که فقط یک سمفونی نوشت. ژانرهای موسیقی: سمفونی. اصول سازنده سمفونی

انتشارات در بخش موسیقی

پنج سمفونی بزرگ آهنگسازان روسی

در دنیای موسیقی، آثار بی نظیر و نمادینی وجود دارد که صداهای آن ها وقایع زندگی موسیقایی را می نویسند. برخی از این آثار نشان‌دهنده یک پیشرفت انقلابی در هنر هستند، برخی دیگر با مفهومی پیچیده و عمیق متمایز می‌شوند، برخی دیگر با تاریخ خارق‌العاده خلقت خود شگفت‌زده می‌شوند، چهارمی‌ها نمایشی بی‌نظیر از سبک آهنگساز هستند، و پنجمی‌ها بسیار زیبا هستند. موسیقی هایی که نمی توان به آنها اشاره نکرد. به اعتبار هنر موسیقی، چنین آثار زیادی وجود دارد، و به عنوان مثال، اجازه دهید در مورد پنج سمفونی منتخب روسی صحبت کنیم که منحصر به فرد بودن آنها دشوار است.

سمفونی دوم (قهرمانی) اثر الکساندر بورودین (بی فلت مینور، 1869-1876)

در روسیه، در نیمه دوم قرن نوزدهم، یک ایده ثابت در میان آهنگسازان به بلوغ رسیده بود: زمان آن رسیده بود که سمفونی روسی خود را ایجاد کنند. در آن زمان، در اروپا، سمفونی با گذراندن تمام مراحل زنجیره تکاملی خود، صدمین سالگرد خود را جشن گرفت: از اورتور اپرا، که صحنه تئاتر را ترک کرد و جدا از اپرا اجرا شد، تا آثار عظیمی مانند سمفونی شماره 9 بتهوون. (1824) یا سمفونی فانتزی برلیوز (1830). در روسیه، مد این ژانر مورد توجه قرار نگرفت: آنها یک بار، دو بار آن را امتحان کردند (دیمیتری بورتنیانسکی - سمفونی کنسرت، 1790؛ الکساندر آلیابیف - سمفونی در مینور، ماژور الکترونیکی) - و آنها این ایده را رها کردند تا بتوانند دهه‌ها بعد در آثار آنتون روبینشتاین، میلیا بالاکیرف، نیکولای ریمسکی-کورساکوف، الکساندر بورودین و دیگران به آن بازگشت.

آهنگسازان مذکور کاملاً درست قضاوت کردند و متوجه شدند که تنها چیزی که یک سمفونی روسی در پس زمینه فراوانی اروپایی می تواند به آن ببالد، طعم ملی آن است. و بورودین در این مورد برابری ندارد. موسیقی او از وسعت دشت های بی پایان، شجاعت شوالیه های روسی، صداقت ترانه های محلی با نت های دردناک و تأثیرگذار آنها تنفس می کند. نماد این سمفونی موضوع اصلی موومان اول بود که با شنیدن آن دوست آهنگساز و مربی موسیقی شناس ولادیمیر استاسوف دو نام را پیشنهاد کرد: اول "شیر زن" و سپس ایده مناسب تر: "Bogatyrskaya".

بر خلاف آثار سمفونیک همان بتهوون یا برلیوز، بر اساس احساسات و تجربیات انسانی، سمفونی بوگاتیر از زمان، تاریخ و مردم می گوید. هیچ درام در موسیقی وجود ندارد، هیچ تضاد آشکاری وجود ندارد: شبیه مجموعه‌ای از نقاشی‌های آرام در حال تغییر است. و این اساساً در ساختار سمفونی منعکس شده است، جایی که حرکت آهسته، معمولاً در رتبه دوم، و اسکرزوی پر جنب و جوش (به طور سنتی پس از آن) جای خود را تغییر می دهند، و فینال، به شکل کلی، ایده های اول را تکرار می کند. جنبش. بورودین به این ترتیب توانست به حداکثر کنتراست در تصویرسازی موسیقایی حماسه ملی دست یابد و مدل ساختاری بوگاتیرسکایا متعاقباً به عنوان الگویی برای سمفونی های حماسی گلازونوف، میاسکوفسکی و پروکوفیف عمل کرد.

سمفونی ششم پیوتر چایکوفسکی (بی مینور، 1893)

شواهد، تفسیر و تلاش برای توضیح محتوای آن بسیار زیاد است که کل شرح این اثر می‌تواند شامل نقل قول باشد. در اینجا یکی از آنها، از نامه چایکوفسکی به برادرزاده اش ولادیمیر داویدوف، که سمفونی به او تقدیم شده است: «در طول سفر، ایده یک سمفونی دیگر را داشتم، این بار برنامه‌ای، اما با برنامه‌ای که برای همه یک راز باقی می‌ماند. این برنامه بیشتر از همه با ذهنیت آغشته است و اغلب در سفرهایم با ساختن ذهنی آن، گریه زیادی می‌کردم.». این چه نوع برنامه ای است؟ چایکوفسکی این را به پسر عمویش آنا مرکلینگ اعتراف می کند که پیشنهاد کرد زندگی خود را در این سمفونی شرح دهد. "بله درست حدس زدی"، - آهنگساز تایید کرد.

در اوایل دهه 1890، فکر نوشتن خاطرات بارها به سراغ چایکوفسکی رفت. طرح هایی برای سمفونی ناتمام او به نام «زندگی» به این زمان برمی گردد. با قضاوت بر اساس پیش نویس های باقی مانده، آهنگساز برنامه ریزی کرد تا مراحل انتزاعی خاصی از زندگی را به تصویر بکشد: جوانی، عطش فعالیت، عشق، ناامیدی، مرگ. با این حال، طرح عینی برای چایکوفسکی کافی نبود و کار قطع شد، اما در سمفونی ششم او منحصراً توسط تجربیات شخصی هدایت شد. چقدر روح آهنگساز باید بیمار بوده باشد که موسیقی با چنین قدرت تأثیر باورنکردنی و شگفت انگیزی متولد شود!

بخش اول غنایی-تراژیک و پایان آن با تصویر مرگ پیوند ناگسستنی دارد (در توسعه قسمت اول به مضمون سرود معنوی "آرامش با مقدسین" اشاره شده است) همانطور که خود چایکوفسکی با اشاره به این سمفونی شهادت داد. در پاسخ به پیشنهاد دوک بزرگ کنستانتین رومانوف برای نوشتن "رکوئیم" به همین دلیل است که اینترمزوی غنایی روشن (والس پنج ضربی در قسمت دوم) و اسکرزوی موقر و پیروزمندانه به شدت درک می شوند. بحث های زیادی در مورد نقش دومی در ترکیب وجود دارد. به نظر می رسد که چایکوفسکی در صدد نشان دادن بیهودگی شکوه و سعادت زمینی در برابر فقدان اجتناب ناپذیر بوده و از این طریق سخن بزرگ سلیمان را تأیید می کند: "همه چیز می گذرد. این هم میگذره".

