 두 개의 동일한 구성을 찾을 수 없습니다. (물론, 위대한 창작자들에 대해서 이야기한다면.)

4. 교향곡의 보통 폭풍 같은 첫 부분 이후에는 한마디로 슬로우 모션으로 흐르는 서정적이고 차분하며 숭고한 음악을 위한 자리가 분명히 있을 것입니다. 처음에는 이것이 교향곡의 두 번째 부분이었고 이것은 다소 엄격한 규칙으로 간주되었습니다. 하이든과 모차르트의 교향곡에서는 느린 악장이 바로 두 번째 악장입니다. 교향곡에 세 악장만 있는 경우(모차르트의 1770년대처럼), 느린 악장은 실제로 중간 악장이 됩니다. 교향곡에 4악장이 있다면 초기 교향곡에서는 느린 악장과 빠른 피날레 사이에 미뉴에트가 배치되었습니다. 나중에 베토벤부터 시작하여 미뉴에트는 빠른 스케르초로 대체되었습니다. 그러나 어느 시점에서 작곡가들은 이 규칙에서 벗어나기로 결정했고 A. Borodin의 "Bogatyr"에서 볼 수 있듯이 느린 악장은 교향곡의 세 번째 악장이 되었고 scherzo는 두 번째 악장이 되었습니다. 교향곡.

5. 클래식 교향곡의 피날레는 종종 민속 정신을 바탕으로 춤과 노래의 특징을 지닌 생동감 넘치는 움직임이 특징입니다. 때때로 교향곡의 피날레는 베토벤 교향곡 9번(Op. 125)에서처럼 합창단과 독창자가 교향곡에 등장하는 것처럼 진정한 신격화로 바뀌기도 합니다. 이것은 교향곡 장르의 혁신이었지만 베토벤 자신을 위한 것은 아니었습니다. 더 일찍 그는 피아노, 합창단, 오케스트라를 위한 환상곡(Op. 80)을 작곡했습니다. 교향곡에는 F. Schiller의 "To Joy"송시가 포함되어 있습니다. 피날레는 이 교향곡에서 매우 지배적이어서 앞선 세 악장이 이 교향곡에 대한 거대한 서문으로 인식됩니다. “Hug, 수백만!”을 외치는 이번 피날레 공연. UN 총회 개막식 – 인류의 윤리적 열망이 가장 잘 표현되었습니다!

교향곡의 위대한 창조자

조셉 하이든

요제프 하이든(Joseph Haydn)은 장수했습니다(1732~1809). 그의 창작 활동의 반세기 기간은 두 가지 중요한 상황, 즉 다성음악 시대를 마감한 J. S. 바흐(1750)의 죽음과 베토벤 교향곡 3번(“에로익”)의 초연으로 요약되었습니다. 낭만주의 시대. 이 50년 동안 미사, 오라토리오, 협주곡 그로소-교향곡, 소나타, 현악4중주 등 새로운 곡으로 대체되었습니다. 이러한 장르로 쓰여진 작품이 이제 들리는 주요 장소는 이전과 같이 교회와 대성당이 아니라 귀족과 귀족의 궁전이었으며 이로 인해 시와 주관적인 표현이라는 음악적 가치의 변화가 발생했습니다. 패션.

이 모든 것에서 하이든은 선구자였습니다. 비록 정확하지는 않지만 종종 그는 "교향곡의 아버지"라고 불립니다. 예를 들어 얀 슈타미츠(Jan Stamitz)와 소위 만하임 학파(18세기 중반의 만하임은 초기 교향곡의 성채)의 다른 대표자들과 같은 일부 작곡가들은 이미 하이든보다 훨씬 일찍 3악장 교향곡을 작곡하기 시작했습니다. 그러나 하이든은 이 형식을 훨씬 더 높은 수준으로 끌어올려 미래로 가는 길을 보여주었습니다. 그의 초기 작품은 C. F. E. 바흐의 영향을 받았고, 후기 작품은 완전히 다른 스타일인 베토벤을 예상합니다.

그가 40세 생일을 맞이하면서 중요한 음악적 의미를 갖는 작곡을 시작했다는 점은 주목할 만하다. 다산성, 다양성, 예측 불가능성, 유머, 독창성 - 이것이 하이든을 동시대 사람들의 수준보다 뛰어넘게 만드는 이유입니다.

하이든의 교향곡 중 상당수는 제목을 받았습니다. 몇 가지 예를 들어보겠습니다.