سمفونی سوم («شعر الهی») اثر الکساندر اسکریابین (سی مینور، 1904)

اگر در یک غروب تاریک پاییزی از خانه-موزه الکساندر اسکریابین در مسکو دیدن کنید، مطمئناً فضای وهم آلود و مرموزی را که در طول زندگی آهنگساز احاطه کرده بود، احساس خواهید کرد. ساختار عجیبی از لامپ های رنگی روی میز اتاق نشیمن، حجم های پر از فلسفه و غیبت پشت شیشه ابری در قفسه کتاب، و در نهایت، اتاق خوابی با ظاهر زاهدانه، جایی که اسکریابین، که تمام عمر از مرگ می ترسید. در اثر مسمومیت خون، بر اثر سپسیس درگذشت. مکانی تاریک و اسرارآمیز که جهان بینی آهنگساز را به خوبی نشان می دهد.

کمتر نشان دهنده تفکر اسکریابین، سمفونی سوم اوست که به اصطلاح دوره میانی خلاقیت را باز می کند. در این زمان، اسکریابین به تدریج دیدگاه های فلسفی خود را تدوین کرد که ماهیت آن این است که کل جهان نتیجه خلاقیت و افکار خود شخص است (سولیسیسم در مرحله افراطی خود) و آفرینش جهان و آفرینش هنر. اساساً فرآیندهای مشابهی هستند. این فرآیندها به این صورت پیش می روند: از هرج و مرج اولیه کسالت خلاق، دو اصل به وجود می آید - فعال و منفعل (مرد و زن). اولی حامل انرژی الهی است، دومی جهان مادی را با زیبایی های طبیعی خود به وجود می آورد. تعامل این اصول اروس کیهانی را ایجاد می کند که منجر به خلسه می شود - پیروزی آزاد روح.

مهم نیست که همه موارد فوق چقدر عجیب به نظر می رسد، اسکریابین صادقانه به این مدل از پیدایش اعتقاد داشت که بر اساس آن سمفونی سوم نوشته شد. بخش اول آن "مبارزه" (مبارزه مرد-برده، تسلیم فرمانروای عالی جهان و انسان-خدا) نام دارد، بخش دوم - "لذت ها" (شخصی تسلیم شادی های دنیای حسی است. ، در طبیعت حل می شود) و در نهایت سوم - "بازی الهی" (روح آزاد شده ، "که جهان را تنها با قدرت اراده خلاق خود می آفریند" ، "لذت عالی فعالیت آزاد" را درک می کند). اما فلسفه فلسفه است و خود موسیقی شگفت‌انگیز است و تمام قابلیت‌های صدای یک ارکستر سمفونیک را آشکار می‌کند.

اولین سمفونی (کلاسیک) سرگئی پروکوفیف (د ماژور، 1916-1917)

سال 1917، سال های سخت جنگ، انقلاب است. به نظر می رسد هنر باید غمگینانه اخم کند و از چیزهای دردناک بگوید. اما افکار غم انگیز برای موسیقی پروکوفیف نیست - آفتابی، درخشان، جذاب جوان. این اولین سمفونی اوست.

این آهنگساز حتی در دوران دانشجویی به آثار کلاسیک وینی علاقه مند بود. حالا یک اثر لا هایدن از قلم او آمده است. به نظرم می‌رسید که اگر هایدن تا امروز زندگی می‌کرد، سبک نوشتن خود را حفظ می‌کرد و در عین حال چیز جدیدی را اتخاذ می‌کرد.»، - پروکوفیف در مورد ذهن خود اظهار نظر کرد.

آهنگساز یک ترکیب متوسط از ارکستر را انتخاب کرد، دوباره با روح کلاسیک وین - بدون برنج سنگین. بافت و ارکستراسیون سبک و شفاف است، مقیاس کار زیاد نیست، ترکیب بندی هماهنگ و منطقی است. در یک کلام، بسیار یادآور آثار کلاسیک گرایی است که به اشتباه در قرن بیستم متولد شده است. با این حال ، نمادهای کاملاً پروکوفیف نیز وجود دارد ، به عنوان مثال ، ژانر مورد علاقه او گاووت در موومان سوم به جای اسکرزو (آهنگساز بعداً از این ماده موسیقی در باله "رومئو و ژولیت" استفاده کرد) و همچنین یک "فلفل" تند. ” هارمونی و ورطه ای از طنز موسیقی.

سمفونی هفتم (لنینگراد) اثر دیمیتری شوستاکوویچ (سی ماژور، 1941)

در 2 ژوئیه 1942، یک خلبان بیست ساله، ستوان لیتوینوف، به طور معجزه آسایی از محاصره دشمن شکست و موفق شد دارو و چهار کتاب موسیقی چاق و چاق با آهنگ سمفونی هفتم D.D. را به محاصره لنینگراد بیاورد. شوستاکوویچ، و روز بعد یادداشت کوتاهی در لنینگرادسکایا پراودا ظاهر شد: «پارتیتور سمفونی هفتم دیمیتری شوستاکوویچ با هواپیما به لنینگراد تحویل داده شد. اجرای عمومی آن در سالن بزرگ فیلارمونیک برگزار می شود..

رویدادی که تاریخ موسیقی هرگز مشابه آن را نمی شناسد: در یک شهر محاصره شده، نوازندگان بسیار خسته (همه کسانی که جان سالم به در برده بودند) تحت رهبری رهبر ارکستر کارل الیاسبرگ، سمفونی جدید شوستاکوویچ را اجرا کردند. همان آهنگی که آهنگساز در هفته های اول محاصره ساخت، تا اینکه او و خانواده اش به کویبیشف (سامارا) تخلیه شدند. در روز نمایش لنینگراد، 9 اوت 1942، سالن بزرگ فیلارمونیک لنینگراد پر شد از ساکنان شهر خسته با چهره‌های شفاف، اما در عین حال با لباس‌های زیبا، و پرسنل نظامی که مستقیماً از دانشگاه آمده بودند. خط مقدم این سمفونی از طریق بلندگوهای رادیو به خیابان ها پخش شد. آن شب، تمام دنیا ایستادند و به شاهکار بی‌سابقه نوازندگان گوش دادند.

قابل توجه است، اما موضوع معروف در روح "بولرو" راول، که اکنون معمولاً با ارتش فاشیستی که بدون فکر در حال حرکت و نابود کردن همه چیز در مسیر خود است، توسط شوستاکوویچ حتی قبل از شروع جنگ نوشته شده است. با این حال، به طور طبیعی در قسمت اول سمفونی لنینگراد گنجانده شد و جای به اصطلاح "قسمت تهاجم" را گرفت. پایان تأیید کننده زندگی نیز نبوی بود و پیروزی آرزویی را پیش بینی می کرد که هنوز سه سال و نیم طولانی از آن جدا بود ...

در دنیای موسیقی، آثار بی نظیر و نمادینی وجود دارد که صداهای آن ها وقایع زندگی موسیقایی را می نویسند. برخی از این آثار نمایانگر یک پیشرفت انقلابی در هنر هستند، برخی دیگر با مفهومی پیچیده و عمیق متمایز می شوند، برخی دیگر با تاریخ خارق العاده خلقت خود شگفت زده می شوند، چهارمی ها ارائه بی نظیری از سبک آهنگساز هستند و پنجمی ها بسیار زیبا هستند. موسیقی هایی که نمی توان به آنها اشاره نکرد. به اعتبار هنر موسیقی، چنین آثار زیادی وجود دارد، و به عنوان مثال، اجازه دهید در مورد پنج سمفونی منتخب روسی صحبت کنیم که منحصر به فرد بودن آنها دشوار است.

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی دوم (قهرمانانه) اثر الکساندر بورودین (B-FLAT MINOR، 1869–1876)

بر خلاف آثار سمفونیک همان بتهوون یا برلیوز، بر اساس احساسات و تجربیات انسانی، سمفونی بوگاتیر از زمان، تاریخ و مردم می گوید. هیچ درام در موسیقی وجود ندارد، هیچ تضاد آشکاری وجود ندارد: شبیه مجموعه‌ای از نقاشی‌های آرام در حال تغییر است. و این اساساً در ساختار سمفونی منعکس شده است، جایی که حرکت آهسته، معمولاً در رتبه دوم، و اسکرزوی پر جنب و جوش (به طور سنتی پس از آن) جای خود را تغییر می دهند، و پایان، به شکل کلی، ایده های اول را تکرار می کند. جنبش. بورودین به این ترتیب توانست به حداکثر کنتراست در تصویرسازی موسیقایی حماسه ملی دست یابد و مدل ساختاری بوگاتیرسکایا متعاقباً به عنوان الگویی برای سمفونی های حماسی گلازونوف، میاسکوفسکی و پروکوفیف عمل کرد.

آی. آلگرو (00:00)
II. Scherzo: Prestissimo - Trio: Allegretto (07:50)
III. آندانته (13:07)
IV. فینال: آلگرو (23:42)

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی ششم (غم انگیز) پیتر چایکوفسکی (بی مینور، 1893)

شواهد، تفسیر و تلاش برای توضیح محتوای آن بسیار زیاد است که کل شرح این اثر می‌تواند شامل نقل قول باشد. در اینجا یکی از آنها، از نامه چایکوفسکی به برادرزاده اش ولادیمیر داویدوف، که این سمفونی به او تقدیم شده است، آمده است: «در طول سفر، ایده سمفونی دیگری را داشتم، این بار برنامه ای، اما با برنامه ای که باقی می ماند. یک راز برای همه این برنامه بیشتر از همه با ذهنیت آغشته است و اغلب در سفرهایم با ساختن ذهنی آن، گریه زیادی می‌کردم.» این چه نوع برنامه ای است؟ چایکوفسکی این را به پسر عمویش آنا مرکلینگ اعتراف می کند که پیشنهاد کرد زندگی خود را در این سمفونی شرح دهد. آهنگساز تایید کرد: "بله، درست حدس زدی."

بخش اول غنایی-تراژیک و پایان آن با تصویر مرگ پیوند ناگسستنی دارد (در توسعه قسمت اول به مضمون سرود معنوی "آرامش با مقدسین" اشاره شده است) همانطور که خود چایکوفسکی با اشاره به این سمفونی شهادت داد. در پاسخ به پیشنهاد دوک بزرگ کنستانتین رومانوف برای نوشتن "رکوئیم" به همین دلیل است که اینترمزوی غنایی روشن (والس پنج ضربی در قسمت دوم) و اسکرزوی موقر و پیروزمندانه به شدت درک می شوند. بحث های زیادی در مورد نقش دومی در ترکیب وجود دارد. به نظر می رسد که چایکوفسکی تلاش می کرد بیهودگی شکوه و شادی زمینی را در برابر فقدان اجتناب ناپذیر نشان دهد و از این طریق سخن بزرگ سلیمان را تأیید کند: «همه چیز می گذرد. این نیز خواهد گذشت.»

1. Adagio - Allegro non troppo 00:00
2. Allegro con grazia 18:20
3. Allegro molto vivace 25:20
4. فینال. Adagio lamentoso 33:44

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی سوم ("شعر الهی") اثر الکساندر اسکریابین (C مینور، 1904)

I. لنتو
II. لوتس
III. Voluptes
IV. جو دیوین

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی اول (کلاسیک) اثر سرگئی پروکوفیف (دی ماژور، 1916–1917)

این آهنگساز حتی در دوران دانشجویی به آثار کلاسیک وینی علاقه مند بود. حالا یک اثر لا هایدن از قلم او آمده است. پروکوفیف در مورد ذهنیت خود اظهار داشت: "به نظرم می رسید که اگر هایدن تا امروز زندگی می کرد، سبک نویسندگی خود را حفظ می کرد و در عین حال چیز جدیدی را اتخاذ می کرد."

0:33 آی. آلگرو
5:20 II. لارگتو
9:35 III. گاوتا (غیر troppo allegro)
11:17 چهارم. فینال (Molto vivace)

♫♪ ♫♪ ♫♪

سمفونی هفتم (لنینگراد) اثر دیمیتری شوستاکوویچ (سی ماژور، 1941)

در 2 ژوئیه 1942، یک خلبان بیست ساله، ستوان لیتوینوف، به طور معجزه آسایی از محاصره دشمن شکست و موفق شد دارو و چهار کتاب موسیقی چاق و چاق با آهنگ سمفونی هفتم D.D. را به محاصره لنینگراد بیاورد. شوستاکوویچ، و روز بعد یادداشت کوتاهی در لنینگرادسکایا پراودا ظاهر شد: "پارتیتور سمفونی هفتم دیمیتری شوستاکوویچ با هواپیما به لنینگراد تحویل داده شد. اجرای عمومی آن در تالار بزرگ فیلارمونیک خواهد بود.»

I. آلگرتو 00:00
II. Moderato (poco allegretto) 26:25
III. Adagio 37:00
IV. Allegro non troppo 53:40

♫♪ ♫♪ ♫♪

سخنرانی

ژانرهای سمفونیک

تاریخچه تولد سمفونی به عنوان یک ژانر

تاریخچه سمفونی به عنوان یک ژانر به حدود دو قرن و نیم باز می گردد.

در اواخر قرون وسطی در ایتالیا، تلاشی برای احیای نمایش باستانی انجام شد. این شروع یک نوع کاملاً متفاوت از هنر موسیقی و تئاتر - اپرا بود.
در اوایل اپرای اروپا، گروه کر نقش مهمی به عنوان تک خوان با گروهی از نوازندگان ساز که آنها را همراهی می کردند، ایفا نمی کرد. بین غرفه ها و صحنه در ابتدا، این مکان خاص "ارکستر" نامیده می شد و سپس خود نوازندگان.

سمفونی(یونانی) - همخوانیدر طول دوره از قرن XVI-XVIII. این مفهوم به معنای "ترکیب خوش صدا از صداها"، "آواز سرود هماهنگ" و "آثار موسیقی چند صدایی".

« سمفونی ها"تماس گرفت وقفه های ارکستری بین کنش های اپرا. « ارکسترها(یونانی باستان) نامیده می شد مناطق روبروی صحنه تئاتر، جایی که گروه کر در ابتدا در آن قرار داشت.

فقط در دهه 30 و 40. در قرن هجدهم یک ژانر ارکسترال مستقل شکل گرفت که به آن سمفونی می گفتند.

ژانر جدید بود یک اثر متشکل از چندین بخش (چرخه) و قسمت اول که معنای اصلی اثر را در بر می گیرد، قطعاً باید با «فرم سونات» مطابقت داشته باشد.