A. Abakumov. 하이든(1997) 연주

유명한 교향곡 45번은 "Farewell"(또는 "촛불의 교향곡")이라고 불렸습니다. 교향곡 피날레의 마지막 페이지에서 연주자들은 차례로 연주를 멈추고 두 대의 바이올린만 남기고 무대를 떠나며, 질문 화음이 있는 교향곡 라 - F 샤프. Haydn 자신은 교향곡의 기원에 대한 반 유머러스 한 버전을 말했습니다. Nikolai Esterhazy 왕자는 오랫동안 오케스트라 멤버들이 가족이 살았던 Eisenstadt로 Eszterhazy를 떠나는 것을 허용하지 않았습니다. 부하들을 돕기 위해 하이든은 왕자에게 보내는 미묘한 힌트의 형태로 "작별 인사" 교향곡의 결론을 작곡했습니다. 이는 음악적 이미지로 표현된 휴가 요청입니다. 그 힌트를 이해한 왕자는 적절한 명령을 내렸습니다.

낭만주의 시대에 이르러 교향곡의 해학적 성격은 망각되고, 비극적인 의미를 부여받기 시작했다. 슈만은 1838년에 교향곡이 끝나는 동안 음악가들이 촛불을 끄고 무대를 떠나는 것에 대해 다음과 같이 썼습니다. "그리고 웃을 시간이 없었기 때문에 아무도 동시에 웃지 않았습니다."

교향곡 94번 "팀파니 스트라이크 또는 서프라이즈"는 느린 악장의 유머러스한 효과로 인해 그 이름을 얻었습니다. 날카로운 팀파니 스트라이크로 평화로운 분위기가 깨졌습니다. 96번 '기적'은 우연한 계기로 그렇게 불리기 시작했다. 하이든이 이 교향곡을 지휘하기로 한 콘서트에서 청중은 그의 등장으로 홀 중앙에서 텅 빈 첫 줄로 달려갔고 중앙은 텅 비어 있었다. 그 순간, 홀 중앙의 샹들리에가 무너졌고, 청취자 2명만이 가벼운 부상을 입었습니다. 홀에서는 “기적입니다!”라는 외침이 들렸습니다. 기적!" 하이든 자신은 많은 사람들을 비자발적으로 구원한 것에 깊은 인상을 받았습니다.

반대로 교향곡 100번 "군대"의 이름은 전혀 우연이 아닙니다. 군사 신호와 리듬이 포함된 극단 부분은 캠프의 음악적 그림을 명확하게 그려줍니다. 심지어 여기의 미뉴에트(3악장)도 다소 대담한 "군대" 유형입니다. 심포니 악보에 터키 타악기가 포함된 것은 런던 음악 애호가들을 기쁘게 했습니다(모차르트의 "터키 행진곡" 참조).

104번 "살로몬(Salomon)": 하이든을 위해 많은 일을 한 흥행가 존 피터 살로몬(John Peter Salomon)에게 바치는 헌사 아닌가요? 사실, 살로몬 자신은 하이든 덕분에 너무 유명해져서 그의 묘비에 표시된 대로 "하이든을 런던으로 데려온 공로"로 웨스트민스터 사원에 묻혔습니다. 그러므로 이 교향곡은 "함께"라고 불러야 한다. ㅏ콘서트 프로그램에서 가끔 발견되는 "솔로몬"이 아닌 "로몬"은 청취자들을 성경에 나오는 왕으로 잘못 안내합니다.

볼프강 아마데우스 모짜르트

모차르트는 여덟 살에 첫 교향곡을 썼고, 서른두 살에 마지막 교향곡을 썼습니다. 그 총수는 50명이 넘지만 몇몇 젊은 것들은 살아남지 못했거나 아직 발견되지 않았습니다.

모차르트의 가장 위대한 전문가인 알프레드 아인슈타인의 조언을 받아들여 이 숫자를 베토벤의 9개 교향곡이나 브람스의 4개 교향곡과 비교해 보면, 이 작곡가들에게는 교향곡 장르의 개념이 다르다는 것이 즉시 분명해질 것입니다. 그러나 베토벤의 교향곡과 마찬가지로 특정 이상적인 청중, 즉 모든 인류를 대상으로 하는 모차르트의 교향곡을 꼽는다면( 후마니타스), 모차르트도 그러한 교향곡을 10개 이하로 썼다는 것이 밝혀졌습니다(아인슈타인 자신은 "4 또는 5"에 대해 말합니다!). "프라하"와 1788년 교향곡 3화음(No. 39, 40, 41)은 세계 교향곡의 보고에 놀라운 공헌을 했습니다.