زادگاه ارکستر سمفونیک شهر مانهایم است. در اینجا ، در نمازخانه انتخاب کننده محلی ، ارکستری تشکیل شد که هنر آن تأثیر زیادی بر خلاقیت ارکستر و در کل پیشرفت بعدی موسیقی سمفونیک داشت.
« این ارکستر خارق العاده فضا و لبه های زیادی دارد- چارلز برنی مورخ مشهور موسیقی نوشت. در اینجا از افکت هایی که چنین انبوهی از صداها می توانند تولید کنند استفاده شد: اینجا بود که "کرشندو" "دیمینوندو" متولد شد و "پیانو" که قبلاً عمدتاً به عنوان اکو استفاده می شد و معمولاً مترادف با آن بود. فورته به عنوان رنگ‌های موسیقی شناخته می‌شوند که دارای سایه‌های خاص خود هستند، مانند قرمز یا آبی در نقاشی...»

برخی از اولین آهنگسازانی که در ژانر سمفونی کار کردند عبارتند از:

ایتالیایی - جیووانی سامارتینی، فرانسوی - فرانسوا گوسک و آهنگساز چک - یان استامیتز.

اما همچنان جوزف هایدن را خالق ژانر سمفونی کلاسیک می دانند. او صاحب اولین نمونه های درخشان سونات کیبورد، سه زهی و کوارتت است. در آثار هایدن بود که ژانر سمفونی متولد شد و شکل گرفت و آخرین شکل خود را که اکنون می گوییم کلاسیک به خود گرفت.

آی هایدن و دبلیو موتزارت بهترین چیزهایی را که موسیقی ارکسترال قبل از آنها غنی بود در خلاقیت سمفونیک خلاصه کردند و خلق کردند. و در همان زمان، سمفونی های هایدن و موتزارت امکانات واقعاً پایان ناپذیری را برای یک ژانر جدید باز کرد. اولین سمفونی های این آهنگسازان برای یک ارکستر کوچک طراحی شد. اما متعاقباً I. Haydn ارکستر را نه تنها از نظر کمی، بلکه از طریق استفاده از ترکیب‌های صوتی رسا از سازهایی که فقط با یکی از طرح‌های او مطابقت دارد، گسترش می‌دهد.

این هنر سازسازی یا ارکستراسیون است.

تنظیم و ارکستراسیون- این یک عمل خلاقانه زنده است، طراحی ایده های موسیقی آهنگساز. ابزارسازی خلاقیت است - یکی از جنبه های روح خود ترکیب.

در دوره خلاقیت بتهوون، سرانجام ترکیب کلاسیک ارکستر شکل گرفت که شامل:

رشته های،

ترکیب جفت سازهای چوبی،

2 (گاهی اوقات 3-4) شاخ،

2 تیمپان. این ترکیب نامیده می شود کم اهمیت.

G. Berlioz و R. Wagner به دنبال افزایش مقیاس صدای ارکستر با افزایش آهنگسازی 3-4 برابر بودند.

اوج موسیقی سمفونیک شوروی آثار اس پروکوفیف و د. شوستاکوویچ بود.

سمفونی...با یک رمان و یک داستان، یک فیلم حماسی و یک درام، یک نقاشی دیواری زیبا مقایسه می شود. معنیهمه این تشابهات روشن است. در این ژانر می توان آنچه را که مهم است بیان کرد، گاهی اوقات مهمترین چیزی که هنر برای آن وجود دارد، که انسان برای آن در جهان زندگی می کند. - میل به شادی، برای نور، عدالت و دوستی.

سمفونی یک قطعه موسیقی برای ارکستر سمفونیک است که به شکل سونات-دوره ای نوشته شده است.معمولاً از 4 بخش تشکیل شده است که بیانگر افکار پیچیده هنری در مورد زندگی انسان، در مورد رنج ها و شادی های انسان، آرزوها و انگیزه ها است. سمفونی هایی با قطعات بیشتر و کمتر، تا یک موومان وجود دارد.

برای تقویت جلوه های صوتی، گاهی اوقات سمفونی ها شامل می شوند گروه کر و تک آواز.سمفونی هایی برای ارکسترهای زهی، مجلسی، روحانی و غیره، برای ارکستر با ساز تکنواز، ارگ، گروه کر و آواز وجود دارد... . چهار قسمتسمفونی‌ها تضادهای معمولی حالات زندگی را بیان می‌کنند: تصاویر مبارزه دراماتیک (مرکز اول)، قسمت‌های طنز یا رقص (مینوت یا شرزو)، تفکر عالی (حرکت آهسته) و یک پایان رقص عامیانه یا فولکلور.

موسیقی سمفونیک موسیقی است که توسط سمفونیک اجرا می شود
ارکستر؛مهم ترین و غنی ترین رشته موسیقی دستگاهی،
شامل آثار بزرگ چند قسمتی، سرشار از ایدئولوژیک پیچیده
محتوای احساسی و قطعات موسیقایی کوچک موضوع اصلی موسیقی سمفونیک موضوع عشق و مضمون دشمنی است.

ارکستر سمفونی،
ترکیب انواع سازها، یک پالت غنی را ارائه می دهد
رنگ های صوتی، وسایل بیانی.

آثار سمفونیک زیر همچنان بسیار محبوب هستند: سمفونی L. Beethoven شماره 3 ("Eroic")، شماره 5، "Egmont" Overture;

P چایکوفسکی سمفونی شماره 4، شماره 6، اورتور رومئو و ژولیت، کنسرت (تمرکز،

S. Prokofiev سمفونی شماره 7

قطعات استراوینسکی I. از باله "Petrushka"

جی گرشوین سمفوجاز «راپسودی در آبی»

موسیقی برای ارکستر در تعامل مداوم با انواع دیگر هنر موسیقی توسعه یافت: موسیقی مجلسی، موسیقی ارگ، موسیقی کر، موسیقی اپرا.

ژانرهای مشخصه قرن 17-18: سوئیت، کنسرت- گروه ارکسترال، اورتورنمونه اپرا انواع سوئیت های قرن هجدهم: دگرگونی، سرناد، شبگردی.

ظهور قدرتمند موسیقی سمفونیک با ترویج سمفونی، توسعه آن به عنوان یک فرم سونات چرخه ای و بهبود نوع کلاسیک ارکستر سمفونیک همراه است. آنها اغلب شروع به معرفی به سمفونی و انواع دیگر موسیقی سمفونیک کردند گروه کر و تک آواز. اصل سمفونیک در آثار آوازی و ارکسترال، اپرا و باله تشدید شده است. ژانرهای موسیقی سمفونیک نیز شامل سمفونیتا، واریاسیون های سمفونیک، فانتزی، راپسودی، افسانه، کاپریچیو، شرزو، ترکیبی، مارش، رقص های مختلف، مینیاتورهای مختلف و غیره.رپرتوار سمفونیک کنسرت نیز شامل قطعات ارکستر فردی از اپرا، باله، درام، نمایشنامه، فیلم.

موسیقی سمفونیک قرن نوزدهم. تجسم دنیای عظیمی از ایده ها و احساسات. منعکس کننده مضامین اجتماعی گسترده، عمیق ترین تجربیات، تصاویری از طبیعت، زندگی روزمره و فانتزی، شخصیت های ملی، تصاویر هنرهای فضایی، شعر و فولکلور است.

ارکستر انواع مختلفی دارد:

گروه موسیقی (متشکل از سازهای بادی - برنجی و چوبی)

ارکستر زهی:.

ارکستر سمفونیک از نظر آهنگسازی بزرگترین و غنی ترین ارکستر در توانایی های خود است. برای اجرای کنسرت موسیقی ارکسترال در نظر گرفته شده است. ارکستر سمفونیک در شکل مدرن خود بلافاصله ظهور نکرد، بلکه در نتیجه یک روند طولانی تاریخی ظاهر شد.

یک ارکستر سمفونیک کنسرت، برخلاف ارکستر اپرا، مستقیماً روی صحنه قرار دارد و دائماً در میدان دید مخاطب قرار دارد.

به دلیل سنت‌های تاریخی، ارکسترهای سمفونیک کنسرت و اپرا مدت‌هاست که از نظر ترکیب متفاوت بوده‌اند، اما امروزه این تفاوت تقریباً از بین رفته است.

تعداد کل نوازندگان در یک ارکستر سمفونیک ثابت نیست: می تواند بین 60-120 (و حتی بیشتر) نفر در نوسان باشد. چنین گروه بزرگی از شرکت کنندگان به رهبری ماهرانه برای یک بازی هماهنگ نیاز دارند. این نقش متعلق به هادی است.

تا اوایل قرن نوزدهم، رهبر ارکستر خود در حین اجرا سازهایی را می نواخت - به عنوان مثال، ویولن. با این حال، با گذشت زمان، محتوای موسیقی سمفونیک پیچیده تر شد و این واقعیت کم کم رهبران ارکستر را مجبور به ترک چنین ترکیبی کرد.

سمفونی به یاد ماندنی ترین شکل موسیقی دستگاهی است. علاوه بر این، این بیانیه برای هر دوره ای صادق است - هم برای آثار کلاسیک های وینی و هم برای رمانتیک ها و هم برای آهنگسازان جنبش های بعدی ...

الکساندر مایکاپار

ژانرهای موسیقی: سمفونی

کلمه سمفونی از کلمه یونانی "سمفونیا" گرفته شده است و معانی مختلفی دارد. متکلمان این را راهنمایی برای استفاده از کلمات موجود در کتاب مقدس می نامند. این اصطلاح توسط آنها به توافق و توافق ترجمه شده است. نوازندگان این کلمه را به عنوان همخوان ترجمه می کنند.

موضوع این مقاله سمفونی به عنوان یک ژانر موسیقی است. به نظر می رسد که در یک زمینه موسیقی، اصطلاح سمفونی دارای چندین معانی مختلف است. بنابراین، باخ قطعات فوق‌العاده خود را برای سمفونی‌های کلاویه نامید، به این معنی که آنها یک ترکیب هارمونیک، ترکیبی - همخوانی - از چندین (در این مورد، سه) صدا را نشان می‌دهند. اما این استفاده از این اصطلاح قبلاً در زمان باخ - در نیمه اول قرن هجدهم - یک استثنا بود. علاوه بر این، در کار خود باخ، موسیقی با سبکی کاملاً متفاوت را نشان می دهد.

و اکنون به موضوع اصلی مقاله خود نزدیک شده ایم - سمفونی به عنوان یک اثر ارکسترال چند قسمتی بزرگ. از این نظر، سمفونی در حدود سال 1730 ظاهر شد، زمانی که مقدمه ارکسترال اپرا از خود اپرا جدا شد و به یک اثر ارکسترال مستقل تبدیل شد و یک اورتور سه قسمتی از نوع ایتالیایی را مبنای آن قرار داد.

خویشاوندی سمفونی با اورتور نه تنها در این واقعیت آشکار می شود که هر یک از سه بخش اورتور: سریع-آهسته-سریع (و حتی گاهی اوقات مقدمه آهسته آن) به بخش جداگانه ای مستقل از سمفونی تبدیل شده است. بلکه در این واقعیت که اورتور به سمفونی تضاد ایده ای از مضامین اصلی (معمولاً مردانه و زنانه) داد و بنابراین به سمفونی کشش و دسیسه دراماتیک (و دراماتورژیک) لازم برای موسیقی با فرم های بزرگ عطا کرد.

اصول سازنده سمفونی

کوه‌هایی از کتاب‌ها و مقالات موسیقی‌شناسی به تحلیل شکل سمفونی و سیر تحول آن اختصاص دارد. مواد هنری ارائه شده توسط ژانر سمفونی هم از نظر کمیت و هم از نظر تنوع فرم بسیار زیاد است. در اینجا می توانیم کلی ترین اصول را مشخص کنیم.

1. سمفونی به یاد ماندنی ترین شکل موسیقی دستگاهی است. علاوه بر این، این بیانیه برای هر دوره ای صادق است - برای کار کلاسیک های وینی، و برای رمانتیک ها، و برای آهنگسازان جنبش های بعدی. به عنوان مثال، سمفونی هشتم (1906) اثر گوستاو مالر، که در طراحی هنری باشکوه بود، برای تعداد زیادی - حتی بر اساس ایده‌های اوایل قرن بیستم - از بازیگران نوشته شد: یک ارکستر سمفونیک بزرگ گسترش یافت و شامل 22 بادی چوبی و 17 نوازنده شد. سازهای برنجی نیز شامل دو گروه کر مختلط و گروه کر پسران است. به این هشت سولیست (سه سوپرانو، دو آلتو، یک تنور، یک باریتون و یک باس) و یک ارکستر پشت صحنه اضافه شده است. اغلب به آن "سمفونی هزار شرکت کننده" می گویند. برای اجرای آن نیاز به بازسازی صحنه حتی سالن های کنسرت بسیار بزرگ است.

2. از آنجایی که سمفونی یک اثر چند موومانی است (سه، غالباً چهار و گاهی پنج موومان، مثلاً «پستورال» بتهوون یا «فانتاستیک» برلیوز)، واضح است که چنین فرمی باید بسیار مفصل باشد. برای از بین بردن یکنواختی و یکنواختی. (سمفونی یک موومانی بسیار نادر است؛ نمونه آن سمفونی شماره 21 اثر N. Myaskovsky است.)

یک سمفونی همیشه حاوی تصاویر، ایده ها و مضامین موسیقایی زیادی است. آنها به طریقی بین قطعات توزیع شده اند که از یک سو با یکدیگر تضاد دارند و از سوی دیگر نوعی یکپارچگی بالاتر را تشکیل می دهند که بدون آن سمفونی به عنوان یک اثر واحد درک نمی شود. .

برای ارائه ایده ای از ترکیب حرکات سمفونی، اطلاعاتی در مورد چندین شاهکار ارائه می دهیم ...