마지막 세 교향곡 중 가운데 교향곡 40번이 가장 잘 알려져 있습니다. "작은 밤의 세레나데"와 오페라 "피가로의 결혼" 서곡만이 인기 면에서 경쟁할 수 있습니다. 인기의 이유는 항상 파악하기 어렵지만, 이 경우 그 중 하나는 톤 선택일 수 있습니다. 이 교향곡은 G단조로 작곡되었는데, 이는 명랑하고 즐거운 장조를 선호했던 모차르트에게는 보기 드문 일입니다. 41개의 교향곡 중 단 2곡만이 단조로 작곡되었습니다(이것은 모차르트가 장조 교향곡에서 단조 음악을 쓰지 않았다는 의미는 아닙니다).

그의 피아노 협주곡도 비슷한 통계를 가지고 있습니다. 27개 중 단 2개만이 단조를 가지고 있습니다. 이 교향곡이 만들어졌던 암울한 시절을 고려하면, 조성의 선택이 미리 정해져 있었던 것처럼 보일 수도 있습니다. 그러나 이 창조에는 한 사람의 일상적인 슬픔보다 더 많은 것이 있습니다. 우리는 그 시대에 독일과 오스트리아 작곡가들이 "Sturm and Drang"이라고 불리는 문학 미적 운동의 아이디어와 이미지에 점점 더 빠져들게 되었다는 사실을 기억해야 합니다.

이 새로운 운동의 이름은 F. M. Klinger의 드라마 "Sturm and Drang"(1776)에서 따왔습니다. 엄청나게 열정적이고 종종 일관성이 없는 영웅들이 등장하는 수많은 드라마가 등장했습니다. 작곡가들은 또한 열정의 극적인 강도, 영웅적인 투쟁, 종종 실현 불가능한 이상에 대한 갈망을 소리로 표현한다는 아이디어에 매료되었습니다. 이런 분위기 속에서 모차르트도 단조로 방향을 바꾼 것은 놀라운 일이 아니다.

자신의 교향곡이 에스테라지 왕자 앞에서 또는 "런던 교향곡"처럼 런던 대중 앞에서 연주될 것이라고 항상 확신했던 하이든과 달리 모차르트는 그런 보장을 받은 적이 없었고, 그럼에도 불구하고 그는 놀랍도록 다작이다. 그의 초기 교향곡이 종종 재미있거나 지금 우리가 말하는 것처럼 "가벼운" 음악이라면, 그의 후기 교향곡은 모든 교향곡 콘서트의 "프로그램의 하이라이트"입니다.

루트비히 판 베토벤

베토벤은 9개의 교향곡을 작곡했습니다. 아마도 이 유산에 기록된 것보다 그들에 대해 쓰여진 책이 더 많을 것입니다. 그의 가장 위대한 교향곡은 3번(E-플랫 장조, "Eroica"), 5번(C단조), 6번(F장조, "전원"), 9번(D단조)입니다.

...1824년 5월 7일 비엔나. 9번 교향곡 초연. 남아있는 문서는 그때 무슨 일이 일어났는지 증언하고 있다. 다가오는 초연 발표는 주목할 만했습니다. “Ludwig van Beethoven 씨가 조직하는 Great Academy of Music이 내일 5월 7일에 열릴 예정입니다.<...>독주자로는 Ms. Sontag와 Ms. Unger, Messrs. Heitzinger와 Seipelt가 있습니다. 오케스트라의 악장은 Mr. Schuppanzig이고, 지휘자는 Mr. Umlauf입니다.<...>루트비히 판 베토벤 씨가 직접 콘서트 연출에 참여할 예정이다.”

이 방향은 결국 베토벤이 직접 교향곡을 지휘하는 결과를 가져왔습니다. 그런데 어떻게 이런 일이 일어날 수 있었습니까? 결국, 그 당시 베토벤은 이미 귀머거리였습니다. 목격자 이야기를 살펴 보겠습니다.

그 역사적인 콘서트에 참여한 오케스트라의 바이올리니스트 요제프 뵘(Joseph Böhm)은 이렇게 썼습니다. “베토벤은 직접 지휘했다기보다는 지휘석 앞에 서서 미친 듯이 몸짓을 했습니다.” -처음에는 위로 뻗은 다음 거의 쪼그리고 앉아 팔을 흔들고 발을 구르며 마치 모든 악기를 동시에 연주하고 합창단 전체를 위해 노래하고 싶은 듯했습니다. 사실 움라우프가 모든 것을 담당했고, 우리 음악가들은 그의 지휘봉만 맡았다. 베토벤은 너무 흥분해서 주변에서 무슨 일이 일어나고 있는지 전혀 알지 못했고 청각 장애로 인해 거의 의식에 도달하지 못한 폭풍우 박수에주의를 기울이지 않았습니다. 각 곡이 끝날 때마다 그들은 그에게 언제 돌아서야 하는지 정확히 말해야 했고 박수에 대해 청중에게 감사를 표해야 했는데, 그는 매우 어색하게 그 일을 했습니다.”