موتزارت سمفونی شماره 41 "مشتری"، د ماژور
I. Allegro vivace
II. آندانته کانتابیله
III. منوتو آلگرتو - سه نفر
IV. مولتو آلگرو

بتهوون سمفونی شماره 3، ماژور E-flat، Op. 55 ("قهرمانانه")
I. Allegro con brio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. فینال: Allegro molto، Poco Andante

شوبرت سمفونی شماره 8 در بی مینور (به اصطلاح "ناتمام")
I. آلگرو مودراتو
II. Andante con moto

برلیوز. سمفونی فوق العاده
I. رویاها. Passion: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. توپ: Valse. آلگرو غیر تروپو
III. صحنه در مزارع: آداجیو
IV. روند تا اعدام: Allegretto non troppo
V. رویا در شب شنبه: لارگتو - آلگرو - آلگرو
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

بورودین. سمفونی شماره 2 "Bogatyrskaya"
I. آلگرو
II. شرزو. Prestissimo
III. آندانته
IV. فینال. آلگرو

3. قسمت اول پیچیده ترین در طراحی است. در یک سمفونی کلاسیک معمولاً در قالب یک سونات نوشته می شود آلگرو. ویژگی این فرم این است که حداقل دو موضوع اصلی با هم برخورد می کنند و در آن توسعه می یابند که در کلی ترین اصطلاح می توان از آن به عنوان بیان کننده مذکر یاد کرد (این مضمون معمولاً نامیده می شود. حزب اصلی، از آنجایی که برای اولین بار در کلید اصلی اثر جای می گیرد) و اصل زنانه (این مهمانی جانبی- در یکی از کلیدهای اصلی مرتبط به صدا در می آید). این دو موضوع اصلی به نحوی به هم مرتبط هستند و گذار از اصلی به فرعی نامیده می شود حزب اتصالارائه همه این مطالب موسیقایی معمولاً نتیجه خاصی دارد، این قسمت نام دارد بازی نهایی.

اگر به یک سمفونی کلاسیک با توجهی گوش دهیم که به ما امکان می دهد بلافاصله این عناصر ساختاری را از اولین آشنایی با یک اثر مشخص کنیم، آنگاه تغییراتی در این مضامین اصلی در اولین موومان کشف خواهیم کرد. با توسعه فرم سونات، برخی از آهنگسازان - و بتهوون اولین آنها - توانستند عناصر زنانه را در درون مایه یک شخصیت مردانه و بالعکس شناسایی کنند و در مسیر توسعه این مضامین، آنها را در قالب های مختلف "روشن" کنند. راه ها. این شاید درخشان ترین - هم هنری و هم منطقی - تجسم اصل دیالکتیک باشد.

کل قسمت اول سمفونی به صورت سه قسمتی ساخته شده است که در آن ابتدا مضامین اصلی به شنونده ارائه می شود که گویی به نمایش گذاشته شده است (به همین دلیل به این بخش نمایشگاه گفته می شود) سپس توسعه و تحول می یابد (دوم بخش توسعه است) و در نهایت باز می گردند - یا به شکل اصلی خود، یا در برخی ظرفیت های جدید (تکرار). این کلی ترین طرحی است که هر یک از آهنگسازان بزرگ چیزی از خود در آن مشارکت داشته اند. بنابراین، ما دو ساختار یکسان را نه تنها در بین آهنگسازان مختلف، بلکه در میان یکسان نیز نخواهیم یافت. (البته اگر در مورد سازندگان بزرگ صحبت می کنیم.)

4. بعد از قسمت اول معمولاً طوفانی سمفونی، مطمئناً باید جایی برای موسیقی غنایی، آرام، عالی، در یک کلام، در حرکت آهسته وجود داشته باشد. در ابتدا، این قسمت دوم سمفونی بود و این یک قانون نسبتاً سخت تلقی می شد. در سمفونی های هایدن و موتسارت، حرکت آهسته دقیقاً دوم است. اگر در یک سمفونی فقط سه موومان وجود داشته باشد (مانند موتزارت در دهه 1770)، در این صورت حرکت آهسته واقعاً میانه می شود. اگر سمفونی دارای چهار موومان باشد، در سمفونی های اولیه یک مینوئت بین حرکت آهسته و فینال سریع قرار می گرفت. بعدها، با شروع بتهوون، مینوئت با یک اسکرو سریع جایگزین شد. با این حال، در مقطعی آهنگسازان تصمیم گرفتند که از این قاعده عدول کنند و سپس حرکت آهسته به سومین موومان در سمفونی تبدیل شد و اسکرو موومان دوم شد، همانطور که در "بوگاتیر" اثر A. Borodin می بینیم (یا بهتر بگوییم، می شنویم). سمفونی

5. پایان سمفونی های کلاسیک با حرکت پر جنب و جوش همراه با ویژگی های رقص و آواز، اغلب در یک روح عامیانه مشخص می شود. گاهی اوقات پایان یک سمفونی به یک آپوتئوزی واقعی تبدیل می شود، مانند سمفونی نهم بتهوون (Op. 125)، که در آن یک گروه کر و خوانندگان تک نفره به سمفونی معرفی شدند. اگرچه این یک نوآوری برای ژانر سمفونی بود، اما برای خود بتهوون نبود: حتی قبل از آن او فانتزیا را برای پیانو، گروه کر و ارکستر ساخته بود (Op. 80). این سمفونی شامل قصیده "به شادی" اثر F. Schiller است. فینال آنقدر در این سمفونی مسلط است که سه موومان قبل از آن به عنوان یک مقدمه بزرگ برای آن تلقی می شود. اجرای این فینال با فراخوان «میلیون‌ها در آغوش بگیرید!» در افتتاحیه اجلاس عمومی سازمان ملل - بهترین بیان آرزوهای اخلاقی بشریت!

سازندگان بزرگ سمفونی

جوزف هایدن

جوزف هایدن عمر طولانی (1732-1809) داشت. دوره نیم قرنی فعالیت خلاقانه او با دو شرایط مهم مشخص شد: مرگ جی. اس. باخ (1750) که به دوران چندصدایی پایان داد و اولین اجرای سومین سمفونی بتهوون («ارویک») که آغاز آن بود. دوران رمانتیسم در طول این پنجاه سال فرم های موسیقی قدیمی - توده، اوراتوریو و کنسرتو گروسو- با موارد جدید جایگزین شدند: سمفونی، سونات و کوارتت زهی. مکان اصلی که اکنون آثار نوشته شده در این ژانرها شنیده می شد مانند قبل کلیساها و کلیساها نبودند، بلکه کاخ های اشراف و اشراف بودند که به نوبه خود منجر به تغییر ارزش های موسیقی شد - شعر و بیان ذهنی وارد شد. روش.

هایدن در همه اینها پیشگام بود. اغلب - اگرچه نه کاملاً درست - او را "پدر سمفونی" می نامند. برخی از آهنگسازان، به عنوان مثال یان استامیتز و دیگر نمایندگان مکتب به اصطلاح مانهایم (مانهایم در اواسط قرن هجدهم، ارگ سمفونیزم اولیه بود)، قبلاً آهنگسازی سمفونی های سه موومان را خیلی زودتر از هایدن آغاز کرده بودند. با این حال، هایدن این فرم را به سطح بسیار بالاتری رساند و راه آینده را نشان داد. آثار اولیه او مهر تأثیر سی.اف.ای.باخ را دارند و آثار بعدی او سبکی کاملاً متفاوت - بتهوون - را پیش بینی می کنند.

قابل توجه است که او شروع به خلق آهنگ هایی کرد که با گذشت چهلمین سالگرد خود اهمیت موسیقایی مهمی پیدا کرد. باروری، تنوع، پیش بینی ناپذیری، شوخ طبعی، خلاقیت - این چیزی است که باعث می شود هایدن سر و شانه های خود را بالاتر از سطح هم عصرانش قرار دهد.

بسیاری از سمفونی های هایدن عناوین دریافت کردند. اجازه بدهید چند نمونه برایتان بیاورم.

A. Abakumov. بازی هایدن (1997)

سمفونی معروف شماره 45 "خداحافظ" (یا "سمفونی با نور شمع") نام داشت: در آخرین صفحات پایانی سمفونی، نوازندگان یکی پس از دیگری از نواختن دست می کشند و صحنه را ترک می کنند و تنها دو ویولون باقی می گذارند و به پایان می رسد. سمفونی با آکورد سوال لا - اف شارپ. خود هایدن به یک نسخه نیمه طنز از منشاء سمفونی گفت: شاهزاده نیکولای استرهازی یک بار برای مدت بسیار طولانی اجازه نداد اعضای ارکستر استرهازی را به مقصد آیزنشتات ترک کنند، جایی که خانواده هایشان زندگی می کردند. هایدن که مایل به کمک به زیردستان خود بود، نتیجه سمفونی "خداحافظی" را در قالب اشاره ای ظریف به شاهزاده نوشت - درخواست مرخصی که در تصاویر موسیقی بیان می شود. اشاره فهمیده شد و شاهزاده دستورات لازم را داد.

در عصر رمانتیسیسم، ماهیت طنز سمفونی فراموش شد و به معنای تراژیک آن اعطا شد. شومان در سال 1838 در مورد نوازندگانی که شمع های خود را خاموش می کردند و صحنه را در فینال سمفونی ترک می کردند نوشت: "و هیچ کس در همان زمان نمی خندید، زیرا زمانی برای خنده وجود نداشت."

سمفونی شماره 94 "با ضربه تیمپانی، یا غافلگیری" به دلیل تأثیر طنز در حرکت آهسته نام خود را دریافت کرد - خلق و خوی صلح آمیز آن با ضربه تند تیمپانی مختل می شود. شماره 96 "معجزه" به دلیل شرایط تصادفی شروع به نامگذاری کرد. در کنسرتی که قرار بود هایدن این سمفونی را رهبری کند، تماشاگران با ظاهر او از وسط سالن به سمت ردیف های خالی اول هجوم آوردند و وسط خالی بود. در آن لحظه یک لوستر در مرکز سالن فرو ریخت و تنها دو شنونده به طور جزئی مجروح شدند. در سالن فریادهایی شنیده شد: «معجزه! معجزه!" خود هایدن به شدت تحت تأثیر نجات غیرارادی بسیاری از مردم قرار گرفت.

برعکس، نام سمفونی شماره 100 "نظامی" اصلا تصادفی نیست - قسمت های افراطی آن با سیگنال ها و ریتم های نظامی خود به وضوح تصویر موسیقی اردوگاه را ترسیم می کند. حتی Minuet در اینجا (حرکت سوم) از نوع "ارتش" نسبتاً پرهیجان است. گنجاندن سازهای کوبه ای ترکی در پارتیتور سمفونی، دوستداران موسیقی لندن را به وجد آورد (ر.ک. "راهپیمایی ترکی" موتزارت).

شماره 104 "سالومون": آیا این ادای احترام به امپرساریو جان پیتر سالومون نیست که کارهای زیادی برای هایدن انجام داد؟ درست است که خود سالومون به لطف هایدن به قدری معروف شد که همانطور که روی سنگ قبرش مشخص است، "به دلیل آوردن هایدن به لندن" در کلیسای وست مینستر به خاک سپرده شد. بنابراین، سمفونی را باید دقیقاً «با آ lomon»، و نه «Solomon»، همانطور که گاهی اوقات در برنامه های کنسرت دیده می شود، که به اشتباه شنوندگان را به سمت پادشاه کتاب مقدس هدایت می کند.

ولفگانگ آمادئوس موتزارت

موتزارت اولین سمفونی خود را در هشت سالگی و آخرین سمفونی خود را در سی و دو سالگی نوشت. تعداد کل آنها بیش از پنجاه است، اما چندین جوان زنده نمانده اند یا هنوز کشف نشده اند.

اگر به توصیه آلفرد انیشتین، بزرگترین متخصص موتزارت عمل کنید و این تعداد را تنها با 9 سمفونی بتهوون یا چهار سمفونی برامس مقایسه کنید، بلافاصله مشخص می شود که مفهوم ژانر سمفونی برای این آهنگسازان متفاوت است. اما اگر سمفونی‌های موتزارت را که مانند بتهوون، واقعاً خطاب به یک مخاطب ایده‌آل خاص، به عبارت دیگر، برای کل بشریت، مشخص کنیم. انسانیت، سپس معلوم می شود که موتزارت نیز بیش از ده سمفونی از این دست نوشته است (اینشتین خود از "چهار یا پنج" صحبت می کند!). "پراگ" و سه سمفونی 1788 (شماره 39، 40، 41) کمک شگفت انگیزی به گنجینه سمفونی جهان است.

از این سه سمفونی آخر، سمفونی میانی، شماره 40، شناخته شده ترین است. تنها "سرناد شبانه کوچک" و اورتور اپرای "ازدواج فیگارو" می توانند در محبوبیت با آن رقابت کنند. اگرچه تعیین دلایل محبوبیت همیشه دشوار است، اما یکی از آنها در این مورد ممکن است انتخاب لحن باشد. این سمفونی به زبان ژ مینور نوشته شده است - برای موتزارت که کلیدهای ماژور شاد و شاد را ترجیح می داد، نادر است. از چهل و یک سمفونی، فقط دو سمفونی با کلید مینور نوشته شده است (این بدان معنا نیست که موتزارت در سمفونی های اصلی موسیقی مینور ننوشته است).

کنسرتوهای پیانوی او آمار مشابهی دارند: از بیست و هفت کنسرتو، تنها دو عدد کلید فرعی دارند. با توجه به روزهای سیاهی که این سمفونی در آن ساخته شد، ممکن است به نظر برسد که انتخاب تونالیته از پیش تعیین شده بود. با این حال، در این آفرینش چیزی بیش از غم و اندوه روزمره هر شخص وجود دارد. باید به خاطر داشته باشیم که در آن دوران، آهنگسازان آلمانی و اتریشی به طور فزاینده ای در دام ایده ها و تصاویر جنبش زیبایی شناسی در ادبیات به نام «استورم و درنگ» قرار گرفتند.

نام جنبش جدید توسط درام "استورم و درنگ" (1776) اثر F. M. Klinger داده شد. تعداد زیادی از درام ها با قهرمانان فوق العاده پرشور و اغلب متناقض ظاهر شده اند. آهنگسازان همچنین مجذوب این ایده بودند که با صداها شدت دراماتیک احساسات، مبارزات قهرمانانه و اغلب آرزوی آرمان های غیرقابل تحقق را بیان کنند. جای تعجب نیست که در این فضا موتزارت نیز به کلیدهای فرعی روی آورد.

برخلاف هایدن، که همیشه مطمئن بود سمفونی‌هایش - یا در برابر شاهزاده استرهازی، یا مانند "لندنی‌ها" در مقابل مردم لندن اجرا می‌شوند - موتزارت هرگز چنین تضمینی نداشت و با وجود این، او شگفت آور پربار اگر سمفونی های اولیه او اغلب سرگرم کننده یا، همانطور که اکنون می گوییم، موسیقی "سبک" هستند، سمفونی های بعدی او "برجسته برنامه" هر کنسرت سمفونی هستند.