교향곡이 끝날 무렵 이미 박수 소리가 천둥처럼 울릴 때 Caroline Unger는 베토벤에게 다가가 부드럽게 손을 멈췄습니다. 그는 연주가 끝났다는 사실을 깨닫지 못한 채 여전히 지휘를 계속했습니다! -그리고 홀을 향해 돌아섰습니다. 그러다가 베토벤이 완전히 귀머거리라는 사실이 모든 사람에게 명백해졌습니다.

성공은 엄청났습니다. 박수를 끝내기 위해 경찰의 개입이 필요했습니다.

피터 일리치 차이코프스키

교향곡 P.I. 차이코프스키는 6개의 작품을 만들었습니다. 마지막 교향곡 - 여섯 번째, B단조, Op. 74 - 그는 "Pathetic"이라고 불렀습니다.

1893년 2월, 차이코프스키는 새로운 교향곡 6번을 위한 계획을 세웠습니다. 그의 편지 중 하나에서 그는 다음과 같이 말합니다. “여행 중에 나는 또 다른 교향곡에 대한 아이디어를 얻었습니다... 모든 사람에게 미스터리로 남을 프로그램... 이 프로그램은 주관성이 매우 뛰어납니다. 여행하는 동안 종종 마음속으로 생각하면서 몹시 울었습니다."

여섯 번째 교향곡은 작곡가에 의해 매우 빠르게 녹음되었습니다. 단 일주일(2월 4~11일) 만에 전반부 전체와 후반부 절반을 녹음했다. 그런 다음 작곡가가 살았던 Klin에서 모스크바로 여행하여 작업이 한동안 중단되었습니다. 클린으로 돌아와 2월 17일부터 24일까지 세 번째 부분을 작업했다. 그러다 또 한 번의 휴식기가 있었고, 3월 후반에 작곡가는 피날레와 2부를 완성했다. 차이코프스키는 몇 차례의 여행을 더 계획했기 때문에 오케스트레이션은 다소 연기되어야 했습니다. 8월 12일 오케스트레이션이 완료되었습니다.

교향곡 6번의 초연은 1893년 10월 16일 상트페테르부르크에서 저자의 지휘로 이루어졌습니다. 차이콥스키는 초연 후 이렇게 썼습니다. “이 교향곡에서 뭔가 이상한 일이 일어나고 있습니다! 마음에 들지 않은 것은 아니지만 혼란을 야기했습니다. 나는 내 다른 어떤 구성보다 그것이 더 자랑스럽습니다.” 추가 사건은 비극적이었습니다. 교향곡 초연 9일 후 P. 차이코프스키가 갑자기 사망했습니다.

E. Napravnik이 지휘했을 때(이 연주가 승리했을 때) 교향곡 초연과 작곡가 사망 후 첫 공연에 모두 참석했던 차이코프스키의 첫 번째 전기의 저자인 V. Baskin은 다음과 같이 썼습니다. 귀족회의 홀을 지배한 슬픈 분위기 11월 6일, 차이코프스키 지휘의 초연에서 충분히 감상되지 않았던 교향곡 <비창>이 두 번째로 연주되었을 때. 안타깝게도 우리 작곡가의 백조가가 된 이 교향곡에서 그는 내용뿐 아니라 형식에서도 새로운 모습을 보였습니다. 평소보다 알레그로또는 프레스토 악장시작이다 아다지오 라멘토소, 청취자를 가장 슬픈 기분으로 남겨 둡니다. 그 안에 느린 악장작곡가는 인생에 작별 인사를 하는 것 같다. 점진적인 모렌도전체 오케스트라의 (이탈리아어 - 페이딩)은 우리에게 햄릿의 유명한 결말을 상기시켰습니다. 나머지는 침묵"(추가 - 침묵)."

우리는 교향곡의 몇 가지 걸작에 대해서만 간략하게 이야기할 수 있었으며, 게다가 실제 음악 구조는 제쳐두고 이러한 대화에는 음악의 실제 사운드가 필요하기 때문입니다. 그러나이 이야기에서도 장르로서의 교향곡과 인간 정신의 창조물로서의 교향곡이 최고의 즐거움의 귀중한 원천이라는 것이 분명해졌습니다. 교향악의 세계는 거대하고 무궁무진합니다.

잡지 "Art" No. 08/2009의 자료를 바탕으로 함

포스터: D. D. 쇼스타코비치의 이름을 딴 상트페테르부르크 아카데미 필하모닉 그레이트 홀. Tory Huang(피아노, 미국)과 Philharmonic Academic Symphony Orchestra(2013)