لودویگ ون بتهوون

بتهوون 9 سمفونی خلق کرد. احتمالاً بیش از یادداشت هایی که در این میراث وجود دارد، درباره آنها کتاب نوشته شده است. بزرگترین سمفونی های او عبارتند از: سمفونی سوم (ال ماژور، "Eroica")، پنجم (C مینور)، ششم (F ماژور، "Pastoral") و نهم (D مینور).

... وین، 7 مه 1824. اولین سمفونی نهم. اسناد به جا مانده گواه آنچه در آن زمان رخ داده است. خود اعلام اولین نمایش آتی قابل توجه بود: «آکادمی بزرگ موسیقی که توسط آقای لودویگ ون بتهوون سازماندهی می شود، فردا، 7 مه برگزار می شود.<...>سولیست ها خانم سونتاگ و اونگر و همچنین آقایان هایتزینگر و سیپلت خواهند بود. کنسرت ارکستر آقای شوپانزیگ و رهبر ارکستر آقای املاف است.<...>آقای لودویگ ون بتهوون شخصاً در کارگردانی کنسرت شرکت خواهد کرد.»

این جهت در نهایت منجر به این شد که بتهوون خودش سمفونی را رهبری کند. اما چگونه ممکن است این اتفاق بیفتد؟ از این گذشته ، در آن زمان بتهوون قبلاً ناشنوا بود. بیایید به اظهارات شاهدان عینی بپردازیم.

جوزف بوم، نوازنده ویولن ارکستر که در آن کنسرت تاریخی شرکت کرد، نوشت: «بتهوون خودش را رهبری کرد، یا بهتر است بگوییم، او در مقابل جایگاه رهبر ارکستر ایستاد و دیوانه‌وار اشاره کرد». - ابتدا به سمت بالا دراز کشید، سپس تقریباً چمباتمه زد، دستانش را تکان داد و پاهایش را تکان داد، انگار خودش می خواست همه سازها را همزمان بزند و برای کل گروه کر بخواند. در واقع املاف مسئول همه چیز بود و ما نوازندگان فقط مراقب باتوم او بودیم. بتهوون به قدری هیجان زده بود که کاملاً از اتفاقات اطرافش بی خبر بود و به تشویق های طوفانی که به دلیل نقص شنوایی به سختی به هوش می آمد توجهی نکرد. در پایان هر شماره باید به او می‌گفتند که دقیقا چه زمانی باید برگردد و از تماشاگران به خاطر تشویق‌هایشان تشکر می‌کردند، که او بسیار ناخوشایند این کار را انجام داد.»

در پایان سمفونی، زمانی که کف زدن از قبل رعد و برق بود، کارولین آنگر به بتهوون نزدیک شد و به آرامی دست او را متوقف کرد - او همچنان به رهبری ادامه داد، بدون اینکه متوجه شود اجرا تمام شده است! - و به سمت سالن چرخید. سپس برای همه آشکار شد که بتهوون کاملاً ناشنوا بود ...

موفقیت بسیار زیاد بود. مداخله پلیس برای پایان دادن به تشویق ها لازم بود.

پیتر ایلیچ چایکوفسکی

در ژانر سمفونی P.I. چایکوفسکی شش اثر خلق کرد. آخرین سمفونی - ششم، بی مینور، اپ. 74 - او را "رقیق" نامید.

در فوریه 1893، چایکوفسکی طرحی برای سمفونی جدیدی ارائه کرد که به سمفونی ششم تبدیل شد. او در یکی از نامه‌هایش می‌گوید: «در طول سفر به فکر سمفونی دیگری افتادم... با برنامه‌ای که برای همه معمایی خواهد ماند... این برنامه بسیار آغشته به ذهنیت است و اغلب در طول سفر، با نوشتن ذهنی آن، بسیار گریه می کنم."

سمفونی ششم توسط آهنگساز خیلی سریع ضبط شد. تنها در یک هفته (4 تا 11 فوریه)، او کل قسمت اول و نیمی از دوم را ضبط کرد. سپس کار برای مدتی با سفر از کلین، جایی که آهنگساز در آن زمان زندگی می کرد، به مسکو قطع شد. با بازگشت به کلین، از 17 تا 24 فوریه روی قسمت سوم کار کرد. سپس یک استراحت دیگر وجود داشت و در نیمه دوم مارس آهنگساز پایان و قسمت دوم را به پایان رساند. ارکستراسیون باید تا حدودی به تعویق بیفتد زیرا چایکوفسکی چندین سفر دیگر را برنامه ریزی کرده بود. در 12 آگوست، ارکستراسیون به پایان رسید.

اولین اجرای سمفونی ششم در 16 اکتبر 1893 در سن پترزبورگ به رهبری نویسنده انجام شد. چایکوفسکی بعد از اولین نمایش نوشت: «یک اتفاق عجیب با این سمفونی در حال رخ دادن است! اینطور نیست که آن را دوست نداشته باشم، اما باعث سردرگمی شده است. در مورد من، من بیش از هر ترکیب دیگری از خودم به آن افتخار می کنم.» وقایع بعدی غم انگیز بود: نه روز پس از اولین نمایش سمفونی، پی چایکوفسکی به طور ناگهانی درگذشت.

وی. باسکین، نویسنده اولین بیوگرافی چایکوفسکی، که هم در اولین اجرای سمفونی و هم در اولین اجرای آن پس از مرگ آهنگساز، زمانی که E. Napravnik رهبری می کرد (این اجرا پیروزمندانه شد) حضور داشت، نوشت: «ما به یاد داریم حال و هوای غم انگیزی که در سالن مجمع اشراف حاکم بود در 6 نوامبر ، هنگامی که سمفونی "Pathetique" که در اولین اجرا تحت رهبری خود چایکوفسکی به طور کامل مورد توجه قرار نگرفت ، برای دومین بار اجرا شد. در این سمفونی که متأسفانه به آهنگ قو آهنگساز ما تبدیل شد، او نه تنها از نظر محتوا، بلکه از نظر فرم نیز جدید ظاهر شد. به جای معمول آلگرویا Prestoآن آغاز می شود آداجیو لامنتوسو، شنونده را در غمگین ترین حالت قرار می دهد. در آن آداجیوبه نظر می رسد که آهنگساز با زندگی خداحافظی می کند. تدریجی morendo(ایتالیایی - محو شدن) کل ارکستر ما را به یاد پایان معروف هملت می اندازد: بقیه ساکت هستند"(بیشتر - سکوت)."

ما فقط توانستیم به طور خلاصه در مورد چند شاهکار موسیقی سمفونیک صحبت کنیم، علاوه بر این، بافت موسیقی واقعی را کنار بگذاریم، زیرا چنین گفتگوی به صدای واقعی موسیقی نیاز دارد. اما حتی از این داستان روشن می شود که سمفونی به عنوان یک ژانر و سمفونی ها به عنوان آفریده های روح انسان منبع ارزشمندی از بالاترین لذت هستند. دنیای موسیقی سمفونیک عظیم و تمام نشدنی است.

بر اساس مطالب مجله "هنر" شماره 08/2009

روی پوستر: تالار بزرگ فیلارمونیک آکادمیک سن پترزبورگ به نام D. D. Shostakovich. توری هوانگ (پیانو، ایالات متحده آمریکا) و ارکستر سمفونیک آکادمیک فیلارمونیک (2013)